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Milencora. Episodio 19. Shinedown + DYNAZTY. Para fliparlo…

¡HOLA JÓVENES! Bienvenidos a otro episodio de Milencora, tu podcast de Rock y Metal. En la primera parte de este episodio 19 os voy a pinchar los mejores temas de Shinedown, una banda estadounidense que en sus inicios presentaban un Rock Alternativo pero que con el tiempo fue endureciendo su sonido hasta acabar haciendo un Hard Rock acercándose a veces al Metal. Yo los conocí el pasado verano con motivo del Download Festival de Madrid, y quedé muy sorprendido con estos tipos. Espero acertar con ellos y que quedéis muy contentos con su música.

Los seguidores de Milencora creo que lo pasarán aún mejor en la segunda parte de este nuevo programa ya que la banda protagonista será aún más de vuestro agrado. Os hablo de mis amados Dynazty, una banda sueca que comenzó allá por el 2009 con un Hard Rock súper melódico pero que desde la primavera de 2014, con su tercer disco, se pasaron directamente el Heavy Metal sin dejar de hacer temas inflados de melodías y estribillos muy potentes.

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¡Disfrutad de esta nueva entrega de Milencora!

Lista de canciones:

Shinedown:

  1. Dangerous
  2. Kill Your Conscience
  3. Bully
  4. Devil
  5. Cute The Cord
  6. Second Chance
  7. I Dare You
  8. Black Soul
  9. Fly From The Inside
  10. No More Love

Dynazty:

  1. Starlight
  2. The Human Paradox
  3. Incarnation
  4. Breathe With Me
  5. Untamer Your Soul
  6. Salvation
  7. Free Man’s Anthem
  8. Stand As One
  9. Falling
  10. Land Of A Broken Dreams

Milencora. Episodio 17. HARD ROCK AÑEJO

BIENVENIDOS a otro episodio de Milencora, amigos. Mi intención en este nuevo programa es mostraros una buena compilación de Hard Rock ochentero y noventero, alejándome de toda banda archiconocida. Aquí ni van a sonar los Mötley Crüe, ni los Poison, ni Aerosmith, ni Alice Cooper, ni Van Halen, nada, aquí van a sonar temas excelentes, muy buenos, pero que pertenecen a esas bandas que no alcanzaron la popularidad de las mencionadas antes, aunque dejaron igualmente un material bastante notable y que siempre quedará en la historia.

Los que sois amantes del Hard Rock obvio conoceréis muchas de las bandas que hoy se dan cita en este Episodio 17. Pero como nunca me cansaré de deciros, en cada programa busco sorprenderos, ofreceros algo que nunca hayáis escuchado. Es por eso que he rebuscado bien en el cajón del Hard Rock para traeros esas bandas que tanto hicieron por el género pero que tan poco éxito acabaron cosechando, tanto que en este programa vais a escuchar a bandas que sólo publicaron un solo disco para posteriormente desaparecer para siempre.

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Decidme qué os ha parecido esta nueva entrega. Pasad un gran fin de semana de carnaval y, disfrazados o no, espero que disfrutéis muchísimo. Os espero en el próximo episodio de Milencora.

¡Un abrazo a todos y gracias por estar ahí, jóvenes!

Lista de canciones:

01. Touch Me – Silent Rage
02. Keep It Coming – Maniac Eden
03. Murderess – TigerTailz
04. Power Love – Lion
05. Miracles – Blonz
06. I Believe In Rock N’ Roll – Bam Bam Boys
07. I’ll Be There – Red Dawn
08. Midnight Love – Fifth Angel
09. Toy Soldier – Riverdogs
10. We’re Wild, Young And Free – Swedish Erotica
11. Lonely Rose – Sons Of Angels
12. The River Song – Wild Horses
13. Broken Promises – Blind Date
14. Sweet Jesus – Pride And Glory
15. Tough Guys – King Kobra
16. She Can’t Stop – Bangalore Choir
17. There Was A Time – Baton Rouge
18. My Blue Moon – Baltimore III
19. Looking For Away – Hard Rain
20. Freedom – Fate


Milencora. Episodio 13. ¡HARD SÚPER MELÓDICO!

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¡Este verano de 2018 no podía terminar sin una buena dosis de Hard Rock melódico! Es por eso que aquí tenéis otro programa más para amenizar vuestros días de verano con mucha fuerza y melodía. Veinte temas escogidos con mucho mimo para poner música a un verano que espero, esté siendo maravilloso. Los que conocéis Milencora sabéis de sobra que no presento nunca nada que esté manido u os haga sentir indiferentes, elijo minuciosamente todos los temas para conseguir embelesaros con cada episodio de este talk-show de Rock y Metal. Sonarán bandas como Treat, Reckless Love, Dynazty, Sunstorm, Eclipse, y muchas más.

Podéis participar mandando vuestras notas de voz a través de WhatsApp como ya hacen varios oyentes y por supuesto, también dejando vuestros comentarios en Ivoox o en las redes sociales.

Lista de canciones:

 

  1. Highway Of Love – Shinning Line

  2. Need You To Understand – Art Nation

  3. Heaven Sent – Hinder

  4. Falling Rain – Crashdiet

  5. Kiss Of Life – VEGA

  6. Land Of A Broken Dreams – Dynazty

  7. Bleed And Scream – Eclipse

  8. Edge Of A Broken Heart – Vixen

  9. Night Of Fire – Reckless Love

  10. Ghost Of Graceland – Treat

  11. Keep Tonight – Sunstorm

  12. Line Of Fire – The Poodless

  13. Gotta Be Somebody – Nickelback

  14. Life is a song – Warrant

  15. Your Eyes – House Of Lords

  16. Dancer – Place Vendome

  17. Lost – The Magnificent

  18. I Will Carry You – Los Angeles

  19. One Single Breath – Brother Firetribe

  20. Don’t Say It’s Over – GUN

GRACIAS POR VUESTRO APOYO ¡HASTA EL PRÓXIMO EPISODIO, AMIGOS! UN ABRAZO


Revolutions Saints [2015] Instantáneamente, disco del año

Grunge rust metal surface with vignette.

La banda está formada por el guitarrista Doug Aldrich (Whitesnake, Dio), el baterista Deen Castronovo (Journey, Ozzy Osbourne, Bad English, Cacophony) y el bajista Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees). Así que nada malo podría salir de ella. Y efectivamente, para mí el disco presentado por esta nueva formación, un auténtico supergrupo, es el más indicado a ser el disco del año en su género.

Los incondicionales de esta música sabemos perfectamente lo que un disco como este supone para nosotros. Caemos completamente rendidos cuando escuchamos canciones de este calado. Quizás a estas alturas para muchos esta música ya esté muy manida, de fórmula sencilla, que nada nuevo puede aportar. Son cosas que leo de vez en cuando por parte de esos que entienden mucho de música. Los mismos que no se han escuchado un disco de Led Zeppelin en su vida y van diciendo que tal o cual grupo del underground más profundo son lo mejor que han escuchado en sus vidas. Yo no puedo estar más en desacuerdo. La música es pasión, y ésta no entiende de límites. Como la vida misma. Crear de la nada una canción tan henchida de energía, vivacidad, sonoridad y gigantesca melodía, no es fácil. Concebir de la nada canciones que logren llevar a una persona del hastío al entusiasmo, es toda una proeza.

Las canciones que contiene este disco son un auténtico arranque, puro apasionamiento. Era de esperar y más teniendo en cuenta la de tablas que tienen sus componentes y la de ganas que hay que tener para, a estas alturas de la película, estar tan motivados por engendrar una nueva banda y comenzar un nuevo camino en la música. Para mí es admirable que estos tipos tengan la misma ansia por seguir haciendo esta música, su música, tras tantos y tantos años. Mantener el espíritu joven lo llaman. Como he dicho, este disco de Revoutions Saints tiene todos los papeles para convertirse en el disco del año, si no lo es ya, aunque aún queda mucho de este 2015. Por si fuera poco, en él colaboran artistas como Neal Schon, guitarrista líder de la mítica banda Journey y Arnel Pinea, su actual vocalista desde hace ya unos años.

Comienza este gran proyecto con Back On My Trail, todo un derroche de fuerza para empezar con el disco. Un disco que es de esos que no decaen, en el que todos sus temas mantienen el nivel de las anteriores. Para mí, desde la primera escucha, pasó a convertirse en todo un estandarte del Hard Rock más melódico, ya que dentro de este estilo, discos de este calibre ya salen bien pocos. Turn Back Time es sin duda el plato fuerte (me gusta llamar así a las mejores canciones de un disco). Hacía mucho tiempo que no quedaba tan seducido por una canción. Su melodía es trepidante y el estribillo pegajoso a más no poder. No te la quitas de la cabeza. Es de esos temas que escuchas en modo replay sin cansarte.

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You’re Not Alone, donde a las voces aparece Arnel Pineda es un magnifico medio tiempo, y no es el único en este disco. Bendita vehemencia. Una canción para enmarcar. Las guitarras cobran mucho protagonismo en Locked Out Of Paradise, suenan de escándalo y siempre acompañadas de una melodía de gran nivel. Con Way To The Sun (en esta ocasión junto a Neal Schon) tenemos otro medio tiempo enriquecedor, de corte más moderno pero sin perder esos aires clásicos. Todos son temas sobresalientes, pero el siguiente corte es de los más formidables. Me refiero a Dream On, y escuchándola es imposible no acordarse de los Journey actuales. Esta canción es Journey 100%, y no es de extrañar estando el señor Castronovo presente, la influencia es inevitable.

Difícil encontrar un disco con tanto medio tiempo de calidad. Don’t Walk Away roza la perfección. Es sin duda alguna la que más romanticismo demuestra. Decir que la voz de Deen Castronovo me parece realmente idílica para este estilo de música. Una voz a medida. Le sigue otro tema de la misma medida, Here Forever, de mayor fuerza y melodía. Siento si me repito, pero me encandila la condición de estas canciones. Todas de gran encaje. Esto es lo que se dice, un auténtico discazo.

De vueltas con el Hard Rock más clásico, tenemos Strangers To This Life y Better World. Con esta última de nuevo sientes como si escucharas a los mejores Journey sobre todo en esas estrofas que preceden al estribillo. De un corte más moderno es How To Mend A Broken Heart, y sobre todo más cañero, donde las guitarras se agudizan y la batería se vuelve más pesada. Y de nuevo, un señor estribillo. El disco como comprobaréis, no decae. Es pura energía.

Y por si alguien puede pensar por un instante al leer esta reseña que soy un tanto exagerado a la hora de describir estas canciones, le invito que escuche In The Name Of The Father. Venga. ¿Os parezco exagerado aún? ¡A mí me faltan las palabras para lograr referirme y, además brevemente, a este tipo de canciones!

ExtrAORdinaria música, amigos míos…



Pearl Jam – Binaural [2000]

Me encanta Pearl Jam y me encanta Eddie Vedder. Esta es de esas bandas que me trasportan, que me envuelven en esa ambiente de Rock puro, palpable. Y la voz de Eddie Vedder no podría ser más idílica para crear esa sensación, quizás un poco rara de describir, pero que te hace sentir espléndido, sabiendo que lo que escuchas y lo que te hace sentir es auténticamente genuino. Con este disco nos trasportamos al año 2000, concretamente al mes de mayo de aquél año. Un año con el que todos entrabamos en un nuevo siglo que, sin duda, traería cosas nuevas, y qué cosas amigos míos…

Como ya sabemos, a finales de los 90 el Rock sufría un vendaval de cambios. Durante las dos últimas décadas el Rock había sido el género que reinaba en todas las radios del planeta, y vertientes de este estilo como el Hard o el Glam llegaron a colapsar las emisoras de radio, cadenas televisivas y por supuesto, las tiendas de discos, pues el aluvión de grupos que durante esos años se encargaban de repetir la misma fórmula era salvaje. No era de extrañar que todo diese un giro radical y se comenzaran a escuchar nuevas caracteres y los medios apuntaran a otras propuestas. Los últimos años de los 90 y principios de los 2000 fueron una criba musicalmente hablando. Reinventarse o morir. Pero esta revolución parecía no afectar a grupos que años atrás ya estaban más que consagrados. Y Pearl Jam es un ejemplo de esas bandas que, a pesar de que con este disco endurecieron algo su sonido, siguieron con esas ondas tan características de la banda.

Después de un glorioso Yield, disco con el que la banda terminó de consagrarse y que contentó de sobra a prensa y público, los fans de Pearl Jam ansiaban poder catar este nuevo trabajo que poco se parecería al anterior. Binaural está acordonado en entorno más denso, algo más oscuro, pero que no se aleja radicalmente de los requiebros propios de la banda. Con Breakerfall da comienzo este disco, al más puro estilo Hard Rock. Una letra sentimental en el que se nos habla de la pérdida del amor. Y es que una de las cosas que más admiro de esta banda son sus escritos. Si no conoces bien este grupo, te aseguro desde ya que es de los mejores en cuanto a letra. Aunque también os aseguro que me cuesta ser objetivo con este disco en concreto, pues es de mis favoritos. God‘s Dice sigue la senda marcada por Breakerfall, pero la temática del tema es totalmente distinta, aquí nos habla de la cabezonería del ser humano en vivir siguiendo dogmas, dejando su destino en manos de Dios. Con Evacuation la banda forma un tándem en su inicio puramente hardrockero, Estamos ante una de mis canciones preferidas de Pearl Jam. En esta ocasión la banda se centra en ese respiro que todos debemos darnos de vez en cuando, debemos evacuarnos de todo lo que nos oprime y no nos deja ser nosotros mismos, tenemos que alejarnos de todo lo que nos hace daño, arreglar nuestros destrozos y recomponernos.

Light Years es uno de los platos fuertes de este álbum, un medio tiempo, otra de las cancione de las que nunca podré olvidarme. Esta canción es otra de mis preferidas, y trae a mi mente dulces recuerdos de mi adolescencia. Un tema salpicado por esa enredada melancolía que se cierne sobre ti cuando recuerdas a esas personas que ya no están a tu lado. Nothing As It Seems resulta hipnótica por momentos y son en estos temas donde mejor uno aprecia la envolvente voz de Vedder, una de las más reconocibles y admirables del panorama musical. Thin Air da un rodeo al lado más southern de la banda, otro tema que quizás no posea el aprecio que debería pero que personalmente me resulta de lo más magnético.

Insignificance sigue la senda de Do The Evolution en cuando a temática. Aquí los riffs de guitarra son más protagonistas y la voz aumenta su tonalidad, es un tema mucho más enérgico pues la letra lo requiere, volvemos a ver con este tema el lado más reivindicador de la banda. Of The Girl es el tema más calmado de este disco que a medida que avanza va uno cogiéndole más el gusto, aunque sinceramente es de los pocos temas de esta banda que no logran atraparme. Grievance da la puntilla con un Rock más alternativo pero igualmente contundente y rápido como lo fueron los primeros. Con Rival coquetean con los tintes más progresivos, esos tan característicos de los setenta, o al menos a mí me lo parece. Este tema está inspirado en la famosa matanza de Columbine, donde unos jóvenes armados hasta los dientes se presentaron en su instituto, asesinando a doce alumnos y a uno de los profesores. Vuelve la densidad a este trabajo con Sleight Of Hand, un tema más concentrado y profundo, con unos sonidos engrosados y una letra bastante pesimista.

Vedder siente amor por el ukelele, y en su carrera en solitario bien se aprecia. Soon Forget no causó mucho entusiasmo en los fans, aunque en directo siempre ha sido bien recibida. Acaba este álbum con Parting Ways, otro tema apesadumbrado, afligido. Narra la historia de dos individuos que ponen fin a un momento de sus vidas, dos personas que deciden tomar caminos separados, y es precisamente con este tema, donde Pearl Jam decide poner fin a este gran trabajo. No lo sabía hasta que lo leí años después por internet, pero al final de esta canción, se oye tras unos segundos de silencio un persona tecleando una máquina de escribir, y es el modo en que Eddie Vedder homenajea ese máquina que durante años ha utilizado para plasmar sus letras.

 


DARE – Blood From Stone [1991]

¡Viernes noche, con un poco de tiempo libre y con ganas de escribir en Anhelarium! Podría escribir sobre cualquier cosa, porque son varias las entradas que tengo pendientes, pero aquí me tenéis, hablando una vez más sobre DARE. Si es que no lo puedo evitar, son una banda única, ¡imprescindibles!

Intentaré no enrollarme tanto e iré al grano. Con este, su segundo disco, en pleno año 1991, la banda liderada por Darren Wharton (ex teclista de Thin Lizzy) se alejaba del sonido AOR de su disco debut y junto al resto de la banda, se marcaba un auténtico discazo de Hard Rock. Es el único disco de este palo en toda su discografía, puesto que en el 98, con Calm Before The Storm, volvían a ese AOR melancólico y con ese toque que sólo DARE sabe darle.  El disco, es de principio a fin, una maravilla, como todo lo que hace Darren en este grupo. Puro Hard Rock con estribillos y melodías muy pegadizas, un Hard Rock que te arranca las ganas de saltar y bailar desde la primera canción. Y si no me crees, enchufa bien los altavoces, ponlos a todo volumen,  y alucina con Wings of Fire, el tema que abre este Blood From Stone. Con este tema el disco comienza de una forma inmejorable, el tema posee fuerza y garra, un canción totalmente hímnica. Pero, amigos míos, agarraos porque aún queda mucho más. La siguiente ese We Don’t Need a Reason, un tema que no se queda atrás con respecto al anterior. Incluso aquí me gusta mucho más la voz desgarrada de Darren y los duelos de guitarras de Vinnie Burns y Brian Cox, ¡alucinantes! La banda trasmite con esta canción las ilusión y las ganas que le han puesto a este su segundo disco de estudio.

Pero Greg Morgan, con un breve pero intenso aporreo en sus parches, da comienzo a mi canción favorita de Blood From Stone, ¡Surrender! Para mí es sin duda el plato fuerte de este disco, y la canción más enérgica que tienen en toda su discografía. Las guitarras en este tema son bestiales, el solo de Vinnie es sensacional, la voz de Darren en estado puro, y el estribillo, un prodigio del Hard Rock melódico, con unos coros pegadizos, bailables, es un tema que no puedes dejar pasar si te gusta el Rock más armonioso, más dinámico. Esto es Rock puro Rockm amigos míos. ¡Y que nunca pare!

Chains es el siguiente tema, un tema con aires sureños, con unas guitarras muy a lo country y que en ningún momento baja el listón, pues estamos de nuevo ante un tema intenso, emocionante. La power ballad no ser haría esperar, y por eso la banda nos regala a continuación una canción preciosa, conmovedora, titulada Lies. Aquí sacaré a relucir mi vena fanática y os diré que muchas son las bandas de Hard Rock que hacen auténticos baladones, pero pocos o ninguno tiene la magia que desprenden estos músicos, y sobre todo, esta voz, la voz de Darren Wharton. ¡A qué buena hora decidió dejar los teclados y ponerse a cantar! La letra de esta enamoradiza canción es preciosa, sentida y verdadera.

Nos pasamos ahora al Hard Rock más puro, aquél al que mejor acompaña un Whisky a palo seco, con el tema Live to Fight Another Day, con un riff descomunal y un ritmo tenaz y poderoso. A continuación, otro tema súper pegadizo, Cry Wolf, con más intensidad y melodía, un tema perfecto para los directos, de esos que hacen vibrar al público. Poco tiene que envidiar los dos temas que le siguen, Breakout y Wild Heart, unos temas coreables y rockeros a todo poder. Estando ya en la recta final del álbum, habrás comprobado que no tiene un tema flojo, y ni mucho menos malo. ¡Todos son pura maestría! Es curioso que no volvieran a hacer un disco así, porque seguro que podrían igualarlo o incluso mejorarlo, porque sólo ellos sabrían cómo hacerlo. De los dos, sin duda me quedo con Wild Heart, y es que donde estén unos coros así en un estribillo melódico y pegadizo… ¡A mí eso me pierde la cabeza!

Para despedir este trabajo, no podría ser menos, y la banda nos regala otra power ballad, Real Love, a mi parecer, mucho mejor que la anterior, ¡y ya es decir! Puedes preguntarle a cualquier fan de la banda y estoy seguro que sacará a relucir este tema. Estoy seguro que si se hiciera una encuesta entre los amantes de DARE, este tema sería uno de los más votados. ¿Por qué? Porque, y sin pretender sonar demasiado fanático, es perfecto. Tiene todo lo que un amante de este estilo anhela. Tiene muchísima pasión, una letra verdaderamente enamoradiza y sensible, y musicalmente logra alcanzar esas melodías que sólo grupos como este saben concebir.

DARE crea una música irresistible, de un talento desbordante, y como solemos decir mucho los andaluces, la banda continuamente muestra tener muchísimo poderío.

Ya son más de veinte años ofreciéndonos buena música, y qué música…

Thank you, DARE!

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La idílica voz de Johnny Gioeli

gioeli_slide1Con motivo del último artículo publicado sobre el Hard melódico, no he visto mejor momento que este para hablaros sobre el que es mi cantante favorito, Johnny Gioeli. Desde hace un tiempo a rondado por mi cabeza dedicarle en Anhelarium un articulo a este magnífico artista que, desde hace años, es su voz la que pone gran parte de la música en mi vida. Una voz rasgada, potente, con muchísima personalidad, una voz con un timbre y estilo único.

Como siempre he hecho cuando he hablado sobre alguien en concreto, me gustaría hacer una breve presentación. Johnny Gioeli,  es un famoso cantante de Hard Rock de origen norteamericano. Nació en Brooklyn, New York, en 1967 (en la actualidad tiene 46 años) y desde 1983, desde que tenía tan sólo 17 años, lleva dedicando su vida a la música que tanto ama, al Rock puro Rock.

A la edad de 17 años, tocaba la batería en Killerhit, un grupo que formó con su hermano Joey. No cosecharon demasiada popularidad hasta finales de esa misma década donde, tras haber asistido a varios festivales y codearse con diversos artistas pertenecientes a grupos como Poison o Van Halen, decidieron formar otro grupo llamado, Hardline.

El éxito de Hardline

Hardline fue el nuevo proyecto en el que se embarcan los hermanos Gioeli. Justo antes de editar el disco debut, el productor de éstos Neal Schon, guitarrista de Journey, quedó tan maravillado con los temas que Joey y Johnny tenían preparados para sacar al mercado que Neal pidió a Joey, si por favor, éste podía pertenecer a la banda. Poneos en situación, imaginaos por unos instantes que el guitarrista de Journey os pide el favor de pertenecer a vuestra propia banda ya que se ha enamorado de los temas que tenéis preparados. ¡Se le sube a uno el ego por las nubes!

En 1991, se edita el que es uno de los mejores discos debut de la historia del Rock, Total Eclipse, el cual se merece un artículo aparte en Anhelarium y que por supuesto, tendrá. El disco es perfecto, de principio a fin, y sin entrar en detalles exhaustivos, como ejemplo podéis escuchar los que son par a mí (y supongo que para la mayoría) los mejores temas del álbum, como Dr.Love, Takin’ Me Down y la inigualable e insuperable, Hot Cherie.

No era de extrañar el rotundo éxito que cosecharon. Sus singles de presentación sonaban una y otra vez en todas las emisoras y sus videos eran de los más vistos en la MTV. Su disco debut les llevó a girar por todo Estados Unidos y Canadá e incluso llegando a tocar en los mejores festivales de Europa.

Los hermanos Gioeli resisten a la fiebre Grunge

Ya casi entrando en el 94, el creciente movimiento Grunge parecía no tener fin, aunque irónicamente lo tuvo poco después de la desaparición de Nirvana. Incompresiblemente, han sido muchas las bandas que cosecharon un gran éxito y que, por diversas razones, acababan disolviéndose. En el caso de Hardline, las continuas discrepancias entre Neal Schon con la productora y su siguiente salida de la banda, y por supuesto, la notable insidia que se palpaba hacia los grupos de Hard Rock por parte de las productoras y medios (éstos se frotaban las manos con lo que ellos creían, iba a ser la nueva mina de oro, el Grunge) hizo que la banda quedara estancada. Tanto, que fue ya en 2002 cuando Frontiers Records, la entidad que ha hecho rebrotar la pasión colectiva por el AOR y el Hard Melódico (tanto que hasta el propio Alice Cooper ha fichado por el sello italiano) convenció a los hermanos Gioeli para sacar a la luz bajo un nuevo disco, todo aquel material que escribieron casi una década atrás.

Personalmente, Hardline II, como así se llama el segundo trabajo de la banda, no lo considero tan bueno como se esperaba y más siendo cómo fue su primer disco. La calidad de su disco debut está muy por encima y superarlo, o tan siquiera, acercarse a él, era tarea difícil. Tras varias giras y grabar un DVD en directo, siete años más tarde Johnny Gioeli, de nuevo sin Neal Schon y esta vez sin su hermanao Joey, regresó con un nuevo line-up y ahora sí, encandiló a todos con un nuevo disco de Hardline, Leaving the End Open, uno de los mejores discos lanzados en 2009 y del cual podéis leer una reseña en esta misma web. Hardline volvía a enamorar con temas cargados de melodía y estribillos pegadizos, un disco que no te puedes perder y menos si contiene canciones como In This Moment, Voices o Start Again.

Etapa en Axel Rudi Pell. Johnny Gioeli en todo su esplendor

Tras Charlie Huhn vino Rob Rock, pero la banda de origen alemán no encajaba con ningún vocalista y todo parecía ir bien hasta que el gran Jeff Scott Soto, que sería el elegido para ser el  tercer vocalista de Axel Rudi Pell, abandonó el grupo en 1997. Fue así, bien entrados en 1998, cuando el guitarrista alemán tuvo la brillante idea de reclutar en sus filas a Johnny, convirtiéndose éste en la voz de esta fantástica banda, porque ya son más de 16 años los que Johnny Gioeli lleva en Axel Rudi Pell y diez los discos que han grabado juntos. Johnny se metía en una senda más dura, probaba suerte con el Heavy Metal. Su etapa en Axel Rudi Pell comenzó con uno de los discos más venerados por los seguidores de este conjunto, Oceans Of Time, donde la clase magistral de Axel se unía a la extraordinaria voz de Johnny para crear unas canciones soberbias, como The Gates of the Seven Seals, una canción de más de diez minutos de duración, o Ashes From The Oath y por supuesto, la canción que le da nombre al disco, Oceans Of Time, uno de mis temas favoritos.

Sólo estas tres canciones causaban más agitación en los fans de la banda y en los seguidores de este tipo de música que todos sus discos anteriores, así que el camino que acababan de comenzar juntos no podía quedarse ahí, la senda marcada tendría que durar mucho más y así ha sido. Porque a este discazo le siguió The Masquerade Ball, otro portento de disco con temas tan espléndidos como The Line, Voodoo Nights, y la gran canción que es The Masquerade Ball, donde una vez más, apreciamos el brío y la tremenda calidad que posee la voz de Johnny Giolei.

Hago un pequeño break para contaros que no sólo la voz de este chico es digna de mención. Porque desde que soy seguidor de esta banda siempre he admirado el carácter de este tipo. No sólo por la calidad de su voz se ganó un puesto permanente en la banda, para los que los seguimos, constantemente podemos comprobar el encanto y el buen rollo que trasmite Johnny. Es uno de mis rockstar favoritos y precisamente porque no va de rockstar por la vida es porque me gusta. Su actitud humilde y sencilla, su cercanía con todos, en especial con sus fans. Un tío simpático, amable, un tío encantador. Os dejo uno de sus vídeos más simpáticos en este enlace.

Se rizaba el rizo, la buena honda seguía, el buen ambiente en la banda y la total integración de sus miembros se hacía notar con un nuevo disco más, el tercero de Johnny Gioeli en Axel Rudi Pell. Así, en 2002, año en que Hardline editaba su segundo disco, la banda alemana publicaba Shadow Zone y volvían a encandilar a todos, Johnny de nuevo enamoraba poniendo su voz a temas como Saint Of Fool, All The Rest Of My Life y, con poniéndoseme los vellos de punta al recordarla, mi queridísima Heartbreaker, la canción más portentosa del disco, al menos desde mi punto de vista.

Al leerme habréis podido palpar el amor que siento por este grupo, por estas canciones, por esa voz. Por discos como estos, soy el melómano que soy. Gracias al arte de todos y cada uno de los integrantes de esta banda, y de muchas más, la música es una parte esencial en mi vida. Así que desde este artículo, agradezco una vez más a todos esos músicos que nos regalan los oídos, que nos riegan de sentimiento con sus canciones.

Si de verdad te has metido de lleno en la discografía de esta banda sabrás que no exagero, que lo que lees en este artículo no es más que una ligera aproximación a lo que verdaderamente podrás sentir si escuchas sus discos. Porque dos después de publicar Shadow Zone, la banda regresaba con uno de mis discos favoritos, Kings & Queens. Con este disco volvían a entrar como un elefante que entra en una cacharrería, no pasaron desapercibidos y menos aún con ese tema, con un tema que es ya un himno, Strong As A Rock. Alucinante, ¿verdad? Es apasionante comprobar cuanta energía desprenden sus discos, y este no iba a ser menos. Porque con este disco disfrutamos del mejor Gioeli en temas como Sea Of Evil, la enérgica Flyin High, Cold Heaven, Only The Strong Will Survive, y de nuevo, una nueva power ballad que emblandece al más duro, Forever Angel.

Axel Rudi Pell demostró ser una máquina engrasada y funcionando a toda potencia. Por eso, en 2006, volvían con Mystica y con la voz de Johnny, podemos disfrutar de temas como Rock The Nations o Fly To The Moon. Es por eso que no me muerdo la lengua al decir que Axel Rudi Pell probablemente sea una de las banas más infravaloradas, puesto que no tenemos la fortuna de disfrutar de grupos que, de forma tan continua, ofrezcan tan buen material, porque ya han pasado más de quince años y estos tipos nunca defraudan, siempre están ahí, aportando y de qué manera, calidad y  sobre todo, mucha vida, a este mundillo del Heavy Metal. No digo con esto que Axel Rudi Pell no tenga aceptación ante el público jevi, porque lo tiene y mucho, pero no nos vamos a engañar, y siendo sinceros, se merecen mucho más.

Fijaos si me gusta tanto este grupo, que me he enrollado hablando sobre Axel Rudi Pell y he pasado por alto su participación en Crush 40, en un principio llamada Sons Of Angels. Johnny trabaja conjuntamente con Jun Senoue, un afamado compositor de música para videojuegos. Johnny puso voz a varios de sus temas y una cosa llevó a la otra, de tal forma que juntos, en gran parte impulsados por la gran acogida que sus canciones tuvieron sobre todo en el país nipón, decidieron crear un grupo. Ya han sacado tres discos, y han puesto la música para uno de los juegos más conocidos y amados por los gamers, Sonic The Hedgehog. Algunos temas a destacar, Revvin Up, I Am All Of Me o Live And Learn.

Tales Of The Crown sería el séptimo disco de Johnny con Axel Rudi Pell. Y como si el tiempo no hubiera pasado por ellos, como si no tuvieran ya en su haber seis discos excelentes, con la misma fuerza e ilusión nos obsequian con canciones como Riding On An Arrow o Northern Lights. Temas con la que es y fue la nueva marca de Axel Rudi Pell, canciones con un estilo único, cargados de una atmosfera especial. Reconoces un tema de Axel Rudi Pell al instante.

resize_imageY como un cuento que no parece tener fin, la inercia sigue, y no es de extrañar, pues la fuerza con la que empezaron fue contundente. Así, como viene siendo habitual, a los dos años sacaron The Crest. En 2010 volvieron a sacar otro más que notable disco. Y los fans de esta banda, agradecidos y excitados como yo, de nuevo enloquecimos al escuchar temas como Prisoner Of Love, la impresionante The End Of Our Time, pero sobre todo, la magnífica Glory Night, una de las mejores canciones de la banda en los últimos años.

En 2011 Axel Rudi Pell publicó otra nueva entrega de The Ballads, el cuarto álbum recopilatorio de sus baladas, donde en esta ocasión podemos escuchar a Johnny interpretar temas convertidos en power ballads tan significantes como el Holy Diver de DIO o Hallelujah, una canción versionada por cientos de grupos, In The Air Tonight, una excelente versión del afamado Phil Collins. Pero personalmente destaco sobre todo una de ellas, Don’t Say Goodbye, una de las mejores canciones que he podido escuchar en estos últimos tiempos.

El pasado año volvieron a la carga con otro disco más, Circle Of The Oath, un disco que sin llegar al nivel de los anteriores,  no dejó de sorprender, sobre todo con temas como Before I Die, Hold On To Your Dreams o Bridges To Nowhere.

Desde luego es una banda incansable, y los que somos amantes de este género musical, debemos estar más que agradecidos por poder disfrutar una y otra vez de la energía de bandas como esta. Pero sobre todo, de poder disfrutar de voces tan únicas y con tanta clase como la que posee nuestro querido Johnny.

Desde Anhelarium, gracias Johnny por tu entrega y profesionalidad durante todos estos años y los que quedan, y sobre todo por esa voz tan bonita que se te ha dado.


Señoras y señores, con todos ustedes, ¡Damn Yankees!

Damn Yankees

Si hay grupos que inspiran mucha diversión y buen rollo, Damn Yankees es uno de ellos. La carrera discográfica de estos norteamericanos fue bastante corta pero intensa y los dos únicos discos que tienen y que publicaron hace ya más de veinte años son dos joyas del Hard Rock más auténtico. No he tenido la suerte de verles nunca en directo, pero por lo que he leído por Internet, este supergrupo, compuesto por miembros de Night Ranger y Styx, eran una verdadera pasada en directo. La verdad, me lo creo, porque todos y cada uno de sus temas son pura energía, al menos eso me transmiten a mí y seguro, a todo fiel amante de este género musical. Damn Yankees estaba formado por: Jack Blades de Night Ranger (voces, bajo), Tommy Shaw de Styx (voces, guitarra rítmica), Ted Nugent solista en ese momento y antiguo miembro de Amboy Dukes (guitarra líder, voces) y el baterista Michael Cartellone.

Es un grupo que conozco desde hace ya varios años, pero ha sido este verano cuando más me he empapado de su música. Sus dos discos son imprescindibles en mi lista musical y como ya he dicho, son pura energía, Hard Rock de primerísima calidad, todo un deleite para los fans de esta música. Como son sólo dos discos los que tienen, pues voy aquí a reseñarlos brevemente, porque creedme, ¡son sensacionales!

Su primer álbum, de 1990, comienza con un gran tema, Coming Of Age. Bailable como pocos, este tema se presenta de lo más enérgico, una canción pegadiza, y con un estribillo a doble voz muy elaborado. Le sigue un tema más fuerte y de ritmo más marcado, Bad Reputation. Del tema hay que destacar su buen solo de guitarra y más sus estrofas que el propio estribillo, donde más luce la canción. Runaway es mucho más melódico y las guitarras se hacen menos pesadas. Un tema rápido y con un magnífico estribillo, totalmente veraniego. A continuación, el que es para mí el mejor tema de los malditos, es el que viene a continuación, High Enough. Tienes para el deleite de tus sentidos uno de las mejores power ballads del Hard Rock de la época. Emocionante y extraordinaria canción que se marcaron estos americanos. En este tema se aprecía la gran voz de Tommy Shaw, una voz limpia y suave. Fantástico rasgueo de guitarras, unos coros sobresalientes y un estribillo portentoso, vamos, todo un señor temazo.

Volvemos a rockear como niños malos con este tema que da nombre al grupo, Damn Yankees, con unas guitarras más distorsionadas y agresivas. Este tema da paso a otra excelente canción de este gran debut de Damn Yankees, Come Again, un tema de corte acústico en su inicio que a poco más del minuto y medio dan paso a las guitarras y a la batería, alzando de nuevo la soberbia voz de Tommy. Sin duda, nos vuelven a dejar otro temazo para los anales de la historia de esta música.

Con Mystified vuelven a sonar un poco más descuidados y gamberros, y con Rock City, nos dejan el tema más rápido del disco y uno de los mejores de su carrera. Son las guitarras de esta canción las que más me entusiasman, ídem con ese estribillo que se marcan y la fuerza y energía que transmite. Entrando en la recta final de este primer disco, tenemos otro de mis temas preferidos del grupo, Tell Me How You Want It, con admirables estrofas y un estribillo que desbordan melodía y sobre todo, mucha frescura y brío en cada uno de sus acordes. Piledriver, cierra esta fabulosa presentación de la banda, y con él, volvemos a ser niños malos con eléctricas y vaqueros rotos. ¡Muy grandes estos Damn Yankees!

Toda la calidad que mostraban en el primero de sus discos, os aseguro que vuelve a aparecer en este segundo y por desgracia, último trabajo. Con Don’t Tread, álbum de 1992, vuelven a dejarnos temas muy rockeros, y otros más melódicos, algunos acercándose al AOR por momentos.

Quien conozca bien la historia y trayectoria de este género musical y las bandas que lo componían, sabrá por supuesto que estos años eran un tanto difíciles para los grupos de Hard Rock o AOR, incluso para muchos grupos de Heavy Metal. Estos géneros fueron aplastantes en las dos décadas anteriores, sobre todo en los años 80, pero ya sabemos lo que pasó en los primeros años de los 90, concretamente a partir de 1992, año en que se editó este nuevo trabajo de la banda. Del año 92 en adelante, el Grunge hizo su entrada como la haría un elefante en una cacharrería. La moda del Grunge, que para colmo no duró ni cinco años –puesto que a partir de 1998 ya lo que despuntaba eran los nuevos sonidos surgidos de estilos como el Death Melódico o el Nu Metal- hizo grandes estragos y los medios de comunicación y por consiguiente, las casas discográficas, dejaron bastante de lado a los grupos de este estilo, centrando toda su atención en eso nuevo que llamaban Grunge. Esto acabó con todos aquellos grupos de Hard Rock que no supieron adaptarse al cambio, los que no supieron qué novedades ofrecer y lo peor, acabó con grupos que sí tenían mucho que ofrecer, grupos que aún podían sorprender al público respetable. Hablo de bandas como Blue Tears sin ir más lejos. Pero sobre esto creo que ya dedicaré un post entero más adelante.

Damn YankeesAsí que en 1992, y con este percal en la escena musical, Damn Yankees volvían a publicar otro admirable álbum. Don’t Tread on Me abre este nuevo trabajo, de nuevo, un tema con el que estar rockeando todo el tiempo que queramos. Fifteen Minutes of Fame es el tema que le sigue y aquí encontramos una canción más reposada que recuerda muy mucho al sonido de Bad Company, otro gran grupo del cual os hablaré en Anhelarium. No era de extrañar, y más habiendo escuchado en su primer disco ese gran tema como es High Enough, que nos regalaran otro melancólico tema, y aquí es donde menciono Where You Goin’ Now, otro medio tiempo rebosante de sentimiento y nostalgia. Es una lástima que estos músicos no siguieran deleitándonos con más discos, porque como podéis comprobar, calidad y talento, tenían para dar y regalar.

De nuevo, nos sacamos la camisa de los pantalones, nos subimos las mangas y despeinados volvemos a rockerar con Dirty Dog. Hard Rock de intachable calidad. Con pasajes acústicos, tenemos a Mister Please, un tema que oscila entre el Rock tradicional y el más puro Hard Rock.

Silence is Broken es uno de los platos fuertes del disco, otro de mis temas imprescindibles de la banda, un auténtico temazo AOR. Con garra, fuerza y mucha melodía y sentimiento, nos presentan esta gran canción. Firefly es el tema más rápido del disco, más contundente y alborotada, de estribillo igualmente melodioso.

Muchos prefieron por muy poco el primer disco, y claro, es cuestión de gustos. Y es que temas como Someone to Believe hacen difícil el decantarse por uno y otro. Este es otro de los temas que personalmente más me transmiten. Grandioso tema, sí señor. Entrando en los últimos coletazos del álbum, tenemos a la desenfadada This Side of Hell y a la osada y divertida Double Coyote. Uprising es el último tema de este disco, mucho más Heavy y que cierra una corta pero intensa historia llena de buena y sentida música, de conciertos memorables, y de noches veraniegas al son del mejor Hard Rock.

Los miembros de Damn Yankees vieron lo que se avecinaba más allá de 1992 y decidieron echar el cierre. Lo más gracioso de todo esto es que el auge del Grunge no sólo provocó la desaparición de muchas buenas bandas de Hard Rock, sino que ese estilo, el Grunge, murió pocos años después y no ha vuelto a sonar por ningún lado, parece un estilo de música perdido en el tiempo, un estilo siempre abanderado por las únicas y pocas bandas que sonaron por aquél entonces, como Nirvana, u otras que lo siguen haciendo hoy día como Alice In Chains, Foo Fighters o Pearl Jam. Un estilo que aportó poco, pero lo que aportó, innegablemente, fue de una admirable calidad. Cómo son las cosas, que durante los años posteriores y hasta el día de hoy, siguen y siguen saliendo grupos de Hard Rock, sobre todo provenientes de Europa, que hacen que el Hard & Heavy sean estilos de música que, a pesar de no tener el apoyo tan mediático de antaño, ahí siguen, aportando grandes trabajos musicales y dejando claro cuál es el género musical más auténtico y personal de todos los que existen. Un estilo sempiterno y un público siempre fiel que lo sigue. No tengo nada en contra del Grunge ni de otros estilos musicales, es más, soy un gran admirador de Nirvana. Pero lo que sí me chirria es ver cómo en su día, y actualmente, estilos tan ricos como, y por supuesto incluyo el Grunge, son por lo general, ignorados por los medios de comunicación, haciendo que sea Internet el único medio por el que conocer estas buenas bandas, las de antaño y las que siguen abanderando estos estilos de Rock, ya sea Hard Rock, Grunge, Heavy Metal, etc. Nos meten mucha mala música por la radio y la televisión, y la gente se pierde así una música maravillosa.

Por resistir a modas pasajeras, por llevar más de treinta años ofreciendo tanta y tanta buena música, y por todos los largos años que aún quedan por delante, ¡LARGA VIDA AL HARD ROCK!


¡¡Hard Melódico en todo su esplendor!!

En Anhelarium hablo mucho sobre este género musical, el Hard Rock melódico, y aquí os traigo uno de los mejores temas de los últimos años. De la mano, una vez más, de Reckless Love, nos llega este grandísimo tema, Night On Fire, su nuevo single, con un estribillazo y una melodía adictiva. No hay nada como empezar el mes de mayo, el mejor mes del año,  con una canción así ¿eh? Sin duda, una de las canciones de este verano.


GUN: la mejor banda de Escocia

ATENCIÓN: SI HAS LLEGADO A ESTA ENTRADA ES PORQUE LA BANDA GUN TE ENCANTA. POR LO QUE NO TE PIERDAS EL PROGRAMA DEDICADO A GUN, DONDE REPASO TODA SU HISTORIA Y PINCHO MÁS DE UNA VEINTENA DE TEMAS.  DALE AL PLAY PORQUE SI TE GUSTA GUN, ESTE EPISODIO DE MILENCORA TE VA FLIPAR.

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Comienzo a escribir este nuevo artículo para Anhelarium y me siento muy contento, realmente emocionado por lo que significa para mí esta grandísima banda, así que con toda la ilusión os hablaré de GUN, uno de mis grupos favoritos, cuyas canciones marcan la banda sonora de mi vida, y os aseguro que si seguís leyendo esta entrada, no os arrepentiréis, porque ante la buena música uno no tiene más que estar agradecido, porque es imposible tener criterio musical y despreciar la música que estos escoceses nos han dejado para la historia.

“En Glasgow siempre llueve y hace frí­o, por eso la única forma de divertirnos es reunirnos y tocar música”

Esta fue una frase que pronunció el cantante de la banda, Mark Rankin, y quizás sea ese el secreto del éxito de tantas buenas bandas que en Escocia surgieron, bandas como Pretenders, Texas o Simple Minds. Como dato curioso, Mark Rankin, y la hermosa cantante del grupo Texas, Sharleen Spiteri, son primos hermanos y ésta colabora haciendo los coros en una de las canciones del disco debut de GUN, titulada I Will Be Waiting.

Gun-Taking_On_The_World-Frontal

Y con este disco debut, titulado Taking On The World y editado en 1989, nos adentramos en la historia de esta sensacional banda de Rock. ¿Qué podemos decir de él? Lo primero, es que es un disco indispensable independientemente del estilo de Rock que más te guste. Y en este punto quiero centrarme breve pero detenidamente. Estamos a punto de comenzar la década de los 90 y el Hard Rock, que lleva ostentando el trono de la música desde los años 70, y de forma aplastante durante toda la década de los 80, sigue siendo el estilo predilecto a punto de entrar en otra nueva y colorida década. GUN cabalga entre el más puro Hard Rock y el más sentido AOR, pero de una forma distinta a la mayoría de grupos del género. La música de GUN tiene un sello especial y único, marca de la casa, y no quiero que esto suene a tópico, porque no lo es. El Hard Rock de GUN se alejaba bastante del Hard Rock que tanto proliferó en esos años, no hay lugar aquí para el Hair o Glam Metal, el Rock de estos escoceses comienza a crear un estilo propio, más personal, más apesadumbrado y no tan anímico como muchas bandas del mismo palo. En este disco no encontramos melodías recargadas por teclados, se alejan del sonido rimbombante del Hard Rock/AOR del momento, se alejan de ese Rock tan comercial y americanizado que era el que realmente más se escuchaba, bandas como Hardline, Bon Jovi, Def Leppard, Diving For Pearls, Bad English, Poison, Warrant, Regatta, Boulevard, Firehouse y un sinfín de bandas más.

Este primer disco los catapultó a la fama, no es de extrañar que grabaran tantos videoclips para sus canciones, algo que se estaba muy de moda en esos años. Esta fama los llevó a liderar las listas de Reino Unido, Escocia y sorprendentemente, tuvieron una excepcional acogida en nuestro país, España, ya que durante esos años los 40 Principales no pararon de emitir sus canciones una y otra vez, canciones como Better Days, The Feeling Within, Inside Out, la balada Taking On The World o la sensacional Shame On You. La tremenda calidad de este disco los llevó de gira siendo además los teloneros de los Rolling Stones por Estados Unidos, Reino Unido y España. En nuestro país, además, ofrecieron un concierto en la legendaria discoteca Jácara de Madrid que fue retransmitido por los 40 Principales, no sería el único concierto que emitirían, pero vamos por orden.

La banda está formada por Mark Rankin (voz), los hermanos de origen italiano Guliano “Joolz” (guitarra) y Dante Gizzi (bajo) y Scott Shields (batería). Este tándem escocés no se conformaba con lo ya ofrecido y era de esperar que el siguiente disco fuera otra gran sorpresa, las expectativas eran máximas y así es como Gallus, su segundo trabajo de estudio, no defraudó a nadie, sino que enardeció a sus fans y llamó mucho más la atención por parte de prensa y público en los días de 1992.

gun - gallus (front)

En este disco encontramos a unos GUN mucho más rockeros, presentando unos temas más potentes y rápidos, como el tema que da inicio, Steel Your Fire, uno de mis temas favoritos de la banda y de los temas más celebrados en directo. Y llegados a este punto me gustaría a modo de anécdota contaros que GUN, que ya os he dicho que tuvo un enorme éxito en nuestro país, pasó a convertirse en uno de los grupos preferidos por los pijos, como también lo fueron The Cranberries, Texas, Roxette, etcétera. Y es que sí amigos, existía el Rock para los más malotes, como Iron Maiden, Judas Priest, Europe o Bon Jovi y demás y el Rock para pijos, entre los que se encontraban bandas como U2, INXS, Simple Minds o GUN.

Pero regresando a este segundo trabajo, es importante destacar más temas como Long Road, Money To Burn, mi preferida del disco, Borrowed Time, un tema muy nostálgico y emotivo, Freedom, Reach Out For Love, la melancólica Watching The World Go, uno de los platos fuertes del disco o Higher Ground, tremenda canción cuyo videoclip fue rodado en España, un país donde siempre se han sentido muy cómodos por la calurosa acogida del público, eso sí, salvo aquella vez que participaron en el cartel del Monsters Of Rock de Madrid y Barcelona, donde actuaron entre Pantera y Megadeth, y claro, los talibanes del Metal no supieron amoldarse al cambio drástico de estilo y cual cavernícolas, les recibieron a base de botellazos, insultos y demás, teniendo el grupo que salir escoltado del escenario. Patético. Y es que no hay nada peor que un jevi troglodita que sólo sabe escuchar Thrash Metal.

En la gira de Gallus, cómo no, volvieron a visitar España, dando un concierto en la Expo ’92 de Sevilla ante 100.000 personas y de nuevo, retransmitido en riguroso directo por los 40 Principales.

En los discos de GUN compruebas que cualquier canción podría ser elegida como single de presentación, porque no existe canción mala en este grupo y eso pocos grupos pueden decirlo de sus discos. Todos los temas de GUN son verdaderamente un prodigio, temas con un sentido mensaje cuidado en profundas letras y acunado en excelentes melodías que te invitan a recordar y a soñar. La música de GUN es emocionante y apasionada.

Gun-Swagger-Frontal

Año 1994, GUN pública el que sin duda es uno de los mejores discos de Hard Rock de todos los tiempos, Swagger. Podéis leer la reseña que hace años realicé de Swagger en esta misma página siguiendo este enlace. Este disco es imprescindible, un disco que ha sido tratado injustamente tras el paso de los años y no se le ha dado la importancia que merece. Y esto lo digo porque Swagger ha pasado a ser a día de hoy uno más en el rincón de los grandes discos olvidados, y esto amigos míos, por desgracia, les ha sucedido a muchísimos grupos, pero como en todo, lo más popular no es siempre lo mejor.  Así que si eres un gran amante del mejor Rock puro Rock, no puedes dejar escapar este disco, no, porque te estarás perdiendo temazos como Vicious Heart, One Reason, el increíble medio tiempo Seems Like I’m Losing You, la balada de Only One, Stand In Line, Word Up, un tema versión de la canción del rapero americano de los 80, llamado Cameo, cuyo videoclip fue todo un éxito, llegando a ganar el premio a mejor vídeo en la MTV y haciendo que el grupo fuese aún más conocido a nivel internacional, o la que forma parte de mi Top 10 de canciones favoritas de todos los tiempos, Don’t Say It’s Over, una de las mejores canciones de Rock que he escuchado y de las que más me ha impactado en mi vida. Llevo años sin parar de escucharla y eso sólo me pasa con un puñado muy selecto de canciones, canciones que me acompañan siempre allá donde vaya.

GUN consigue trasladarme a esos primeros años de la década de los 90, los años en los que se desarrolló mi infancia, recuerdos de momentos que jamás dejaré de recordar con añoro, la música de este grupo me recuerda a esas tardes de verano, jugando en el jardín o en la piscina, me trae a la mente esos paseos en bici, o esas escapadas a la playa, me embriaga de nostalgia, nostalgia pero de la buena, porque sólo me hace rememorar bellos momentos, algunos ya lejanos y otros no tanto, porque la música de este grupo me acompaña día tras día y no sólo la asocio a mi pasado, también a mi presente y así espero que siga siendo durante el resto de mi vida.

Habría que esperar hasta 1997 para volver a disfrutar de un nuevo disco de GUN. Y aquí, termina el cuento feliz. Porque en dicho año GUN edita el que será su peor disco, y el que provocará la separación del grupo por diferencias musicales. 0141 632 6326 que así se llama el cuarto trabajo de GUN (lleva tal tí­tulo porque era el número de teléfono para conocer noticias del grupo) tuvo muy mala producción y un apoyo muy escaso por parte de su discográfica. Con este disco dan un giro total a su estilo musical, y ahí el gran error.

A finales de la década de los 90 el Brit Pop tomó el mando de las listas musicales, destacando bandas como Blur u Oasis. Por ello, la discográfica presionó a la banda para un cambio de sonido similar a este Brit Pop que tanto estaba despuntando como estilo, y provocando que la banda desecharan las maquetas grabadas con los nuevos temas, siendo algunos de ellos presentados cuando talonearon a Bon Jovi en el Vicente Calderón en 1996 y que continuaban la senda hardrockera característica de GUN. Así, la compañía les impone como nuevo productor a Andrew Farris, el artífice de la banda INXS. Y todo esto provocó la caída de una de las mejores bandas de Hard Rock y la que sigue siendo a día de hoy la banda de Escocia que más calidad ha demostrado tener, tanto en estudio como en directo.

De este último trabajo si puedo destacar temas como Crazy You o Alway Friends, el resto son temas que no son para nada GUN, son canciones que no relacionas con el sonido GUN, temas flojos, insidiosos, sin chispa, y que al fiel amante del sonido anterior del grupo deja totalmente helado. Un disco totalmente prescindible, como prescindible es el último disco de GUN publicado recientemente. En 1998 Mark Rankin abandonó el grupo y GUN acabó por disolverse hasta 2009, fecha en la que volvieron a las tablas y es donde tuve la oportunidad de verles en directo por primera vez, y he de decir que a pesar de todo, ofrecieron un concierto asombroso y del cual podéis leer la reseña que realicé en este enlace. Regresaron con Toby Jepson como sustituto de Mark en la gira reunión, aunque a día de hoy, quien se encarga de la voz del grupo es el bajista Dante Gizzi. Con él a la voz, han publicado un último disco de estudio, pero creedme, cuando escuchas los tres primero discos de GUN, todo lo demás te parece insípido.

GUN son los tres primeros discos, y los tres primeros discos son GUN. Esos tres discos son majestuosos, verdaderas obras maestras del Hard Rock/AOR que no puedes dejar pasar.


Sturm Und Drang – Graduation Day [2012]

El Sturm Und Drang (en español ‘tormenta y pasión’) fue un movimiento literario, que también tuvo sus manifestaciones en la música y las artes visuales, desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII. En él se les concedió a los artistas la libertad de expresión a la subjetividad individual y, en particular, a los extremos de la emoción en contraposición a las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración y los movimientos asociados a la estética.

No os asustéis, podéis seguir leyendo este artículo si lo que queréis es información sobre este grandísimo disco, tan sólo me parecía curioso la historia que hay tras el nombre de esta gran banda. Porque sí, Sturm Und Drang es también el nombre de una nueva banda de Heavy Metal que cómo no, viene de allá arriba, de Finlandia. Y es que en estos últimos quince años, los mejores grupos de Heavy Metal y Hard Rock provienen de los países nórdicos. Junto con Finlandia, Dinamarca, Noruega y Suecia han aportado a la escena rockera más que el resto de Europa, pero no en cantidad de bandas nacidas en el seno de estos países, sino por calidad, porque bandas hay en todos sitios, pero no todas poseen la gran calidad y talento musical como esta que cómo no, tiene ya su hueco en Anhelarium.

Sin enrollarme mas, algo que me pasa muy a menudo, os diré que la única pega que le puedo poner a este trabajo, bueno, perdón. ¿Qué digo yo de pega? ¡Si quizás sea una percepción mía solamente! Y es que en alguna canción en notado que la letra era demasiado facilona, pero muy probablemente sea que me estoy volviendo un poco sibarita con el paso de los años, será la edad. Así que dejando mi lado más exquisito, os recomiendo encarecidamente que le deis una escucha a este discazo que se han marcado estos chavales de Vaasa, Finlandia.

Cuando tenían 15 y 16 años de edad, los miembros de este grupo grabaron su primer disco, Learning To Rock [2007], y posteriormente Rock’n Roll Children [2008]. Este es tu tercer trabajo, Graduation Day [2012]. Es el día de su graduación, ¡y se gradúan por todo lo alto! Son ya unos auténticos graduados en el Rock puro Rock y bien nos lo han hecho ver a todos con este gran disco. Disfrutarás todos y cada uno de los temas que componen este tercer trabajo, el disco que los consagra como una nueva y profesional banda que tendrá seguro, una gran trayectoria.

Todo es fuerza y melodía en este Graduation Day. Desde el disco de Bai Bang, Livin’ My Dream [2011], no escuchaba un disco tan rebosante de melodía y sonoridad. Muy buenos estribillos, contundentes guitarras, y una voz acompañada de absorbentes y pegadizos coros. Ya he escuchado el disco más de cinco veces y las últimas tres veces han sido seguidas, el disco terminaba y volvía a empezar, sus ritmos y estribillos son contagiosos y no quieres dejar de escucharlos. En el día de su gradación abren con Your Love Is For Sale, gran tema pata empezar con el disco, pero personalmente creo que el disco va en aumento y las canciones mejoran paulatinamente. Dark Little Angel Of Mine y Molly The Murderer son prueba de ello, sobre todo esta última, que fue utilizada como single de presentación. Pero el disco contiene otros platos fuertes, como la siguiente Lucky, una de mis preferidas del álbum, con un más que avispado estribillo. Hammer To Fall, es la canción más powermetalera, y Goddamn Liar es la más cercana al Hard Melódico a mi parecer. Grandísimos temas que no puedes dejar escapar.

Pero este disco no decae, éstos chicos se gradúan por todo lo alto, y con el tema Fatherland, mi preferido del disco y el que considero el plato fuerte de este trabajo, terminas por exaltarte y no te queda otra más que alabar a estos finlandeses por el gran disco que nos han regalado. Pero en la recta final de este trabajo aún quedan otros tres temas más que degustar: I Hurt Myself, un enérgico medio tiempo, con un mensaje más pesimista, todo lo contrario al tema que le sigue, otro de los platos fuertes del álbum: Party Like A Rockstar. Este es el típico tema que te hace enloquecer viendo a la banda en uno de sus directos. ¡Simple y sencillamente sensacional! Con Light Years Apart, se despiden. Este tema me recuerda muchísimo a Free Spirit y su disco, Pale Sister Of Light, una banda también finlandesa de la cual ya os hablé en Anhelarium hace un par de años y cuyo sonido es muy similar, otro disco que os recomiendo. Y es que esta música, es única y extraordinaria.


Stryper – To Hell with The Devil [1986]

1986, en el furor de la colorida década de los 80, Stryper lanza su tercer álbum y el más exitoso hasta la fecha, To Hell With The Devil, consiguiendo así que el grupo alcance una mayor fama y sus discos lleguen a las primeras listas internacionales. Stryper se convertiría además en la primera banda de Rock Cristiano reconocida a nivel mundial, llevando hasta el día de hoy, el estandarte de dicho sub género del Rock. Para mí y para muchos, los amantes del Hard Rock más armoniso, los cuatro primeros discos de Stryper son esenciales, imprescindibles. Por orden cronológico: The Yellow And Black Attack [1984], Soldiers Under Command [1985], To Hell With The Devil [1986] e In God We Trust [1988]. De estos cuatro discos, yo he querido resaltar el que para mí es el de mayor calidad, To Hell With The Devil, aunque os aseguro que los cuatro son indispensables.

Este disco abre con el que es uno de sus mejores temas y que da nombre al álbum: To Hell With The Devil. El tema es realmente directo y potente, de esos temas que disfrutas como loco al escucharlos y ya ni os cuento si los vives en directo. Además, siendo como es Michael Sweet (cantante de Stryper), lo mismo dará que escuches a la banda en estudio o en directo, porque el efecto es el mismo. Doy fe, y los numerosos vídeos que puedes encontrar por internet también, que Stryper es de esas pocas bandas que suenan igual tanto fuera como dentro de los estudios de grabación. Junto a esta canción, Calling On You, Free y Honestly forman un tándem asombroso, haciendo que el comienzo de este disco sea toda una maravilla. Hay que destacar (aunque ya destacan por sí solas a la primera vez que las escuchas) que las letras de esta gran banda están cargadas de una gran emotividad y espiritualidad. Letras impregnadas de una modesta cristiandad que hacen alusión a Cristo, algo que han estado haciendo durante todos sus primeros discos hasta 1990, donde parece ser que se les fue un poco la fe. Y es que a partir de 1990 el grupo abandonaría su Christian Rock y su estética de Glam Metal además de no mencionar a Dios en ninguna de sus letras. Todo esto provocó el cabreo de los fans, que no entendían esta reacción y la salida del propio cantante, Michael Sweet, por discrepancias musicales. La ruptura duró hasta 1999. ¿Entienden ahora por qué estos cuatro primeros discos son imprescindibles en la historia del grupo?

Tras un tema como The Way, al cual nunca le pillé el gusto, en este disco se nos presentan otros temas como Sing Along Song, canción que no brilla por su letra precisamente pero sí por su melodía pegadiza y envolvente. Holding On y Rockin’ The World vuelven a subir el listón y dan paso a un sentimental y emotivo tema, All of Fame, para posteriormente cerrar este disco con un muy buen tema, More Than a Man, quizás el tema más cristiano y devoto de la banda. La letra es puro amor a Dios.

God, I will follow you because you died for me
Gave to me your life to set me free
Anyone who asks shall receive
Jesus in your heart
It’s time for you to start
Giving God all the glory


Blessed By A Broken Heart – Feel The Power

Qué gustazo da estar de vacaciones y poder hacer lo que más te gusta. En mi caso, anhelaba el poder descubrir grupos nuevos y es justo lo que me ha pasado en estas últimas semanas. De todos ellos, escribo sobre el que más ha atrapado mi atención y el que considero, siendo lo más objetivo posible, que ha sacado mejor disco en este 2012. Claro está, cada uno tendrá sus preferencias, pero no hay duda que Blessed By A Broken Heart ha publicado uno de los discos más asombrosos del año. Feel The Power, un disco cargado de grandes temas que componen así un buen disco de Metal, melódico y muy potente, rozando incluso el Speed Metal.

Estamos ante una banda de Metal cristiano procedente de Montreal y que han sacado recientemente el que es su tercer disco, Feel The Power. Tras sufrir diversas modificaciones en su formación el grupo se presenta con una bien compacta y llena de energía, compuesta por Tony Gambino, Shred Sean, Tyler XOXO Hoare, Ian Slater, Rex Krueger y Casey Jones. Juntos han creado este nuevo proyecto, un lanzamiento más que interesante por lo moderno y novedoso que resulta. Saben combinar las influencias del Heavy más ochentero con los toques más modernos y usuales del Metalcore. Voces limpias se mezclan con voces guturales, algo que a priori no es nada nuevo para los que entendemos de esta música, pero en cuanto a lo novedoso de este disco, nos referimos a esa forma de elaborar sus temas, creando un sonido único a base de mezclar ligeras tendencias. Se nos presenta una serie de canciones que navegan entre el Hard Rock más melódico de grupos como Reckless Love, la energía y el desparpajo de EdGuy y las melancólicas letras dignas de bandas clave de este género como Def Leppard o Whitesnake. Feel The Power, un disco cargado de poder, el mismo que esta joven formación posee, nos muestra la forma en la que ellos ven la música y sobre todo este género.

Ya no se cuántas veces habré escuchado el disco entero, porque creedme, merece mucho la pena y más aún si eres un buen amante de este tipo de música. Es un disco que no defrauda en ningún momento y cada canción aporta la misma energía e intensidad que la anterior. Aun así podemos hacer una distinción y resaltar que la primera mitad de este trabajo es quizás de mayor calidad que la segunda, pero como he dicho,  el disco es de sobresaliente. Este Feel The Power comienza con el que es uno de los bombazos del disco, para mí, el mejor tema de este nuevo trabajo de BBABH: hablo de Deadthwish, un tema rápido, muy al estilo del mejor Power Metal, con unas guitarras rápidas y contundentes, de buenos riffs y un buen estribillo, pegadizo y con buenos coros. Además, la letra de esta pedazo de canción resulta fascinante: Mama sold her soul to the devil!!!

Seguimos con un tema que en ningún momento baja el nivel y sigue la rápida senda marcada en la anterior canción: Shut Up and Rock, un tema mucho más pegadizo y de unos coros más notables pero que suena como una auténtica apisonadora. Con tan sólo habiendo escuchado estos dos primeros temas te das cuenta del gran disco que tienes a tu disposición. Le sigue Love Nightmare, el que es su single de presentación para este nuevo trabajo, Forever y Holdin’ Back for Nothin’, creando así un magnífico tándem, haciendo que el inicio de este Feel The Power sea uno de los mejores comienzos editados en estos últimos años. Ya quisieran muchos grupos iniciar un disco de esta manera tan impetuosa. En mi caso, tengo que reconoceros que al escuchar estos cinco primeros temas, los volví a escuchar dos veces más antes de seguir con la escucha del resto del disco. ¡Y es que son realmente adictivos!

Llegando a la mitad de este disco, nos encontramos con un sorprendente medio tiempo, I’ve Got You. Digo sorprendente porque aunque el inicio de este tema recuerde ligeramente a esos baladones empalagosos de los típicos grupos de Modern Rock americanos que tanto han surgido en estos últimos años, que en su mayoría no son más que meras imitaciones de los unos y los otros, nos topamos con un tema conmovedor pero a la vez original, técnicamente muy bien elaborado, un tema meticulosamente arreglado. Rocking’ All Night es el típico tema altivo, que nada nuevo aporta puesto que el grupo, con este tema, tan sólo se deja llevar por los sonidos más característicos y gamberros del buen Rock americano. Un tema muy al estilo de los últimos WARRANT o Crashdïet. Con Scream It Like You Mean It y Skate or Die volvemos a disfrutar de rápidos temas con melódicos estribillos, ciertamente cuesta decidirse por cual o cuales son los mejores temas ya que todos tienen un acabado fantástico, desde aquel soberbio Livin’ My Dream de BAI BANG no escuchaba un disco tan vivaz y apasionante. Probablemente se convierta para mi en el disco de este verano, porque difícilmente encuentre uno que lo supere a la hora de ponerle música a estos días de sol y playa. Destacar el enorme trabajo que han hecho con las guitarras y sobre todo con la batería, unos parches que suenan contundentes e irrebatibles. Sobre la voz, no le pongo ninguna pega, la voz de Gambino es ideal para este tipo de Rock aunque también hay que reconocer que no es una voz prodigiosa, pero se deja escuchar con hechizo.

Ya, estando en los últimos minutos del redondo, nos encontramos con Innocent Blood un raudo tema mucho más rápido que los anteriores y Sleepless Nights, un tema de mayores aptitudes, ideal para cerrar este último trabajo de Blessed By A Broken Heart. Sin duda, estoy de lo más satisfecho al haber descubierto tal extraordinaria banda a la cual no dejaré de seguirle la pista. ¡Recomendado a todo poder!


The Poodles – Performocracy (2011)

Desde que a finales de 2008 descubriera esta formidable banda y escuchara el que por aquel entonces era su último disco, Sweet Trade, estos suecos son prioridad para mí y bajo ninguna circunstancia les he dejado de seguir la pista. Volvieron a encandilarme con su trabajo Clash Of Elements y terminaron por enamorarme cuando tuve la gran suerte de poder ir a verles hace ya dos inviernos a Madrid cuando venían presentando dicho trabajo. Es por eso que en esta página, no se iba a pasar por alto el hecho de que The Poodles sacara este año nuevo disco.

No lo voy a negar, cuando un grupo te gusta mucho y te enteras de que éste va a sacar un nuevo disco, el entusiasmo hace que casi de manera inevitable se te llene la cabeza de ideas preconcebidas y se te disparen las expectativas, sobre todo si es un grupo como los melódicos The Poodles, con una breve pero intensa y más que notable carrera discográfica. Y así fue como casi contaba los días para que llegara ya a mis manos este disco, para poder disfrutarlo como se merece. ¿Decepcionado? ¡Para nada! Sin ser Performocracy el disco que más me gusta de su trayectoria, este nuevo trabajo ha vuelto a entusiasmarme y exaltarme con nuevas y buenas canciones de puro Hard Melódico como sólo ellos saben hacer, al más puro estilo The Poodles.

El disco comienza con uno de mis temas favoritos de este nuevo trabajo, I Want I All. Echaba de menos escuchar algo nuevo que saliera de la voz de Jakob Samuels, un grandísimo vocalista y un showman como pocos. Rudo pero a la vez muy melódico, un tema con un buen estribillo y cómo no, buenos coros. El ritmo no para, esto sólo acaba de empezar y le sigue Until Our Kingdome Falls, un tema que recuerda mucho a su anterior disco, vamos, que te dicen que es un B-Side del Clash y te lo crees. Muy buen tema, quizás vaya más en la línea The Poodles que el anterior. Le siguen Father To A Son y I Believe In You, dos grandes temas, sobre todo el primero, con gran fuerza y potente melodía. El segundo, I Believe In You, es más pausado, un medio tiempo de aires melancólicos.

Llegamos al que es su single de presentación elegido para este Performocracy, Cuts Like A Knife, cuyo videoclip podéis ver pinchando en este enlace. Como ya habréis y estaréis comprobando, es un tema marca de la casa, “sonido caniche” al 100%. Un fantástico tema, de los mejores del disco, idóneo para presentar este último trabajo de la banda. ¡Y la fiesta sigue! Nos esperan aún ocho temas por delante y el que viene ahora no baja el listón en absoluto, porque es un conmovedor tema, algo de lo que ya nos tienen acostumbrados estos músicos. Con As Time Is Passing nos dejan bien clarito que, además de ser unos excelentes compositores, saben hacer música, buena música, de esa que va directa al corazón. Ésta muy probablemente sea la canción que ponga el broche de oro y haga saltar las lágrimas a más de uno (en los que me incluyo) en los conciertos que ya mismo están ofreciendo por Europa.

Love Is All es la siguiente canción, un tanto alejada del sonido de la banda, demasiado distinta, incluso me ha recordado salvando las distancias al ritmo marcado por la conocida banda británica, Coldplay. Sin ser un mal tema, es cierto que es como un alto en el camino, un tema que te deja con ganas de más, pero que tampoco se muestra indiferente. Quizás el que sí puede pasar indiferente es el siguiente tema, Your Time Is Now el cual a mí personalmente no me ha gustado prácticamente nada. Parece que hayamos topado con una senda un tanto turbia para el disco, ya que estos temas, a mi parecer, bajan un poco bastante el listón. Action!, la sucesiva canción, deja de igual manera un tanto frío, pero claro, todo es cuestión de gustos, habrá quien la parezca uno de los mejores temas de la banda porque, hay gente para todo. Con Bring Back The Night parece que recuperan su sonido y nos regalan los oídos con esa armonía tan melodiosa, una fórmula que los grupos de este estilo bien saben reproducir. Junto con la primera canción del disco y su representativo single, ésta es una de las mejores de este trabajo. Aunque hay que reconocer que se hace difícil elegir una favorita y más cuando escuchas la que viene a continuación, Vampire’s Call. Otro trayazo cargado de melodía y buen estribillo. Buen juego de guitarras, de coros y teclados, la mezcla perfecta.

Ya en el final de este trabajo, tenemos Into The Quiet Night y el bonus track Don’t Tell Me. Ambos siguen la senda marcada por los últimos temas, los dos son de medio tiempo del cual del primero lo que más destaco, es su gran afinación y el fantástico sonido de la guitarra. Por último, Don’t Tell Me, un tema de corte más rudo y sonoro. No estamos ante un disco a la altura de sus dos primeros pero no por ello deja de ser un buen disco. Quizás la única nota discordante sean esos temas que poco o nada tienen que ver con el sonido característico del grupo y que se podrían haber ahorrado perfectamente. Pero ahora que lo pienso mejor, es así la vida de un buen artista, el crear, evolucionar y nunca dejar de hacerlo. Es la esencia de un artista, el que siempre intenta reinventarse.

Álvaro Rojas

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Bai Bang – Livin’ My Dream. ¡El mejor Hard Melódico para este verano!

Estos suecos nos sorprenden este verano con el que es uno de los discos del año. Bai Bang han lanzado recientemente su séptimo álbum y, en esta ocasión, mucho más melodioso que sus antecesores, ligados a un Hard Rock más seco. No se extrañen conmigo si comparo este disco con el Sweet Trade lanzado en 2007 por los, también suecos, The Poodles. Si ya es el Sweet Trade para todos los amantes del Hard Melódico un disco sobresaliente y completamente imprescindible en nuestra colección, indiscutiblemente Livin’ My Dream es también uno de ellos pues es digno de estar a la altura.

Mucho Hard Rock a las espaldas

Desde 1988, año de su debut, Bai Bang ha ido editando, no de manera muy continuada, todo hay que decirlo, varios discos de los cuales, yo personalmente destaco los dos últimos ya que los demás, carecen de fuerza, esa garra que hace que te enganches a un disco sin querer parar de oírlo. Además, poseen una producción que deja bastante que desear. Bai Bang ha compartido escenario a lo largo de su carrera con bandas como L.A. Guns, Thin Lizzy, Ratt, Dio, Motley Crüe, además de haber participado en importantes festivales como en Sweden Rock, Wacken y Rocklahoma.

Bai Bang recuerdan muy mucho a dos grupos que ya conocerás si éste es tu estilo. Esos grupos son Wig Wam y los anteriormente mencionados, The Poodles. La estética, el estilo y sobre todo, la música es algo que comparten las tres bandas de tal manera que llegan a parecer una calcomanía la una de la otra.

Livin’ My Dream, soberbio Hard Melódico

Curiosamente el disco no comienza con un tema muy melódico que digamos, We’re United es un tema bastante rancio y que a mi parecer, es el peor tema del álbum (y de los peores que he escuchado en mucho tiempo, para no mentiros) así que se lo podrían haber ahorrado. Pero es a partir del segundo tema donde el Hard más melódico hace su aparición y se esparce hasta conseguir envolver todo el plástico. El tema en cuestión da nombre al disco, Livin’ My Dream, un tema que jamás olvidarás. Potencia, nervio y energía rebosa por cada decibelio.

Come On, muy happy e igual de melódica, una canción digna de poner en la radio de tu coche a todo volumen mientras das un plácido garbeo con tu chica, eso sí, con el cinturón puesto ¿eh? Rock On es un sentido medio tiempo con una armonía muy envolvente que… ¡pone los bellos de punta! Sí, una fantástica canción que sola te deja llevar hacia unos rumbos cargados de melodía.

Stay, mi preferida y el plato fuerte de este disco. Radiante, admirable tema, puro Hard melódico que manifiesta la verdadera esencia de este estilo. Seguro la escuchas, y la vuelves a poner, ¡es sobrenatural! Le sigue Gonna Have It All y vuelven a lucirse. Magistral medio tiempo, mucho mejor que el anterior, más discernido y sensible, extraordinario tema.

Tonight es otro de los platos fuertes de este nuevo trabajo de Bai Bang. Con un sonido más cargante al inicio, despega un bravo y armonioso estribillo acompañado, cómo no, de buenos coros. Rock It vuelve a ser otro tema muy alegre, más rápido y fiestero y sobre todo, muy comercial, tanto que recuerda un poco a esos grupos americanos de rock-pop para adolescentes, pero es un gran tema, ideal para el verano.

El disco no decae, podemos seguir degustando más platos fuertes, como Die For You, el siguiente y penúltimo tema de este grandísimo disco y Put On Her Dress. El primero es el tercer medio tiempo, el mejor de los tres y uno de los mejores que un servidor ha escuchado. Para mí, es una canción inolvidable y que marcará tu vida, créeme. Put On Her Dress es el tema más ochentero/noventero de este álbum, más nostálgico que nunca, te acordarás de esas bandas de pelos cardados y esas camisas estampadas, ¡qué tiempos! Un tema más cañero y vibrante, indispensable, necesario para todos los que amamos este estilo de música.

Un disco sobresaliente. ¿Entienden ahora por qué digo que la primera se la podrían haber ahorrado?

Álvaro Rojas


Hard melódico, una mezcla perfecta

A los que nos gustan las melodías más rockeras, bien podemos movernos por los recodos más suaves del AOR, como Journey, Regatta, Dare, Face Face o si bien preferimos las sonoridades más duras pero sin que pierdan esa armonía, tenemos a grupos de la talla de Masterplan, EdGuy, Jaded Heart, Wicked Sensation o Keldian, que entran dentro del Heavy melódico. En estos estilos pululan infinidad de grupos en los que probablemente se encuentre el que más te gusta o el cantante o músico que más admiras.

Pero existe otro estilo más, que precisamente cabalga  entre el AOR y el Heavy melódico, y es el Melody Hard o Hard melódico. Quizás este género sea el que más pasiones levanta ya que atrae tanto a amantes del rock más suave como del más fuerte. Para entender mejor este estilo, podemos poner algunos ejemplos que seguramente te suenen bastante, como los archiconocidos Bon Jovi, Def Leppard, Danny Vaughn, GUN, Faithfull, Hardline, Free Spirit, Crashdiet, Hinder, The Poodles, H.E.A.T, y un grandísimo etcétera. Algunos seguidores del género denominan o catalogan a este estilo como Hard AOR, pero veo más acertado el término Hard melódico.

El Hard melódico es, por tanto, una mezcla perfecta, la singularidad de esos toques melódicos unidos a la garra del rock puro rock.

Desde Anhelarium, me gustaría obsequiaros con algunos de los temas de Hard melódico que más me gustan. Espero que os molen:


As Long As I Fall – Helloween ¡Es que cuanto más la oigo, más me gusta!

Totalmente estimulante, completamente enérgica y 100% melódica. Sencillamente, PERFECTA.


HARDLINE y su Leaving the End Open (2009) – El regreso de un super grupo

La historia de este grupo puede recordar a la de muchos de aquella década de los noventa. Y es que Hardline, fue uno de esos grupos que a principios de dicha década, sacaba disco éxito en ventas por su inmensa calidad para acabar desapareciendo al poco tiempo. Corría el año 1992 cuando Hardline editaba su disco debut Double Eclipse el cual contenía uno de los éxitos musicales del momento, la canción Hot Cherie que, intrépidamente aguantaba la aplastante fagocitosis del fenómeno Grunge en los medios de comunicación del momento. La banda estaba liderada por los hermanos Gioeli (Johnny y Joey) y Neal Schon (Journey, Bad English). Éste último iba a ser el productor de Hardline, pero quedó tan asombrado por la calidad de los temas y la energía de Johnny Gioeli (mi tercer cantante favorito) que decidió formar parte de esta banda. El grupo lo cerraban Todd Jensen (ex-Sequel) y el batería Deen Castronovo. Tras largos años de inexplicable separación, en 2002, vuelven a reunirse y editan II un disco que pasa sin pena ni gloria.

Pero no fue hasta el año pasado, que Hardline volvía a encandilar a todos con un elaborado y preciso trabajo titulado Leaving the End Open, con un sonido más actual, vacilando entre el Modern Rock y su ya dominado Hard AOR.

Fue en pleno mes de mayo cuando conocí este trabajo, y fue, dando un paseo por la playa, cuando le di la primera escucha. Una fecha y un lugar que venían a la perfección para tal música ¿no creen? Ya saben, yo y la nostalgia.

El disco comienza con Voices un excelente tema asociado a unos fantásticos coros y un más que notable estribillo. Un tema realmente cargado de aires positivos. No te dejara impasible. Falling Free, es su segundo corte, algo más ligero, pero cargado con las mismas melodías efectivas. Quizás mi tema favorito del disco sea el que viene a continuación, Start Again, no puedo explicar cómo me sentí cuando lo escuché por primera vez, pero os puedo asegurar que muy pocas canciones me tocan el alma como ésta. Una excelente composición, una letra emotiva y directa, con un refrescante e intenso estribillo.

Pieces Of Puzzles probablemente sea el tema más duro de este Leaving the End Open sin dejar de sostener entre sus versos esas melódicas rimas. Llegamos al ecuador de este trabajo con Bittersweet, su quinto tema, un medio tiempo que sin ser tan soberbio como los anteriores temas, reza notablemente. She Sleeps In Madness va en la onda de Piezes Of Puzzles, un tema más duro, con unas guitarras más pesadas y una atmosfera más oscura.

Soy fan incondicional de Johnny Gioeli, adoro su voz, perfecta para este estilo musical. Desde que en 1998 se integrara en la banda alemana, Axel Rudi Pell, no he parado de seguir sus trabajos y jamás me separo de su música. Su último disco, The Crest, editado este mismo año y uno de sus temas, Prisioner Of Love, dan muestra de la gran calidad de este cantante.

Pero para temazo, el que viene a continuación, In This Moment. Séptimo tema del disco, y uno de los mejores temas que he escuchado en mucho tiempo. Desde la primera vez que disfruté este tema, no ha dejado de humedecer mis ojos y erizar mi piel cada vez que me lo pongo. Soberbia canción. Give in to This Love y Before This son los temas que le relevan. Este primero, Give in to This Love, más heavies y con riffs más marcados y el segundo, Before This, más suave y acompasado.

Llegando a la recta final, nos encontramos con Hole in my Head y el tema que designa el nombre al disco, Leaving the End Open. Hole in my Head está entre los cuatro mejores temas del disco, al menos para mí. Me encantan sus pasajes y ese clima tan etéreo. Leaving the End Open cierra este extraordinario trabajo de la mejor manera posible, con uno de eso temas que te trasladan a los mejores momentos de tu vida, recordándolos con un nudo en la garganta.

 


Mi etapa favorita de Helloween

Como si del Ave Fénix se tratase, de las cenizas de Helloween renace un nuevo grupo.

Ya estoy preparado, equipado con mi casco y mi fusil, estoy listo para enfrentarme a la infatigable horda de seguidores de Michael Kiske, el cual admiro muchísimo por su soberbia etapa en Helloween y claro está, por sus grandes colaboraciones en numerosos trabajos musicales. Y es que, independientemente de que Michael Kiske me parezca un ido de la olla por la cantidad de sandeces que ha soltado a lo largo de más de una década, profesionalmente me resulta extraordinario. Aunque permítanme decir, que desde hace ya varios años, a Andi Deris se le ha mortificado mucho por su voz en directo, y con todos mis respetos, tras ver la vuelta  a los escenarios de Michael Kiske, este no sale mejor parado, ya que tampoco puede llegar a esos tonos que llegaba cuando joven. Y es lo que tiene la edad, que no perdona ni a uno ni a otro.

Digo esto porque uno debe tener mucho cuidado cuando dice que prefiere la etapa de Andi Deris a la de Michael Kiske. Cuando uno hace una afirmación así, de la nada y con mala suerte, surge una docena (sí, y a veces ni una docena, tampoco son muchos) de incansables discípulos de la Santa Orden de Michael Kiske que nunca han llegado a aceptar la expulsión de éste (allá por 1993) y que, sin saber decir Cest finí!, siguen esperando la vuelta utópica del ruiseñor alemán a las filas de Las Calabazas. Pero ahí no acaba la cosa, su Guerra Santa no sólo consiste en desear día tras día la vuelta de Kiske a Helloween sino que además deben ir por todos los rincones donde se hable de Helloween (aunque sea una mísera noticia relacionada con la banda) para poner a caer de un burro a todos sus integrantes, en especial a Andi Deris y despreciar todo el trabajo hecho por dichos músicos a lo largo de estos últimos años. De hecho, aquí en Anhelarium, cuando hemos abordado un tema relacionado con los actuales pumpkins, hemos sufrido en un par de ocasiones la vehemente intensidad amorosa de algunos por Kiske que, como si éste les pasara una paguita mensual por los servicios prestados (no mucho ¿eh?, que Kiske no tiene ni pa pipas…), han arremetido contra los miembros actuales de Helloween como si de pedófilos se tratase, desairando muchos de sus discos, los cuales, algunos son verdaderas obras maestras.

Menos mal que son una minoría y como se puede totalmente comprobar tanto en sus conciertos como en sus videos y dvd’s, Helloween posee una gran reputación exaltada por millones de fans en todo el mundo, siendo uno de los grupos más importantes del Heavy Metal. Y es que sí amigos, no somos cuatro gatos los que preferimos la etapa de Andreas Deris. Se podría hacer una encuesta general y el resultado sorprendería a más de uno.

Gozo cuando oigo los magníficos Keepers, y a diferencia de muchos Talibanes del Metal, me encanta Chameleon, uno de los discos que más me gustan, y no sólo de Helloween, sino de todos los que un servidor ha catado en toda su vida. Pero luego, cuando me predispongo a escuchar Master Of The Rings, The Time Of The Oath o Better Than Raw, siento que estoy en otro nivel, uno totalmente distinto y en el cual, me siento mucho más a gusto.

Todas sus etapas son muy honorables, pero siempre he dicho que la etapa que más me gusta de este grupo es desde 1994 a 2001. La formación perfecta: Roland Grapow, Michael Weikath, Uli Kusch, Andi Deris y Markus Grosskopf. Con todo mi corazón, hubiera deseado que esa alineación de músicos no se rompiera jamás y, aunque la formación actual de Helloween me resulte excelente, por desgracia, nunca volveremos a ver la insuperable formación que Helloween acaecía en esos días.

Comenzando imponente su nueva etapa en 1994, con Master Of The Rings nos regalan el oído con temas como Sole Survivor, Perfect Gentleman, Why?, In The Middle Of A Heartbeat o Mr. Ego entre otras canciones. Como si del Ave Fénix se tratase, de las cenizas de Helloween renace un nuevo grupo.

Llega 1996 y The Time Of The Oath arrasa con todo. Prensa y público se rinden a esta nueva generación, a este grupo que reclama lo que es suyo. Sus singles, Power y Forever And One (Neverland) es muestra de ello. Steel Tormentor, If I Knew o Before The War son otros de los temas que se graban a fuego en tu memoria de por vida. Y tras esto y una apabullante gira mundial, los alemanes dejan constancia de su éxito en uno de los mejores directos que se puede encontrar, High Live, donde se puede disfrutar de los mejores temas de la banda en vivo y en directo.


Pero mi disco favorito llega con Better Than Raw, otro disco que ensalza más aún el prestigio de la banda.  I Can es mi tema favorito de todos los que posee Helloween, mi canción favorita y, junto a Hey Lord, pone la guinda a un pastel delicioso. Un disco que, cualquier amante del buen Heavy Metal, catalogaría como una autentica joya. Time, la apoteósica canción Falling Higher, o Midnight Sun, cuyo final es de lo más virtuoso, hacen que Better Than Raw sea un disco indispensable en tu colección.


Con The Dark Ride Helloween anublan un tanto su composiciones y con ese toque oscuro crean un disco que ha ido mejorando con el paso de los años. Digamos que ha tenido una muy buena vejez.  If I Could Fly, uno de los temas más populares del grupo y qué más quisieran muchos grupos del mundillo heavy-gótico haberla creado, arrasa en las listas y junto con Salvation, The Departed (Sun Is Going Down), Mr. Torture y sobre todo con el tema que da nombre al disco, The Dark Ride, clausuran este disco con broche de oro.

Tras la mala decisión tomada por Michael Weikath de expulsar del grupo a Roland y a Uli, Helloween pasará por unos años cargados de malas críticas. Y no es para menos. En 2003, Rabbit Don’t Come Easy, un disco del cual se salvan dos temas y con una producción tercermundista (algo incomprensible para un grupo con tanto caché) deja muchísimo que desear a todos. Tal fue la mala acogida de dicho trabajo, que en su gira mundial, que por supuesto, fue exitosa (es lo que tiene cuando un grupo se consagra, sus fans nunca los abandonan) su set-list se centraba en los temas más idolatrados de su carrera musical. Apenas dejaron hueco para las canciones del Rabbit.

Ya en 2005 toman el craso error de poner por título a su nuevo disco, Keeper Of The Seven Keys –The Legacy-, un disco notable, al que le sobraban muchos temas y sobre todo, debería haberse llamado de otra forma. Ese nombre, era totalmente prescindible. Pero aún recibiendo comparaciones con los clásicos Keepers, nadie podía negar la gran calidad de temas como Occasion Avenue, The Invisible Man o The King For a 1000 Years. El disco tuvo buena acogida y a tras varios años, Helloween volvía a estar en las listas de muchos países. Sin ir más lejos, en Estados Unidos consiguió alcanzar la posición #28 en los Billboard 200. La gira, mundial y más exitosa que la anterior, recogía en dos grandes dvd’s titulados Live on 3 Continents. Keeper of The Seven Keys- The Legacy World Tour 2005-2006 el triunfo cosechado.

Pero retoman el vuelo, y de qué manera, en 2008 volviendo con otro virtuoso nuevo disco titulado Gambling With The Devil cuyo single, desde el primer momento que lo escuché, me cautivó radicalmente. As Long As I Fall, mi segunda canción favorita de Helloween, un armonioso y melódico tema, con un pegadizo estribillo presentan a unos Helloween con las pilas recargadas y mostrando que hay fuerzas y ganas para muchos años. Gambling With The Devil, disco que muchos compararon con Better Than Raw y que verdaderamente se asemeja,  sorprendió a todos y demostró que Helloween aún tienen mucho que ofrecer. Todo un éxito en ventas, llegando al Nº1 en Japón, Suecia y Francia. Todo un tapabocas para algunos.


Sin duda alguna, me quedo con esta etapa, me satisface muchísimo más. Ahora y habiendo demostrado con Unarmed, que son unos permutados y excelentes músicos, se presentan de nuevo con un trabajo que promete ser toda una bomba. 7 Sinners es su nueva obra y tan sólo se puede disfrutar del single, titulado Are You Metal?, un atronador tema, de una rapidez increible. Hacia tiempo que Helloween no desarrollaba algo parecido. El videoclip se grabará en Alemania el 30 de septiembre y con la participación de los fans. Por lo poco escuchado, se puede deducir que este disco está mucho más cerca de la calidad del Better Than Raw mezclado con la ferocidad del The Dark Ride. El disco saldrá a la venta el 31 de octubre (en Halloween, por supuesto) y deseando estamos de poder escucharlo y disfrutarlo en su totalidad.

Recordemos que para la nueva gira mundial de Helloween, éstos contarán con los míticos Stratovarius como teloneros. Algo que ningún amante del buen Heavy se puede perder.

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Bob Catley – The Tower (1998) – Cuando la música recupera toda su elegancia

Siempre he sido un fiel seguidor de Magnum, es uno de los estandartes del Hard Melódico y está entre mis grupos predilectos. El pasado invierno, publiqué un artículo sobre el último trabajo de estos británicos titulado Into The Valley Of The Moonking el cual podéis leer en este enlace. Pero hasta ahora, no había tomado la iniciativa de adentrarme en la carrera en solitario del principal protagonista de Magnum, Bob Catley. Tal iniciativa no ha podido resultar más estimulante, y es que, he hallado uno de los discos más elegantes y mejor producidos de los últimos años de la extrovertida década de los noventa.

Para su disco debut, Bob Catley cuenta con la ayuda de un gran admirador y excelente compositor, Gary Hughes que produce y compone todos los temas de este asombroso trabajo. Gary Hughes es el fundador, principal compositor y cantante del clásico grupo de Hard Melódico, TEN.

The Tower es un disco con distinguidos cortes bastante épicos pero cargados de una gran armonía y musicalidad. Dreams es el primer tema que abre este trabajo, con un inicio muy eufónico y con una consonancia muy romántica da paso a unos rockeros riffs que muestran una vez más, que el rock duro no es sólo pegar voceríos y headbangear como endemoniados. Scream es  el tema que le sigue y no porque sea el siguiente parezca que están unidos, todo lo contrario, estos dos primeros temas son como uno sólo realmente, una pequeña epopeya melódica. Esta segunda letra es mucho mejor, constituyendo así uno de los mejores temas de este disco. Un gran estribillo y unos ritmos melodiosos sin igual.

El tercer tema es un apasionado medio tiempo titulado Far Away. Personalmente, noto la voz de Catley en este trabajo algo más, no, mucho más, intima y sensible. Un tema emocionante a la vez que legendario.

Catley posee una extraordinaria voz, algo que ya ha demostrado durante tantos años y no sólo en Magnum, recordemos que también ha sido parte importante en Hard Rain, un segundo grupo, más bien proyecto, en el que grabó dos discos, el último, data de 1997. No es de extrañar también que Bob Catley haya participado en varios proyectos, entre ellos, prestigiosos trabajos como el 01011001 de Ayreon de 2008, trabajo liderado por el multi instrumentalista Arjen Anthony Lucassen, Once and Future King Part I & Part II, proyecto de Gary Hughes (TEN), o en los fabulosos Avantasias de Tobias Sammet.

Deep Winter, junto con Steel son mis temas favoritos de The Tower. Dos temas colmados de intensos pasajes de instrumentación, épicos episodios relatados con el mejor prosaísmo y lo más importante, unos finos y adecuados coros y atractivos estribillos.

Otros temas como Madrigal, un apaciguador tema o Fire And Ice, más avivado y excitado hacen soberbio este disco debut de Bob Catley el cual recomiendo afablemente.

Álvaro Rojas


¡Vuelta a los 80! Desde Finlandia, ¡Reckless Love!

Reckless Love

Vuelve el glam en todo su esplendor, vuelven esos pelos cardados, vuelve esa música que a tantísima gente hizo vibrar en la década prodigiosa, con Reckless Love, ¡volvemos a los 80!

Desde Finlandia, y con Oliver Twisted a la voz (ex-Crashdïet, ¡grupo al que adoro!), nos llega esta portentosa banda cuyo álbum está por convertirse en el mejor de todo el 2010. El éxito de su debout, recuerda al de los ya coronados, H.E.A.T, uno de los grupos noveles más exitosos de la actual escena musical.

Y a las pruebas me remito señoras y señores, aquí teneis sus dos singles.

El disco es una autentica joya, Feel My Heat, todo un temazo, Back To Paradise, ¡que más ochentera-pomposa no puede ser! o la potente Love Machine hacen que este disco, sea la compra segura de todo amante de este estilo musical tan enriquecedor.

Excelentes melodías, estribillos pegadizos,  una música alegre, muy animada y sobre todo, de mucha calidad.

Damas y caballeros, con todos ustedes, ¡Reckless Love!

 


Porque siempre habrá alguien ahí para ayudarte…

Segundo single del último trabajo de Bon Jovi, The Circle,  titulado, Superman Tonight.


Excelente,  un tema conmovedor. Simplemente, brillante. Siempre vemos el mal ajeno, el daño que hacen los demás y el que nos hacemos a nosotros mismos. Parece que lo mejor del ser humano nunca lo graba nuestra retina y siempre nos quedamos con lo malo. No, no es así. Hay personas que hacen que este mundo valga realmente la pena. Esas personas se cruzan por tu camino a diario cuando sales a la calle aunque no nos demos cuenta. Y es que siempre habrá alguien ahí para ayudarte.

Es para mi una pena no poder asistir al concierto que Bon Jovi dará en la segunda edición del Rock In Rio Madrid en apenas una semana. A todos los que habéis visto a Bon Jovi alguna vez, ¿qué os voy a decir? A los que vais por primera vez, estad antentos, disfrutad, porque estaréis ante el mejor grupo del mundo, sin más.

 


Place Vendome – Streets of Fire (2009)

Place Vendome - Streets Of Fire

Definitivamente Place Vendome se ha convertido en uno de mis grupos favoritos, aunque, quizás no debería decir eso, porque, ¿acaso es un grupo? ¿Están formalizados como tal? ¿O sin embargo sigue siendo un proyecto paralelo? La cosa es tal que al principio, así era, un magnífico proyecto cuyos artistas paralelamente hacían con respecto a sus carreras musicales. Al obtener un enorme éxito, se rumoreó que el proyecto se consolidaría como banda incluyendo un tour mundial. Todo esto iba tomando forma y obteniendo credibilidad cuando oficialmente se publicó la noticia de que habría un segundo disco de Place Vendome.

Pero ahora, comprobando que este último disco cuenta con la participación de varios artistas que nombraré en un instante, y que la mayoría de los integrantes de Place Vendome han formado un grupo nuevo llamado Unisonic cuyo artículo podéis leer en este enlace, creo que la cosa está en que Place Vendome es un admirable proyecto de Hard/AOR que muy poco le tiene que envidiar a esos grandes discos de grupos clásicos que todos conocemos. De hecho, el primer trabajo fue catalogado como el mejor lanzamiento de 2005 y…no es para menos. El artículo de la primera entrega de Place Vendome lo podéis leer en este enlace.

Como comenté con anterioridad, este nuevo trabajo cuenta con la participación de grandes artistas de la escena rockera. Entre ellos están Torsti Spoof (LEVERAGE) con los temas “Dancer”, “Changes”, “Believer” y el título “Streets Of Fire”, Ronny Milianowicz (SAINT DEAMON y compositor de PRIMAL FEAR) trajo “Surrender Your Soul”, “Completely Breathless” y “A Scene In Replay”, y Robert Sall (WORK OF ART) escribió “Follow Me” y “Valerie”. Con éste último, tuve la oportunidad de intercambiar un par de e-mails contestando amablemente a un par de preguntas que le realicé. Me demostró que aparte de ser un gran compositor es una excelente persona.

La producción vuelve a recaer en las manos del Rey Midas del Hard Rock. Hablo del señor Dennis Ward (Pink Cream 69). A la voz, tenemos a LA VOZ, es decir, al grandísimo Michael Kiske el cual más no puedo admirar. Su voz, ¿qué decir?, única, mil veces imitada y nunca igualada. A la batería, Kosta Zafiriou, el cual tube la oportunidad de conocer en persona y poder hacerme una foto con él, ya que es el tour-manager de Helloween  y ahí estaba con ellos.  Es también integrante original de la ex banda de Andi Deris (Pink Cream 69), como también lo es Uwe Reitenawer, el guitarrista. Quién se lo diría a Andi Deris cuando éste entró a sustituir a Michael Kiske tras su expulsión de Helloween, que en el futuro, sus antiguos compañeros de grupo, se unirían con Michael para formar otro nuevo. Las cosas de la vida…

Pero no me puedo olvidar de Gunther Werno (VANDEN PLAS) que vuelve a encargarse de los teclados y es el que le da ese toque tan extraordinario y tan nostálgico.

Hechas ya las presentaciones, volquémonos en el disco, que más bien hecho no puede estar.

Comienza elegantemente con Streets of Fire, tema que le da nombre al disco y nos demuestra de primeras que estás ante un fabuloso disco. Me llamarán fan locaza, pero la primera vez que escuché esta canción y oía la voz de Kiske en las primeras estrofas sin haber llegado aún al estribillo, ya tenía la piel de gallina. ¡Qué grande es este hombre por Dios!

En la senda del anterior trabajo, nos encontramos con temas cuidadosamente trabajados y con unos estribillos y acabados extremadamente melódicos. Todo en esta canción es una eclosión, una subida de adrenalina que te hace desear que no termine nunca. Es como esas veces que de pequeño te montabas en una atracción de feria y, sabiendo que en cualquier momento terminaría, deseabas que el tiempo pasara lo más lento posible.

A este tema le sigue el que es el single de presentación. My Guardian Angel, un medio tiempo en el cual comprobamos una vez más, que estamos ante LA MEJOR VOZ DE TODOS LOS TIEMPOS. El estribillo es precioso, con una letra que llega a calar profundamente en tu corazón y que es cuidadosamente introducida en una preciosa harmonía.

Llegamos al que es mi tema favorito del álbum, Completely Breathless, otro medio tiempo, esta vez, mucho más suave que el anterior y que podría estar perfectamente en los trabajos en solitarios de Michael Kiske, sobre todo, en el último, titulado ‘KISKE’. Me da la sensación de que a Kiske le habrá encandilado este tema, porque está hecho a medida para él. Justo el tipo de música que a él le gusta hacer.

Follow Me es directamente una canción de Work Of Art interpretada por Michael Kiske. Lo digo porque es que suena exactamente a las canciones que componen el álbum debout de WOA. Y es que el compositor de dicho tema es el gran Robert Sall, principal compositor de la banda sueca.

Set Me Free es el siguiente tema y personalmente, un medio tiempo algo flojo y que hoy por hoy nunca escucho ya que me llega a aburrir.  Aunque supongo que para eso de gustos…

Believer es otro temazo y te quita de encima el aplomamiento que te deja el anterior. Me encantan el ritmo tan positivo que corre por cada acorde de esta canción. Destaco el fantástico sólo de guitarra que supongo hará el señor Uwe y es que ya en los primeros temas de aquellos jóvenes Pimkies (como se hacían llamar de manera cariñosa a los integrantes de Pink Cream 69) demostraba ser un as de la guitarra. I Believe in your love!

Volvemos a la onda Work Of Art con el tema Valerie, y es que me hace gracia, porque se nota a leguas quién es quién en las composiciones. Este nuevo trabajo de Place Vendome sorprende por su gran coctel de heterogeneidad. De nuevo, Robert nos regala otro precioso tema mucho más apegado al terreno de éste. Un gran tema sí señor.

A Scene In Replay vuelve a dejar boquiabierto a cualquiera. Uno de los mejores temas sin duda alguna. A destacar la gran habilidad de combinar esos pasajes lentos dónde la voz de Kiske parece que llega a susurrar  con la atmósfera más melódica posible acompañada de excelentes coros.

Changes es otro de esos temas que recuerdan a los discos en solitario de Michael Kiske, sobre todo al mencionado anteriormente. Surrender Your Soul viene del compositor de Primal Fear Ronny Milianowicz, y a mí personalmente me ha sorprendido conocer a este señor en su faceta compositora ya que me encanta su forma de hacer música. El tema es muy ameno y hermoso. Adornado con un elegante piano, la canción toma más fuerza en el estribillo acompañado de buenos coros.

Cerrando ya este gran trabajo, nos encontramos con el plato fuerte del disco. Dancer cuyo estribillo es de lo mejor que he escuchado en años. Una tema que nada tiene que ver con los anteriores, este, es mucho más duro, igual de melódico pero rozando claramente los recodos más audibles del Heavy.

Dancer y Completely Breathless son los temas que más me gustan de este Streets of Fire los cuales no paro de escuchar nunca.

Acaba el disco con un entrañable tema, I’d Die For You que no sólo por el título recuerda a los melancólicos Bon Jovi y su New Jersey, pero eso sólo al principio, ya que cambia radicalmente. Un grandioso tema que sorprendentemente gira 369º para convertirse en un acelerado tema mezclando lo mejor del Aor con ligeros toques algo progresivos.

¿Qué más decir? Un gran disco. Me encandila más el primero, el cual tengo en un pedestal, pero este no se queda muy atrás, sobre todo por esos temas como Dancer, Streets of Fire, Completely Breathless…

Altamente recomendado.

Álvaro Rojas

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El genio Tobias Sammet nos presenta lo nuevo de AVANTASIA

Impresionante el nuevo single de AVANTASIA titulado Dying for an Angel. Un excelente tema con un estribillo de lo más potente y melodioso donde Sammet canta a duo con el distinguido Klaus Meine (voz de Scorpions). Sin duda, Tobias Sammet es toda una leyenda viva, y es que pocos hay como él. Desde los dieciocho años, con aquel Savage Poetry,  lleva aportando grandes obras al mundo de la música y uno no se extraña en absoluto cuando se atestigua el tremendo éxito que obtiene allá donde vaya.  Para mi es todo un honor conocerlo en persona y todo un orgullo haber podido hacerme una foto con él, el cual accedió muy amablemente allá por el verano de 2006.

Ay!…la de años que llevo escuchando su voz con EdGuy y lo enganchado que siempre estoy a sus Avantasias. Aún recuerdo, cuando se anunció la tercera parte de la saga y se supo que sería algo más orientado al Hard Rock melódico cuando casi sin quererlo pensé por un momento que destrozaría sus dos obras anteriores, que son, por mucho que algunos digan lo contrario, dos obras maestras que para nada tienen que envidiar a grandes obras épicas y míticas como los Keepers de Helloween.

Cómo son las cosas, que a día de hoy, el Avantasia que más me gusta, es sin duda The Scarecrow y sus dos primarios Ep`s.

Aún no he tenido la oportunidad de escuchar nada más de la cuarta entrega de Avantasia, pero si sigue las pautas de su antecesor y el resto de temas son mínimamente parecidos a este nuevo single, ya para mí es un gran trabajo y por supuesto, compra segura.

¡Grande Toby!