Cine

Netflixeando #2: PELÍCULAS: El hoyo, Los dos papas, Diecisiete, Loving Vincent, Quién te cantará, La perfección, Wishky. SERIES: Unorthodox, The Witcher

Pues un año después, regreso con otra entrega de Netflixeando, intentaré publicar nuevas entregas con más regularidad, aunque siempre que digo esto acabo haciendo todo lo contrario. Para esta segunda entrega os traigo muy buen material que podéis encontrar en la arhiconocidísima plataforma y, como no podría ser de otra manera, al igual que recomiendo yo, también me gustaría que me recomendaseis a mí qué pelis y series os gusta de Netflix. La gracia de estas entregas de Netflixeando es que sólo sean cosas que sea puedan ver en Netflix, para recomendarme películas o series fuera de su esfera ya están las otras entradas sobre cine que podéis encontrar en Anhelarium como también otra mítica saga de cine de este blog a la que titulo: Minicríticas de cine y cuya última entrega podéis leer pinchando en este enlace. Pues bien, vamos a ello, aquí os presento en primer lugar una serie de películas que no podéis dejar escapar si queréis ver buen cine de calidad.

PELÍCULAS

El Hoyo

La gran sorpresa del cine español en lo que llevamos de año, al menos la más controvertida. Esta es la primera película del director Galder Gaztelu-Urrutia que ya se dio a conocer con dos exitosos cortometrajes como son La casa del lago (2011) y 913 (2004). A través de la distopía que se nos muestra en esta cinta su director expone con contundencia una enorme crítica a la sociedad actual. ¿Habla la película de las distintas clases sociales? ¿Quizás sobre las sociedades del primer y tercer mundo? ¿Es demasiado pretenciosa? Ya lo decidirás tú. Con un reparto más que acertado, en el que brillan más los personajes secundarios que el propio protagonista, entre ellas la gran Antonia San Juan, disfrutamos de una película asombrosa, muy impactante no sólo visualmente sino por su delirante y pesadillesca historia donde, por si fuera poco,  hay alguna que otra escena bastante gore. El Hoyo no es más que una gigantesca plataforma, una especie de edificio enorme con distintos niveles, no se sabe exactamente cuántos. En cada nivel sólo pueden haber dos personas. De manera aleatoria, los niveles van cambiando, de tal manera que a veces estás arriba y otras abajo. En medio de cada nivel hay un hueco por el que, una vez al día, sube y baja una plataforma con comida, un gran banquete preparado por auténticos chefs de cocina. Si estás en los niveles superiores, podrás comer como un jeque, ahora bien, si estás en los niveles inferiores, comerás peor que un cerdo vietnamita, pues sólo quedarán las sobras, la pringue y la mierda. Ademas, la convivencia en cada nivel tiene sus normas, unas normas extremadamente violentas. Estamos ante un gran film de terror psicológico que no te defraudará. Te recordará algo a la más que mítica saga CUBE, más bien por su atmósfera tan agobiante y enigmática, pero las normas aquí, como la agonía, son distintas.

 

Los dos Papas

Película que no agurda emoción alguna y a la que, personalmente, le sobra metraje, es algo larga. Pero es tan interesante ver la relación que hubo en sus días entre el Papa Benedicto XVI y su sucesor, el Papa Francisco, que merece mucho la pena verla. Lo primero que llamó mi atención es el parecido tan increíble entre el actor Jonathan Pryce y el Papa argentino, parecerá que estás viendo a este último realmente. En el papel del Papa Benedicto XVI tenemos al gran Anthony Hopkins. Los dos actores muestran sus mejores dotes para meterse en la piel de ambos religiosos y mostrarnos la relación que hubo entre los dos desde tiempo antes de que Benedicto fuera elegido Papa. Las conversaciones que ambos mantienen a lo largo del tiempo que abarca la película son muy interesantes, a mí hubo una, concretamente en la que ambos Papas están sentados en un banco a la sombra en el jardín, la que más me hizo reflexionar. Los dos representan dos visiones distintas de la Iglesia católica, dos maneras de liderar el Vaticano y a media humanidad. La película está muy bien dirigida, y los planos excelentemente bien cuidados, porque los planos adquieren mucho protagonismo en esas conversaciones. Esta cinta está dirigida por el brasileño Fernando Meirelles (El jardinero fiel, Ciudad de Dios) y creedme, hace un trabajo extraordinario mostrándonos a estos dos Papas en una faceta que nunca antes habíamos visto y quizás, ni imaginado.

Diecisiete

Dirigida por Daniel Sánchez Arévalo (La gran familia española, Primos, AzylOscuroCasiNegro), se nos presenta la historia de Héctor, un chico de diecisiete años con problemas de comportamiento que anda interno en un reformatorio. Es un niño con una personalidad muy compleja, difícil de llevar, se pelea con todo el mundo. Su vida siempre parece derrumbarse, pero un día, los cuidadores del centro de menores en el que está, tienen la brillante idea de hacer terapia con los chavales trayendo unos perros sin dueño que esperan ser adoptados. Es en ese momento cuando Héctor quedará prendado de uno de esos perros, al que llamará Oveja por el aspecto que éste guarda con dichos animales. Entre os dos se forjará un vínculo muy especial a medida duran las continuas sesiones de terapia. Pero un día Oveja no regresa, porque a Oveja ha sido dado en adopción. Aquí comienza la aventura de Héctor para recuperar a su amigo, el único que ha tenido, y para ello se escapará del centro de menores y en su periplo, meterá en el ajo a su hermano, con el que en los últimos años no ha tenido una buena relación. Per en este road trip, ambos en busca de Oveja montados en una destartalada caravana, volverán a conectar como cuando eran niños. Es una película en la que Oveja no será lo que más te enternezca, no es la típica película donde el protagonista es un perrete que no para de hacer monerías y provocar ternura. En esta película el protagonista es Héctor, encarnado en el joven actor Biel Montoro que hace un trabajo sensacional durante toda la cinta. Esta película trata el abandono, la soledad, la incomprensión, el reencuentro, la importancia de la familia y nos enseña que siempre tenemos que tener a un perro cerca nuestra, los perritos y los gatitos son lo mejor compañía. Acompaña a Héctor en esta aventura, que deja momentos hermosos y muy divertidos, porque te va a encantar.

 

Loving Vincent

La forma en la que está hecha esta película me recordó a la mini serie Undone, aunque visualmente, Loving Vincent es muchísimo más admirable, porque a diferencia de Undone, cada escena de esta cinta es un dibujo, uno tras otro, todos hechos a mano, en ella han trabajado cien pintores de todo el mundo. La película te sumerge no sólo en la vida personal de Van Gogh sino en todos sus cuadros. Todas las escenas son sus pinturas pero en animación, así que no me quiero ni imaginar la complejidad que tiene detrás esta película. Loving Vincent, que cuenta con un reparto de lujo, nos sitúa un año después de la muerte del atormentado pintor. Un joven cartero llamado Armand tiene la misión de entregar la última carta escrita por Van Gogh y que está dirigida a su hermano Theo, también fallecido. Por el camino, este joven soñador quedará cada vez más fascinado por los últimos días de vida del pintor más que por su capacidad artística. Como una suerte de detective, intentará dilucidar si Vincent Van Gogh fue asesinado o realmente se suicidó, se entrevistará con todas las personas que rodearon al artista en sus últimos días. Como decía, el reparto es sensacional, pero lo mejor de la película es cómo está entretejida la trama, hace que te sumerja en un mar de dudas, que desconfíes de uno y de otro, como si fuera el juego del Cluedo.

Quién te cantará

Otra genial obra de Carlos Vermut, el que fuera director de la gran Magical Girl, estrenada en 2014 y que tanto éxito cosechó. Además, esta es la mejor interpretación que ha hecho la brillante Najwa Nimri en toda su carrera como actriz, y no exagero nada diciendo esto, es su mejor papel. Acompañada de otras grandes actrices como Eva Llorach o Carme Elías, esta cinta nos cuenta la historia de una diva de la música Pop española que trágicamente pierde la memoria. Se llama Lila Cassen y se dejó de saber de ella así sin más, pero tras una década desaparecida y sumergida en el más absoluto anonimato, decide regresar, pero algo trágico sucede, tras un accidente, la estrella de la música de los 90 sufre amnesia, no recuerda quién es y lo peor de todo, es que parece haber perdido su capacidad de cantar. La otra protagonista de esta película es Violeta, interpretada por Eva Llorach, cuyo papel por momentos ensombrece el enorme trabajo de la señorita Nimri. Violeta se pasa las noches trabajando hasta altas horas de l madrugada en un karaoke donde allí, cuando puede da rienda suelta a su mayo pasión: imitar a Lila, su ídolo. Pero un día Violeta recibe una propuesta que no podrá rechazar, deberá enseñar a Lila Cassen a cantar como lo hacía años atrás. Me quedo con una frase funfamental para entender esta película: Lila y Violeta, son el mismo color. Si te gusta el cine español, debes ver esta película porque es todo un bastión del cine patrio más actual.

La perfección

Impresionante y brillante puesta en escena de esta película cuya trama, de principio a fin, te deja absolutamente enganchado, donde además rompe moles y sienta como el aire fresco. Con ciertas pinceladas del gore más clásico, esta película, dirigida por Richard Shepard, nos presenta la historia de una chica que vive por y para su violonchelo. Ingresará en una prestigiosa academia desde bien niña, pero por cuidar de su madre enferma, decide dejar aparcada su carrera musical, algo que cada día le pesaría como una losa, se convirtió en una mujer infeliz. Pero un día regresará a la academia que tanto la encumbró y esta vez, todo será distinto. Esta película está escrita y dirigida con mucha perspicacia, es súper entretenida y sus giros te dejarán totalmente en fuera de juego. Las dos chicas en las que recae el protagonismo de esta historia hacen un papel más que decente, llegando a odiarlas y amarlas al mismo tiempo. Una película que mezcla la más elegante música con el instinto más animal. Destacar que la banda sonora merece especial mención, sus giros no resultarían tan efectivos sin esa música de fondo, parece que la música hace brotar aún más la vehemencia de esta película. El gran cazador, cazado.

 

Wishky

 

Película uruguaya del año 2004 que descubrí gracias a Netflix. Es de esas películas que o la detestas o te encanta, y a mí me encantó, por eso la incluyo en esta nueva entrega de Netflixeando. Estamos ante una película más seria que un tanatorio que, incluso, llega en algún momento a provocar alguna risa. Esta película te sumerge en una atmósfera densa, deprimente, llena de silencios y de la soledad más amarga. Y es que esta cinta es toda una oda a la soledad. Jacobo Köller es dueño de una pequeña y destartalada fábrica de calcetines venida con los años a menos. Su vida es pura rutina y monotonía, la fábrica parece albergar algo de vida cuando entran a trabajar dos lindas y jovencitas muchachitas, pero Marta, la encargada del lugar, parece salida de la obra teatral, La casa de Bernarda Alba. La relación de Marta y su jefe, Jacobo, es la misma que puede tener el frigorífico con la lavadora en una cocina mugrienta. Un día, reciben la visita inesperada del hermano de Jacobo, Herman. La llegada de este cambiará bastante esa monotonía y quizás, solo quizás, haga cambiar la rutina de Marta y Jacobo. La película muestra la triste y solitaria vida de estos tres personajes, tres maneras distintas de vivir en soledad.

Se ha dignificado lo friki  
Trilogía del Vatídico: Aprendiz de asesino, de Robin Hobb
Quizás no es correcto decir que se ha dignificado algo que siempre ha sido muy digno, porque ya me diréis […]
Un libro de una narración impecable, una historia trepidante y llena de intriga y emoción. Desde hacía tiempo tenía en mente aventurarme con estos […]

SERIES

Unorthodox

Magistral mini serie estrenada recientemente en Netflix que refleja la insoportable vida que lleva Esty, una jovencísima neoyorquina que vive en un ambiente extremadamente religioso y machista. Toda su familia es judía ortodoxa y han concertado su matrimonio con un chico al que la obligan a amar y ser una madre ejemplar. Esty no aguanta más ese ambiente tan opresivo y asfixiante y decide escaparse a Berlín, donde se reencontrará con su madre biológica que también escapó de dicha vida y vive con su novia en la capital alemana. Esta historia está basada en las memorias de Deborah Feldman, en las que narra en primera persona cómo logró huir de semejante vida. Esty tiene sueños, metas, ansias de vivir otra vida, pero no por ello no siento una tremenda tristeza por dejar plantado a su marido y escapar con el hijo que lleva en su interior.  La joven judía conocerá a una buena pandilla de amigos en Berlín que la ayudarán a integrarse en el ambiente berlinés y a que pueda canalizar mejor sus decisiones. El guión hace de esta mini serie, dividida en cuatro capítulos, algo espectacular, porque la trama es realmente bien simple. Pero sería injusto no achacar el éxito de esta serie al peculiar carisma de su joven actriz, porque el papel que hace es maravilloso y conmovedor.

The Witcher

La gran apuesta de Netflix en cuanto a series se refiere. Su estreno fue arrollador y ya se espera con ansia su continuación. Henry Cavill, el Superman actual, se enfunda en la piel de Geralt de Rivia, un hechicero que se gana la vida cazando monstruos. Esta serie es la adaptación a la pantalla de la saga de literatura fantástica del gran Andrzej Sapkowski, uno de los escritores más valiosos de este tipo de literatura. He de deciros que tengo pendiente leerme sus libros, lo dejo y lo dejo y para el siguiente pedido de libros que haga, caerá alguno. La serie comienza agresiva, potente, y aunque uno no ve nada nuevo en ella, se refleja algo distinta, tiene su encanto, y eso se agradece porque todos sabemos lo sobado que está este género. Lo que más me gustó de esta primera temporada es comprobar la cantidad de personajes y lo interesante que resultaban todos ellos. Según he podido leer por ahí, la serie respeta bastante los libros pero pretende marcar su estilo, algo parecido a lo que se hizo con Juego de Tronos. La serie psee una banda sonora muy pero que muy buena y una mejor fotografía, esto último me sorprendió muchísimo en una serie de este estilo. Espadas, brujería, espíritus, monstruos, y violencia, mucha violencia. Me llamó también mucho la atención lo excelentemente trabajadas que están las luchas a espada y las peleas. Geralt no pretende ser un héroe, caza monstruos para vivir, pero sí le preocupa el bien y que prevalezca sobre el mal. Cavill hace que el personaje gane muchísimo carisma y te invita a seguir viendo capítulos tras capítulo. Totalmente recomendada y más si eres un orgulloso friki, porque difícil que esta serie te pueda decepcionar y, si encima eres seguidor de los libros de Andrzej, menos aún.


Vengadores: Endgame. Sí, esta sí que es la mejor peli de superhéroes. Difícil será igualarla

Ya ha pasado más de una semana desde su estreno y he ido al cine a verla dos veces, no puedes verla una sola vez. Ha batido todos los récords de taquilla y acaba de convertirse en la película más taquillera de la historia, superando a Titanic (J. Cameron, 1997). No me extraña en absoluto, la película está cosechando el éxito que se merece, ha superado todas las expectativas. Soy y siempre seré de DC antes que de MARVEL, pero de terco fanático no tengo nada y DC está a años luz de hacer algo así y bien lo demostró con la mal lograda Liga de la Justicia (Snyder/Whedon, 2017). Hace tres años escribía una entrada de blog reseñando la película Batman v. Superman, también del tito Snyder, y decía que era la mejor película de superhéroes hasta la fecha. Y lo mantengo, porque lo era en su día. Ver a Batman y a Superman, los dos superhéroes más icónicos, batiéndose en duelo entre ellos y que servía además como la película que comenzaría el nuevo universo DC encabezado por la trinidad: Superman, Batman y Wonderwoman, desde luego era algo de lo más goloso. Pero todo se fue al traste. Hasta Affleck deja de ser Batman. Sí, para mí Batman v. Superman era la mejor película de superhéroes, hasta hace una semana. Vengadores: Endgame es, indiscutiblemente, la mejor película de superhéroes y voy a dejar eso de “hasta la fecha”, porque lo va a ser para siempre. No, que os recuerdo que de terco fanático no tengo nada, esto lo digo porque va a ser muy difícil tan siquiera igualar algo así. Incluso la gente de MARVEL se las verán y desearán para volver a engendrar un conglomerado de este calibre. Nadie se esperaba que desde Iron Man (2008) todo fuera in crescendo y fuese el origen del único universo cinematográfico de superhéroes. Esta nueva entrega de Vengadores, con mucha diferencia de las anteriores, es perfecta, lo tiene absolutamente todo. Matrícula de honor para los hermanos Russo por haber creado semejante collage. Esta película es como coger el mejor cómic de superhéroes y trasladarlo tal cual a la gran pantalla, lo han sacado todo de las viñetas.

Ah, un momento, que no me puedo olvidar de algo súper importantísimo:

GRACIAS SEÑOR LEE, CON USTED EMPEZÓ TODO.

NO SPOILERS

Estamos ante LA película

Viendo cómo acabó Infinity War, desde luego el panorama en esta nueva entrega no podía lucir más desolador. La mitad de la población desaparecida y la otra mitad hundida en una depresión. Y todo por culpa del Thanos que chasqueó los dedos y lo jodió todo. Pero Los Vengadores se llamaran así por algo ¿no? No se iban a quedar de brazos cruzados, algo tendrían que idear para darle su merecido al titán. Los vengadores que quedaron en pie van a intentar deshacer el caos propiciado por Thanos cueste lo que cueste. Bajo este pretexto irán apareciendo poco a poco todos los personajes, todos son importantes, todos jugando su papel. Hulk, Iron Man, Viuda Negra, Ojo de Halcón, Capitán América, Thor, Ant-Man, Capitana Marvel, y muchas otras caras conocidas. ¡Qué barbaridad! Una película atestada de superhéroes y de ese calibre. ¡Una gozada! El hype por las nubes. Y de repente, sucede lo inesperado: una película que poco a poco va superando a Infinity Wars cuando parecía imposible. Después del dramático final de Infinity Wars, Anthony y Joe Russo, controlan todo al milímetro, manejan los tiempos con esmero para adentrarnos en esta nueva película que nos conducirá al final, al gran final. En la primera mitad de esta Endgame se toman su tiempo y ya te entran ganas de aplaudir, pero en la segunda mitad y en su tramo final, se te saltarán las lágrimas. Pueden parecer exageradas mis palabras, pero soy un friki de estas mierdas, y ahora que parece que todo el mundo lo es (de esto hablaré más adelante en Anhelarium), que todo el mundo se emociona con los superhéroes viendo sus derrotas y victorias, ya sea en los cómics o en pantalla, disfrutamos de una película espectacular, sin igual. Sumergidos en este género cinematográfico, estamos ante LA película. Endgame trata de cerrar la saga rebosándonos de epicidad, acción y mucha emoción. Con Endgame se resuelven tramas y se cierran paréntesis, y aunque puede discutirse algún que otro supuesto agujero en el guión, los fans no pueden quejarse de ello.

Una epopeya a flor de piel

La parte emocional de este película es lo que más te llamará la atención, y en esto el elenco de actores, obviamente, tiene mucho que ver. Es esta, su parte emocional, la que servirá para cerrar esas tramas y que conducirá a esas impactantes conclusiones. Sostener a tantos personajes de Marvel Comics entre tanto guionista y director y durante tanto tiempo se antojaba harto difícil. Durante once años se nos ha ido presentando a todos y cada uno de los personajes, mantener todo este tinglado en lo más alto durante más de una década y acabar así, es más que meritorio. Stan Lee ya se sentía orgulloso de lo que se estaba consiguiendo, imagino que ahora, allá donde esté, seguirá con esa imborrable sonrisa de oreja a oreja. Ni miento ni exagero, es de las pocas virtudes que tengo y esto lo digo porque para mí esta cinta es la Star Wars del hoy. El efecto que tuvo La Guerra de Las Galaxias en los jóvenes y no tan jóvenes allá por el año 1977 es el mismo que puede tener esta película de Vengadores. Y no sólo por sus escenas de acción, su colorido y sus sorprendentes y novedosos efectos especiales, es en gran medida por esta parte emocional de la que os hablo, la interacción de estos personajes entre ellos, sus historias personales, su encanto, eso es lo que ha enamorado al público. Desde el arranque de Endgame vemos escenas  donde el dolor de estos superhéroes es lo más palpable, y claro, como he dicho, tras más de diez años y una veintena de películas, esta última entrega está llena de nostalgia, guiños y muchas escenas cargadas de emotividad. Por su puesto su parte visual es excelente. Técnicamente utiliza los mejores avances en efectos especiales sin abusar de ellos constantemente, algo que se agradece. Las escenas de lucha, el carisma de los personajes y esos chascarrillos marca Avengers no faltan. La banda sonora está a la altura de la épica que emana cada escena, no es una banda sonora por supuesto al estilo Zimmer o Vangelis, pero mantiene el nivel y logra ponerte los vellos de punta en todo momento.

Marcando un antes y un después

Es el gran evento cinematográfico del 2019. Marvel Studios ha marcado un antes y un después con Endgame y será el molde en el que se fijen muchos directores a partir de ahora. Me atrevería a decir que es una película fuera de su tiempo. Llegar hasta aquí será la obsesión de muchos. Y es que si bien las anteriores películas, como Los Vengadores (2012), La Era de Ultrón (2015) o Civil War (2016) eran muy notables y la mar de efectivas, tampoco presentaban algo extraordinario, no eran más que buenas pelis de superhérores. Pero lo que vimos en Inifnity War (2018) y ahora en Endgame (2019) es otra cosa. En una película de tres horas el ritmo es tan vertiginoso que parece que dura una, y esto, creedme, ya es una hazaña. Compacta varios conceptos: el dramático, el épico y el heroico. Esta película, además de mostrarte las escenas que llevabas años esperando y que contentará a cualquier fan de la saga y de este tipo de pelis, es un prodigio para cualquier cinéfilo. Es de esas películas que quieres ir a ver al cine, es lo que quieres encontrar en el cine. Y para los puristas, para los bohemios pseudo intelectuales que despotrican de este tipo de cine, les diría que se pusieran en la piel de los amantes de este género, por mucho que les cueste desprenderse de su brillante halo de intelectualidad, o mejor aún, que se pongan en la piel de aquél chaval de doce años que se enamoró de lo que vio en Iron Maiden hace once años y que la pasada semana fue a ver Endgame. Chapeau, MARVEL, sólo puedo aplaudirte. Muchas batallas, escenas y momentos para recordar gracias no sólo a los directores y realizadores, sino a un elenco de actores que se enamoraron de sus personajes y que se han dejado la piel en ellos durante tantos años y esto lo digo más concretamente por Downey Jr, Evans, Ruffalo y la diosa Scarlett Johansson, son ellos cuatro los que más han llevado el peso de toda esta saga. Si entro a mencionar algunas cuestiones de los personajes entraría en spoilers, pero sin entrar en ellos, diré que ha sido todo un acierto jugar con los roles, ahora serán otros personajes los que más protagonismo tengan, como también, aparecerán otros que sin nadie esperarlo, serán muy trascendentales en el desarrollo de la trama. Es una película que no puedes perderte si este género, aunque sólo sea un poquito, te hace vibrar. Pasarán años, quizá muchos, para volver a ver algo de este nivel. Avengers: Endgame es la obra cumbre del cine del superhérores.

 

 

 

**** ATENCIÓN EMPIEZA LA ZONA DE SPOILERS ****

Me desato y me voy a quedar a gusto con estos spoilers, voy a ser claro y conciso: ¡CINCO AÑOS! ¡Cinco putos años! Eso no hace más que dotar de más dramatismo la historia. Joder, es que es una película post-apocalíptica la que tenemos entre manos. Como ocurre con muchas escenas de la película, justo en el momento donde aparecen las letras donde se nos dicen que han pasado cinco años desde Infinity Wars, todos nos quedamos impactados. Cinco largos años padeciendo el sufrimiento y la angustia de haberlos perdido. Con razón esas caras. Aún tengo en la retina a la Viuda Negra sentada frente al despacho, desganada y desaliñada, con esas mechas ya lucen horrorosas que evidencian lo falta de ánimos que está, y con razón. Por otro lado, Thanos, el titán loco, es un digno villano, porque hasta llegas a compadecerte de él, o quizás no, quizás intentas comprenderle y lo haces un poco. Thanos plantea un dilema moral, y de los gordos. Lo que no me ha gustado nada es que hayan convertido a Thor y a Hulk en dos bufones. No se les ha hecho justicia. El rollito de Thor en plan gordo, despreocupao y alcohólico lo deberían de haber cortado antes, no que hasta en la mismísima batalla final vemos esa versión patética del dios del trueno. Hulk más de lo mismo, que se nos plantee con esos miedos, tan inseguro. Me decepcionó un poco. Esperaba una pelea a mamporros entre él y Thanos. Pero esto no es a la carta, así que…¡Y cómo pasar por alto Capitana Marvel! ¡Con todo lo que dio de hablar tras su estreno! Aparece como una suerte de divinidad y a mí personalmente me encantó. Aunque, junto a Spiderman, me hubiera gustado que hubieran salido unos minutos más, pero entre tantos personajes, lo entiendo. Pero sin lugar a dudas, la Viuda Negra y Iron Man son los que se llevan la palma. Son los que provocan nuestras lágrimas viendo Endgame. El sacrificio de Black Widow me dejó con el corazón en un puño. Ella esta sola, no tiene la familia feliz que tiene Ojo de Halcón, que quedó devastado cuando vio desaparecer a su familia (la escena del picnic es muy dramática). Estando los dos ahí, y teniendo que sacrificarse uno, entiendo que fuera nuestra amada Scarlett. Y hablando de Ojo de Halcón, me alegró mucho comprobar que en esta cinta tiene el peso que en las anteriores no tenía, ya que en las otras es una suerte de palmero de la Viuda Negra.

No me puedo olvidar de los coleguitas de Guardianes de la Galaxia (2014). Gamora y Nébula son las que más protagonismo tuvieron. Gamora sensacional y Nébula trascendental como nadie esperaba. Y cómo no, ahí estaba Rocket y Star-Lord para ofrecer gags cómicos. Me gustó muchísimo el papel del Capitán América y mucho más cuando empuña el martillo de Thor. Ya supimos, como bien dijo Odín, que quien sea digno de empuñar el martillo, también lo será de usar el poder de Thor. ¡Y vaya si usa bien el martillo el culo de américa! Ant-Man también me sorprendió. Pereza máxima me daba ver su película, es un personaje que no me atrae nada pero que en esta cinta, sin duda alguna, se las trae. Él es realmente el que da pie a que puedan traer de vuelta a la mitad que falta. Gracias a su alocada pero acertada idea, se puede deshacer ese caos provocado por Thanos. Pero a la batalla final y al momento Tony Stark. La batalla final es una verdadera maravilla. Cuando aparece medio Wakanda y empiezan todos a darse sopapos es toda una experiencia visual. Ver a tantos personajes de Marvel Comics ahí dándolo todo…Y ahora, si emotivo fue el  abrazo de Tony con Peter Parker en el reencuentro, aún lo fue más cuando ambos se despiden. Con Iron Man empezó todo y su muerte es lo más sentimental de toda esta cinta. Su fallecimiento tras la batalla y la despedida que le brindan los suyos son el climax de esta película. ¡¡Impresionante ese I’m Iron Man!!

Pero hay otros momentos muy pero que muy buenos. El momento en el que Tony Stark se encuentra con su padre en el pasado, los dos hablan. Él parece quedar hechizado con Tony, lo mira con muchísima curiosidad, incluso como si lo conociera de algo. No me puedo olvidar de la pela entre el Capitán América del presente y el Capitán América del pasado. Momento para que todos los frikis de los superhéores nos pusiéramos a babear. También quiero comentar, sobre todo tras los ríos de bilis que causó el asuntillo de Capitana Marvel, que me parece muy acertada la idea de no darle demasiado protagonismo. El personaje de Brie Larson es una suerte de Superwoman, el personaje más poderosos de todos. Pero la bilis de la fandome vino precisamente porque sin haber tenido protagonismo alguno en toda esta década ocupara relevancia en esta cinta, y claro, poco sentido hubiera tenido (y por supuesto causa de muchísima más crispación) que todo lo resolviera ella solita. Y para terminar, era muy predecible lo del viaje en el tiempo. Muy predecible. Pero claro, otra cosa no podría suceder para recuperarlos a todos y volver a la normalidad. Por otro lado, y para terminar ya de verdad, alguno de esos agujeros en el guión. Creo que algunos no lo son tanto y se explican en la película y en otras cintas de la saga. Pero no dejará de generar debate. De todas formas es lo que tiene jugar con el tiempo cuando tienes tantas historias y personajes entrelazados.

Desde luego en esta zona de spoilers me he desahogado a gusto ¿eh? ¿Se nota que la película me ha gustado mucho? No, ¿verdad? Já. Gracias por leer Anhelarium.com, un fuerte abrazo jóvenes. No os perdáis esta maravilla de película.

 


Netflixeando #1: PELÍCULAS: Hush, Creep, Aniquilación, Triple Frontera, La balada de Buster Scruggs, Cuando los ángeles duermen, Calibre. SERIES: THE OA, Mindhunter

Llevo como más de un año utilizando Netflix y desde hacía tiempo me apetecía hacer esto en el blog: reseñar y recomendar de vez en cuando en Anhelarium aquellas películas y series que conozco gracias a esta plataforma. Serán películas que tengan el sello Netflix, pues lo veo más que oportuno, pero también me gustaría dar cabida a esas películas que sin tener el sello de la compañía pueden verse a través de su portal. Porque gracias a Netflix he descubierto muy buenas películas, de esas que debido a la sobre información, los quehaceres y la falta de tiempo libre, no te enteras que existen hasta que un día de topas con ellas. Y claro, Netflix es uno de los mejores escaparates a la hora de querer echar un vistazo cuando tienes ganas de disfrutar del séptimo arte. Es muy obvio que si eres una persona cinéfila Netflix no pude ser la única ventana por la que te asomes, de ser así corres el riesgo de perderte una infinidad de películas excelentes. El amante del cine busca y busca sin parar, visitando webs, redes sociales, foros, suscribiéndose a otras plataformas como HBO, Amazon Premium.  Y aún así, como ya comentaba, siempre hay películas de las que no te enteras que se han estrenado hasta que un día, sea a través del medio que seas, las descubres. Los que amamos el cine siempre nos las apañamos para conocer más y más películas. El otro día dediqué media tarde a navegar por internet y descubrir nuevas joyas, escudriñé qué películas tenían mejor puntuación y elaboré una lista con las que más me interesaban. Esto, por fácil y tonto que parezca, es muy necesario hacerlo de vez en cuando, haciéndolo me he llevado muy gratas sorpresas. Pero para aquellas personas que no pueden darse el lujo de hacerlo por falta de tiempo, es más que comprensible que tire únicamente de Netflix y similares. En las entregas de Netflixeando reseñaré siempre siete u ocho películas y un par de series o tres. Voy pues a recomendaros cositas interesantes que ver allí. Al igual que suelo hacer con entregas como Heavy Metal is the Law o MINCRÍTICAS DE CINE, intentaré mantener una regularidad, aunque a veces no pueda. ¡Vamos a alla!

 

PELÍCULAS

Hush

Película de 2016 y que fue de las primeras que disfruté cuando aterricé en el planeta Netflix. El género de terror es mi favorito y dar con una película de este género que merezcla la pena es harto difícil. No me cansaré nunca de decir que el género de terror está más trillado que el porno. Así que toparte con una buena película de este tipo es para ponerse a celebrar. Aunque he de decir que quizás enmarcar únicamente esta película en el género de terror no es apropiado, porque si bien bebe del género slasher, Hush es un verdadero thriller que mantiene en vilo al espectador. No me enrollo mucho pues la intención es hacer aquí una serie de mini críticas así que, al lío: estamos ante una película que, si bien no ofrece nada nuevo en cuanto a su argumento, pues aquí vemos la historia de una chica acosada por un extraño que quiere matarla, sí es cierto que se sale de lo arquetípico, sobre todo por la protagonista. Kate Siegel interpreta a una escritora de éxito sordomuda que decide instalarse en una casa apartada del mundanal ruido en mitad del bosque. Allí encuentra la tranquilidad e inspiración para dar rienda suelta a su imaginación. Pero una noche un extraño, ataviado con una máscara, intentará entrar en la casa para matarla. La película usará todos los recursos que ofrece el hecho de que la protagonista sea sordomuda para incidir aún más en el miedo. Es una película donde la tensión, que es mucha, se mantiene y nos mostrará cómo la escritora se resiste a ser la pobre  víctima discapacitada. Su director es Mike Flanagan y habrá que estar muy pendientes de él pues ha exhibido que tiene mucho potencial. Y es que también está detrás de películas como El Juego de Gerald (2017) bajo el sello de Netflix, o la exitosa serie también de esta casa, La Maldición de Hill House (2018).

 

 

Creep

No nos vamos de la órbita del terror pero nos adentramos ahora en una película que juega al mismo tiempo con la comedia: Creep. Estrenada en 2014, esta película es el debut de Patrick Brice y nos cuenta la historia de Aaron, un camarógrafo que acepta la propuesta de Josef, un tipo extraño que ofrece mil dólares al día a quien filme su vida. Josef vive en una cabaña perdida y querrá que Aaron documente su día a día. Como cabía esperar, Josef es un tipo de lo más extraño y las cosas no tardarán en torcerse. Es una película de bajo presupuesto, bastante modesta, pero de lo más efectiva. No peca de original en cuanto a que estamos ante otra peli que simula un metraje encontrado. Pero esta Creep, cumple su función que es la de entretener y provocar tensión al espectador. Si una peli de terror ni tan siquiera provoca tensión, sino que resulta apática, entonces no vale para nada. En pantalla siempre aparecerán los dos actores que encarnan a Aaron y a Josef, y entre sus diálogos y las idas de olla de Josef, esta cinta da lugar a un ambiente malsano y enrarecido, en ocasiones brutal. Creep va en aumento como en aumento va la locura de Josef. Pobre Aaron…En 2017, y de la mano nuevamente de Patrick Brice, se estrenó su secuela. Mucho más retorcida y violenta. Me gustó, pero me sigo quedando con esta primera entrega, la considero de mejor calidad.

 

American Gods, de Neil Gaiman
Los Hambrientos [2017]
Neil Gaiman es uno de mis autores de cómics favoritos, pero también […]
Tenía ganas ya de volver a escribir sobre Cine Zombi en Anhelarium y no he […]

 

Aniquilación

Esta película británica dirigida por Alex Garland (Ex Machina) y protagonizada por la siempre hermosa Natalie Portman fue la puesta segura de Netflix el pasado año. Quizás la mejor película de la plataforma estrenada en 2018. Ciencia Ficción en estado puro. La película está basada en el best-seller de Jeff VanderMeer y nos presenta una historia que cabalga entre la ciencia ficción y el terror. Esta cinta nos cuenta la historia de Lena, una bióloga que se alista en un pelotón formado por mujeres para ir a investigar la Zona X, una zona de la que nadie sale y si lo hace, lo hace sufriendo graves consecuencias. Nada se sabe de esa zona, sólo que está hostigada por seres de otro planeta. Lo que más me gustó de la película es el aparato técnico, su fotografía, su música, es magistral. Pero por otro lado tenemos una película cargada de emociones que alteran al espectador, sobre todo si eres de esos espectadores que les gusta meterse en la piel de los protagonistas. Natalie Portman está soberbia, como cabía esperar, y siempre es un placer verla en películas de este tipo. No te vas a encontrar aquí una película tipo La Llegada (Denis Villeneuve) o Interstellar (Christopher Nolan), no ahonda tanto como éstas en cuestiones filosóficas, o al menos no resulta así a lo largo del metraje, pero sí es cierto y sería injusto no reconocérselo, que la cinta sí da lugar a debate de tipo científico o filosófico, sobre todo en su final. Considero que esta cinta bebe, y mucho, de Esfera, película dirigida por Barry Levinson (Acoso, Rain Man) estrena hace más de veinte años, en 1998 y protagonziada por Sharon Stone y Dustin Hoffman. Esta peli, Aniquilación resultan tan inquietante como angustiosa y no defrauda a los amantes de la ciencia ficción.

 

Lobezno: ¡Snikt! 
Deadpool 2
Un cómic muy interesante
Regresa el antihéroe

 

Triple Frontera

Otra peli marca de la casa. Triple Frontera es una de las películas más interesantes que Netflix ha estrenado en lo que llevamos de 2019. Dirigida por J.C. Chandor (Cuando todo está perdido, El año más violento) se nos presenta a un grupo de ex militares que deciden da un buen golpe a los narcotraficantes. Pretenden robar a un poderoso narco con mucho poder en Sudamérica para hacerse ricos. Esta película nos centra en ese debate incómodo que hay en la sociedad estadounidense, la de miles y miles de veteranos que después de jugarse el pellejo por su país no tienen luego ni para pagar las facturas. Malas pensiones, cero ayudas, daños físicos y psíquicos. Están solos y ahora ya no se conforman con vivir dignamente, ahora quieren hacer uso de su conocimiento militar y de sus contactos para hacerse ricos, pero una vez que llegan a Sudamérica, las cosas no son tan fáciles como creían. Buena película de acción que va cada vez más a un ritmo acelerado que además de ofrecernos escenas frenéticas de disparos y persecución, nos hará sentir el miedo de verse solos en un lugar tan inhóspito como hostil. Oscar Isaac, Ben Affleck, Charlie Hunnam, Pedro Pascal, Garrett Hedlund, Adria Arjona, son los actores que dan vida a estos ex soldados que se las verán y desearán para poder salir vivos de ese infierno tan hermoso. Esto de hermoso lo digo porque Triple Frontera posee una muy buena fotografía y puesta en escena, mostrándonos los bellos parajes colombianos. Esta película no es de esas que cuando la ves estás deseando decirles a todos que qué hacen que no la han visto ya, pero es una buena peli de acción donde no todo son tiros.

 

 

La balada de Buster Scruggs

Muy buena apuesta de Netflix esta cinta titulada La balada de Buster Scruggs. Se estrenó el pasado año y está dirigida por los hermanos Cohen (No es país para viejos, Fargo, Valor de Ley). Esta película está dividida en varios capítulos donde se nos narran diferentes historias con diferentes protagonistas cuya única relación es que sobreviven al Lejano Oeste de los Estados Unidos. Bueno sí, diría que todas esas historias tienen algo más en común, mostrarnos las bondades y maldades que conviven en la condición humana. Cada una de estas historias, algunas más que otras, resultan impactantes, la que más, la protagonizada por Liam Nesson. Pero todas resultan opresivas, duras, algunas dan cierot margen para sonreír, pero todas, absolutamente todas, impactan. Pero a cada espectador le gustará más un relato u otro, pero de lo que estoy seguro es que cualquier espectador gozará con la puesta en escena de esta película. El cuidado visual, los escenarios, el vestuario, son una maravilla. Aquellos que sienten debilidad por el género Western no pueden quejarse con La Balada de Buster Scruggs porque recoge toda su esencia y la potencia. Por supuesto, no puedo terminar este mini reseña sin hacer referencia a los diálogos de esta cinta. Qué deciros, los que conocéis bien las películas de los hermanos Cohen sabéis de lo que os hablo. No te dejará indiferente esta cinta y la disfrutarás.

 

 

Cuando los ángeles duermen

Gracias a Netflix he descubierto una joya del cine español. Qué coraje me da que en este país sean las españoladas a las que más bombo y platillo se les da sin embargo películas como esta lleguen a pasar desapercibidas. Sin duda una de las sorpresas del 2018. Dirigida por Gonzalo Bendala y protagonizada por Juan Villagrán, al que conocí hace muchos años por un grandísimo monólogo que hizo en la Paramount Comedy, se nos presenta una película muy angustiosa. El planteamiento es aparentemente sencillo, pues la película gira entorno a un atropello en mitad de la noche, pero no lo es tanto. Germán (Juan Villagrán) es un padre familia que intenta hacerlo lo mejor posible a pesar de estar absorbido por su trabajo. Una noche, de camino a casa, se cruza con una chica a la que atropellará. Ahí comienza su calvario. Sí, no el de la chica, el de él. Tendrá que hacer todo lo posible para salir de esa espiral cruel y angustiosa y en el espectador estará si Germán actúa de la mejor o peor forma posible. De verdad que pasé agobio al ver esta peli, imaginarme en esa situación me angustiaba. Es una película muy digna de nuestro cine, y el único pero es quizás el guión. Ciertos diálogos me parecían que podrían haber sigo mejor elaborados en determinadas escenas que desde mi punto de vista así lo requerían. A veces se me hacía desesperante ver cómo Germán no decía o hacía esto o aquello. Quizás sea así a propósito, para provocar de algún modo al espectador. Otro ejemplo más de que con no mucho presupuesto se pueden hacer cosas geniales como esta, una película que luce como un buen thriller.

ALIEN, el octavo pasajero [1979]
El arte de contemplar
Yo era un niño en 1994. Acababa de hacer la primera comunión […]
No sé que ha tenido siempre este bicho que es el que más miedo me ha dado de todos […]

Calibre

Volvamos a otra de esas películas donde Netflix marca a fuego su sello. Calibre es una cinta británica donde nuevamente nos envuelve un thriller opresivo. Es el debut del director Matt Palmer que nos cuenta la historia de dos amigos que deciden irse un fin de semana de caza por Escocia. Todo aparentaba ir bien, sólo dos amigos que después de tanto tiempo sin verse, deciden pasar juntos un fin de semana y compartir entre risas y charlas, la pasión por la caza. En una de esas expediciones al bosque, algo sucede allí dentro, algo con lo que no sabrán cómo lidiar. La historia es extrema y para ello era necesario unos personas que estuvieran a la altura. Ambos actores, ninguno de renombre, lo consiguen, como también los secundarios, teniendo estos últimos una gran importancia no sólo en los acontecimientos. Calibre tiene un desarrollo in crescendo que tiene su origen en las malas decisiones tomadas por sus personajes. Esta cinta presenta una atmósfera turbadora que impacta de lleno en el espectador, pues cada escena es un momento de tensión.

 

SERIES

Mindhunter

La primera serie de la que os voy hablar en esta primera entrega de Netflixeando es Mindhunter, una serie original de Netflix que además ya ha anunciado que tendrá una nueva temporada. Esta serie es una adapatación del libro Mind Hunter: Inside FBI’s Elite Serial Crime Unit de Mark Olshaker y John E. Douglas. Sin duda es una muy buena serie que recomendar donde nos topamos con dos agentes del FBI, interpretados por los actores Jonathan Groff y Holt McCallany. Ambos agentes se dedican a dar charlas a otros compañeros y a distintos cuerpos de policia sobre la mente de los asesinos en serie. Estudian la mente de los psicópatas para establecer patrones que los ayuden a capturar con más facilidad a los nuevos asesinos que están por llegar. Aunque el creador de la serie es Joe Penhall, la dirección de algunos episodios corre a cargo de David Fincher, Andrew Douglas, Asif Kapadia y Tobias Lindholm. Creedme que la mano de David Fincher (Perdida, Seven, El Club de la Lucha, Zodiac) se nota y bastante. Esta no es una serie al uso, carece de una trama central y como ocurre en muchísimas otras, en Mindhunter no encontrarás un final que hate todos los cabos y todos los malos acaben encerrados. Y no, no te he hecho ningún spoiler. Es una serie que, parece, va concinándose a fuego lento. Y entiendo que esto a muchos espectadores les pueda echar para atrás. Es una serie para degustar, no es de consumo rápido. Es la serie ideal para todos aquellos amantes de los thrillers policiacos y psicológicos. Es imposible no destacar los diálogos que ambos agentes, sobre todo el protagonista interpretado por Jonathan Groff, tienen con los serial killers. El nivel interpretativo de Groff es muy talentoso y ensancha aún más esta serie. 

THE OA

Es la serie que más estoy recomendando últimamente. Aunque comenzó en 2016, empecé a verla hará un mes y medio aproximadamente y puedo considerarme un afortunado. Porque justo cuando acabé la primera temporada de esta sensacional serie de ciencia ficción, comenzaba su segunda. Y es que la segunda se ha hecho esperar bastante, tres años ni más ni menos. La dirección corre por cuenta de tres personas: Zal Batmanglij, Anna Rose Holmer y Andrew Haigh y la protagoniza la bella Brit Marling que muchos conocemos de películas como Otra Tierra (2011) u Orígenes (2014), ambas dos joyas de la ciencia ficción que no puedes dejar escapar. The OA empieza con Prairie Johnson (Brit Marling), una chica ciega que desapareció sin dejar rastro y que como si nada, regresa a casa de sus padres seis años después y habiendo recuperado la visión. Pero Prairie es distinta, totalmente distinta, tanto que no se hace llamar así, dice llamarse OA y lo que ha vivido en todos esos años es difícil de creer, tanto que prefiere no contárselo ni a sus padres ni a los agentes de policía. OA seleccionará a cinco personas para contarles dónde ha estado, cómo ha regresado y qué necesita de ellos. OA les contará qué hay más allá y ellos la creerán, serán los únicos en hacerlo. Estamos ante una serie dramática (es un claro drama familiar) mezclada con una ciencia ficción para gourmets, nada de sci-fi arquetípico y desabrido. No, es una ciencia ficción reflexiva, que es lo que mola. ¿O no estáis conmigo? Podría decirse que es la serie que más se acerca al universo Interstellar (Christopher Nolan) y que eso sea así, se agradece una barbaridad. El resto de actores hacen un trabajo estupendo pero no están a la altura de Brit. Ya pudimos disfrutar de su rostro angelical y su excelente manera de actuar en Otra Tierra, una película que os recomiendo muy mucho. Brit, en su papel de OA, contará su historia a sus nuevos amigos, estas historias se nos aparecerán en forma de flashbacks. Pero con esta serie pasa algo curioso. Creemos conocer el final, sabemos que el final es que la joven Prairie vuelve a casa y todo lo que sabemos es parte del pasado. En absoluto, los flashbacks no sólo ayudan a entender el pasado sino que empujan los acontecimientos, esta historia aún no ha terminado y la trama avanza a medida que se ahonda en el pasado. Por otro lado la serie irradia una belleza descomunal. Nos recordará a películas como El Árbol de la Vida (2011), pero aquí nos deleitamos más pues apreciamos esa delicadeza en varios episodios. Por supuesto, la segunda temporada he podido verla y, aunque resulta un tanto confusa y enredante, luce espectacular. La ciencia ficción cobra aún más fuerza y tiene un mayor impacto visual si cabe, además posee escenas muy originales. Y hasta aquí, esta primera entrega de Netflixeando, jóvenes. A seguir, pues, disfrutando de Netflix por mucho tiempo más.

 


Les affamés. Los hambrientos [2017] – Cine Z de altos vuelos

Tenía ganas ya de volver a escribir sobre Cine Zombi en Anhelarium y no he visto mejor momento que este. Hace unas semanas pude disfrutar de Les affamés, una película canadiense dirigida por Robin Aubert que hace las delicias de todos los que amamos este género tan particular. Los hambrientos, como así se ha titulado en nuestro país, es un drama impactante que resulta un soplo de aire fresco a las películas de muertos vivientes. Y eso es algo que se agradece a raudales. Lo que más me atrapó de esta cinta es su escalada de tensión y lo mejor de todo: el miedo que transmite. No es habitual ver películas de zombis que den miedo al espectador. Para encontrar algo así tendría que remontarme a 28 días después (2002) del británico Danny Boyle (Trainspotting, Sunshine, La Playa, Slumdog Millionaire). Por si fuera poco, además esta película canadiense presenta una escasa pero buena dosis de humor negro en algunas de sus escenas que resultan efectivas y arrancan la carcajada al espectador. Es una peli implacable de este género que tienes que ver.

Los hambrientos no nos explica el por qué la sociedad de ha ido al carajo. No conocemos el motivo ni tampoco las consecuencias de semejante catástrofe. En esto no peca de originalidad pues son varias las obras donde se busca centrar la atención de los espectadores en el drama que sufren los protagonistas y en cómo manejan éstos la situación e intentan salir adelante. Prueba de ello lo vemos en la archiconocida serie The Walkind Dead o en su hermana pequeña, Fear The Walking Dead, de la que os hablé hace un tiempo en Anhelarium. ¿Qué nos presenta entonces Les affamés? Los hambrientos va un poco más allá, es una película de zombis muy intimista. Esta película nos sitúa en un apartado y pequeño pueblo de Quebec, donde los vecinos, algunos presa del pánico y otros con cierta sangre fría, comprueban sin dar crédito cómo los habitantes de la pequela localidad comienzan a transformarse en sedientos canívales. El director Robin Aubert aprovecha este escenario que ya de por sí resulta terrorífico para envolvernos en una atmósfera densa llena de sobresaltos.

La película presenta una peculiaridad más respecto al género, y es que en ella no vemos demasiados zombis  mordiendo y descuartizando. Salvo alguna que otra breve escena, no vemos visceralidad ni secuencias explícitas. Los hambrientos, a base de exhibir la tensión y el sufrimiento por el que atraviesan sus protagonistas, sumerge al espectador en el siguiente dilema: ¿qué nos empuja a seguir viviendo en una circunstancia tan extrema? Y aún así, este dilema no se nos presenta en forma de diálogos o una historia llena de triquiñuelas. De forma sugerente y sobre todo, utilizando mucho la ambientación, nos expone una adversa coyuntura humanista. Sí, Los hambrientos es una película muy ambiental, tanto en los momentos de aparente tranquilidad como en los momentos donde los muertos vivientes atacan, como las escenas nocturnas en el bosque. El paisaje, un paisaje gris y denso, pero enormemente bello, ayudan para tal encomienda.

Por otro lado, como se suele decir, en los detalles está la diferencia. No quiero entrar en spoilers pero, incluso los zombis, exteriorizan ciertos pormenores que hacen que esta película sea sorprendente y muy recomendable. El punto negativo es que los personajes, aunque interactúan entre sí de manera interesante, no tienen mucho desarrollo individualmente y resultan planos en algunos momentos. Recomendadísima, si te gusta el cine Z, no te defraudará.


Deadpool 2. Regresa el antihéroe con mucho más humor y verborrea. ¡La mejor versión de Masacre!

Lo que es el cine moderno y sus putos tráilers. O en ellos te cuentan todo el arco argumental de la película mostrándote además las mejores escenas de la peli o te venden la película de mala manera. En esta segunda opción pueden ocurrir otras dos cosas. Que te vendan una peli que luego no es, bien porque la peli es horrenda cuando el trailer te la pintaba como el peliculón del año o bien porque la misma no merece estar catalogada en el género en el que la presentaban, como ocurre con muchas películas de terror que luego no lo son. La segunda opción es la menos habitual: que el tráiler presente la película de turno de manera muy floja para que luego ésta te enamore de lo buena que es. Desde hace ya años le tengo tirria a ver los tráilers de las películas que me interesan (también de las que, por si acaso, no me interesan mucho). El tráiler de Deadpool 2 lo vi en el cine. Son los trailers que echan en el cine los únicos que me trago, salvo si la película me gusta mantiene en un hype bestial, como pasó con Man Of Steel (2013) y es ahí cuando cierro los ojos y me tapo los oídos. Parezco un subnormal y por eso los avances que echan en la pantalla grande los acabo viendo. Me estoy yendo un poco. El caso es que el tráiler de Masacre no me ilusionó nada, tan sólo la aparición de Cable y poco más. Ni tan si quiera me pareció divertido. No sé vosotros, pero a mí me dejó frío. Sabía que acabaría yendo al cine a verla. Masacre junto a Lobezno son los dos únicos protagonistas de Marvel que me encantan desde bien pequeño. Y así fue. La noche del pasado miércoles fui al cine a ver Deadpool 2 y con total seguridad y certeza os digo que es muchísimo mejor que su antecesora y que el tráiler que se liberó no le hace justicia. Paso a comentaros algunas cosas sin espoilear, lo prometo.

Pura comedia

Qué placer volver a escribir en Anhelarium sobre cine y más si es sobre una película tan jodidamente buena como Deadpool 2. Esta nueva entrega supera con creces la anterior. Encontramos a una película con escenas de acción más sorprendentes, algo que uno espera lógicamente en una peli de Marvel, pero con un guión que no se encuentra en las películas de la infinitamentemillonaria franquicia. El productor y guionista Rhett Reese (Crueles Intenciones, Zombieland 1 y 2, etc) se encarga de las líneas de esta película y ha hecho un trabajo inmejorable, difícil será superarlo respecto a próxima entregas. A la verborrea incorrecta, patán y ordinario que caracteriza al personaje y que quedó certificada en el debut de Masacre en la gran pantalla, hay que añadir que anda engarzada en una constantemente línea de chistes cuya capacidad de provocar risas en los espectadores aumenta de manera que hasta asombra. Hacía mucho tiempo que no me reía de esa manera en la butaca de un cine. Me refiero a esa manera de reír que contrae los abdominales y te salgan las lágrimas. Vamos, lo que viene siendo un descojone en toda regla. Jamás verás una película de superhéroes, hasta la fecha, tan graciosa como Deadpool 2. Si bien contiene una gran carga de chistes tontorrones, algo típico en las pelis de Marvel, se aleja y mucho más en esta secuela, de ese humor políticamente correcto. Pura comedia, amigos míos. Una comedia digna de La Vida de Brian  (1979).

Hiperviolenta que da gusto

Las escenas de acción de Deadpool tienen algo especial que no tienen las demás, están montadas de una manera poco común. Hasta en la manera de pegar tiros encontramos una coreografía que hace que esta película sea aún más  peculiar y valiosa. Pero la violencia. Ay la violencia…La violencia servida en Deadpool si que la hemos visto en una infinidad de películas, pero jamás la violencia se nos ha presentado en la gran pantalla tan estéticamente cuidada y mucho menos con tanta, tanta gracia. Recuerdo que al estreno de la primera película, en 2016, acudieron Sus Majestades don Felipe y doña Letizia. Leí que se partieron de la risa y la otra noche, en la sala, me acordé de ellos. Desconozco si han visto esta nueva entrega, pero sería una experiencia ver Deadpool 2 y tener al lado al Rey de España despollándose de lo lindo. Creo que la violencia que se muestra en Deadpool 2 la hace una película inclasificable. Razón de más para ir a verla. Originalidad, aire fresco, la peli rebosa de ambas cosas.

Personajes hilarantes

En esta nueva cinta, Masacre tiene que proteger a un adolescente algo complicado que lanza mucho fuego por sus manos. Su nombre es Russell (Julian Denninson). Cable, interpretado por Josh Brolin, es un soldado, mitad humano, mitad máquina, proveniente de un futuro lejano que quiere asesinar a Russell pues el adolescente imberbe será el responsable de la muerte de su familia. Ryan Reynolds se encariña de este chaval y hará lo posible para evitar que sea aniquilado. Para ello, no se le ocurre mejor manera que preparar un casting para hacer frente al cabreado Cable. El proceso de selección es de lo más chusco, los seleccionados son una majadería. Candidatos a ser superhéroes, la cuadrilla formada por Deadpool no son más que un puñado de desequilibrados con poderes casi indefinidos. Esta cuadrilla está bautizada con el nombre de X-Force, porque a Deadpool le parece machista el nombre de X-Men (guiño bestial al feminismo moderno). Y es que nuestro querido protagonista viajará hasta la Mansión X para buscar la ayuda de Coloso (Stefan Kapicic), Negasonic (Brianna Hildebrand), Domino (Zazie Beetz) y el pobre incomprendido de Dapinder (Karan Soni). Los momentos que nos dejan estos X-Force son de traca. Hubiera entrado de nuevo en la sala nada más por verlas. Aparecen, como cabe esperar en pelis de Marvel, más personajes que por razones obvias, no entraré a reseñar. En la recién estrenada Infinity Wars vemos un catalogo extengo de personajes, algo que no sucede en Deadpool 2, pero ni falta que hace. Los que salen son unos personajes que se comen la pantalla por su carisma y por estar interpretados por unos actores que parece que nacieron para estos papeles. Domino fue la que más me sorprendió. Una tipa cuyo super poder es la buena suerte. Y qué suerte haber disfrutado de ella en esta cinta.

Deadpool 2 está hecha por personas que quieren divertir y que se divierte en lo que hacen. Rodar muchas de las escenas que salen en la película, imagino, tuvo que dar para momentos gloriosos entre los actores, realizadores, y demás personal. Preparar el guión y rodar una película como Deadpool tiene que ser toda una experiencia. Ryan Reynolds está brillante. Nada que ver con aquél actor torpón que vimos en Linterna Verde. Tienes que ir a ver esta peli al cine. Recomendadísima. Por cierto, quedaos para las escenas post créditos. A veces son una caca, pero en Deadpool nunca defraudan, todo lo contrario.

 



ALIEN, el octavo pasajero [1979]

No sé que ha tenido siempre este bicho que es el que más miedo me ha dado de todos los monstruos del cine. Siento fascinación por Alien. Cada cierto tiempo me veo la saga completa. Cuando hablo de la saga me refiero a la saga original, no hablo ni de Prometheus (2012) ni de Alien: Covenant (2017). La primera, un despropósito; la segunda, aún sigo digiriéndola. Y ya ni hablemos de Alien vs. Predator (2004) y su secuela, un crossover para el entretenimiento barato, demasiado estúpido. Alien es la obra maestra de Ridley Scott, por lo que siempre será recordado. Ya sé que este director tiene en su haber grandes obras como Gladiator (2000) o Blade Runner (1982), pero su nombre siempre estará ligado a Alien, siempre se hablará de él como el director de Alien. En 1979 Alien marcó un antes y un después en el cine de ciencia ficción y de terror y por supuesto, una enrome franquicia que ha dado cómics, libros, videojuegos y todo tipo de merchandising. Alien es de las películas más reconocidas del género, una de las más transcendentales. Alien, el octavo pasajero, es de las películas que mejor envejece, han pasado más de treinta años de su estreno y no ha perdido ni una hebra de calidad. Sus secuelas, esas que componen la que todos conocemos como la saga original, son joyas del séptimo arte. Cada una de esas secuelas fue dirigida, además, por excelentes directores de cine. Alien, el regreso (1986) fue dirigida ni más ni menos que por James Cameron (Titanic, Avatar); Alien 3 (1992), por David Fincher (Seven, El club de la lucha). Ya en 1997, para Alien Resurección, sería Jean-Pierre Jeunet (La ciudad de los niños perdidos, Amelie) el encargado de dirigir la última de las clásicas. Pero yo me quiero centrar en la madre de todas ellas, en Alien, el octavo pasajero, porque muchas películas han seguido los pases de esta cinta, pero pocas han conseguido transmitir la angustia y la intensidad de ésta.

Oscuridad, terror y belleza

Esta película cuenta la historia de la nave Nostromo, una nave de carga que recorre un largo viaje y en el que sus tripulantes están sumidos en un sueño criogénico. MADRE, como así llaman al ordenador central de la nave, tras detectar una extraña transmisión procedente de un planeta cercano y aparentemente deshabitado,  procede ha despertar a los siete tripulantes de la nave. Así, los navegantes espaciales decidirán acercarse al planeta para comprobar e investigar la procedencia de dicha transmisión. Dallas, el capitán de la nave, comunica al resto de la tripulación que MADRE ha dirigido a Nostromo al desconocido planeta porque ha interpretado la señal interceptada como una alerta de socorro. Una vez que la película nos ha presentado los roles de todos y cada uno de los tripulantes, éstos de disponen a aterrizar en el extraño planeta para comprobar lo sucedido y desvelar el inquietante misterio. Cuando el capitán Dallas y su equipo aterrizan en el inhóspito planeta, accederán al lugar donde se originó la transmisión. Allí se encontrarán con una nave alienígena que parece haber sido abandonada mucho tiempo atrás.  Mientras tanto, la teniente Ripley ordena a MADRE que realice una descodificación de la extraña transmisión obtenida para su interpretación y es ahí donde descubrirá que el mensaje no era una alerta de socorro, sino de advertencia. Uno de los oficiales, Kane, descubre en la nave que han abordado una sala llena de lo que parecen ser huevos en incubación. Uno de ellos se abre y una extraña y viscosa criatura se adhiere a su casco de forma violenta, derritiendo su visor y aferrándose a su rostro. Kane es llevado de urgencias a Nostromo. Allí, uno de los tripulantes, un androide llamado Ash, intentará liberar a Kane de semejante engendro. Cuando parecía imposible desaferrar a ese extraño ser del rostro del oficial, éste cae aparentemente muerto. Kane despierta ileso, la nave Nostromo pone de nuevo rumbo a la Tierra. Pero Kane comienza a convulsionar y una extraña criatura sale de su interior reventándole la caja torácica. Y es aquí donde comienza una tragedia galáctica que no se olvidará jamás.

Los oscuros pasillos y rincones de Nostromo forman un escenario claustrofóbico y amenazador. La pequeña y violenta criatura tiene innumerables formas de esconderse a placer de los tripulantes que ahora se muestran inquietos y asustados. La teniente Ripley comienza a mostrar sus dotes de mando y determinación y es donde poco a comienza a obtener el protagonismo. Desde el inicio de esta cinta vemos como los planos y secuencias están medidos al detalle. La música, encargada a Jerry Goldsmith, pone sutil y paulatinamente énfasis a cada momento. La nave Nostromo presenta cierto aire disco (como no podría ser de otra manera en pleno años setenta) para dar paso a un ambiente gótico y tenebroso, convirtiendo la nave en el mayor de los pasajes del terror. Como bien rezaba el cartel con el que se promocionaba esta película: «En el espacio, nadie puede oír tus gritos». 

El octavo pasajero

El pequeño Alien, ese que anda correteando por la nave, es el octavo pasajero, al que nadie a invitado a bordo. El pequeño ser sufrirá ciertas transformaciones que ni el mismísimo Frank Kafka hubiera imaginado. La metamórfosis del bicho es espectacular y lo que lo hace más brillante es que no se usan efectos digitales en esta película. Hablamos de una cinta rodada en 1979 y de ahí el atractivo que jamás conseguirán las películas de hoy día. Los monstruos y estrafalarios personajes de las películas de aquellos días eran maquetas o disfraces que se conseguían a base de horas de concienzudo esfuerzo. De un sangriento cangrejo pasaba a una suerte de escarabajo repugnante para convertirse finalmente en un ser bípedo, imponentemente alto y fuerte, con una especie de armadura irrompible, tan oscuro como un agujero negro, de un aspecto que no podría ser más amenazador y espeluznante, y con unas mandíbulas que por si fuera poco, escupían ácido corrosivo. Un ser inmune, un ser invencible.

El bicho, por excelencia. Uno de los inconos del cine de terror más impactantes y reconocibles. El monstruo que más miedo me ha dado de todos. Llegué a tener pesadillas con él. Recuerdo cómo un primo mío me regaló de pequeño un póster enorme que regalaba Pepsi con motivo del estreno de la tercera película, Alien 3, en 1992. En él se veía a este monstruo a tamaño original, de esos pósters que se pegan detrás de la puerta de tu habitación o en una de los armarios. No recuerdo qué hice con él, si lo tiré o lo regalé, pero jamás lo coloqué en mi habitación. Este bicho tan letal no cesará en su empeño de matar a todo ser viviente que se cruce en su camino. De la forma más mortífera, irá acabando con toda la tripulación. Perseguirá de manera incansable a la teniente Ripley y no sólo en esta película. Ay! La teniente Ripley…

Sigourney Weaver


El bicho se pasa toda la película soltando babas, escupiendo ácido y persiguiendo a una Sigourney Weaver ensagrentada, sudorosa y en braguitas, que corretea por toda la Nostrodomo. Puede parecer soez o simplista esto que acabo de escribir, pero tan sólo es la imagen que tengo grabada a fuego en la cabeza cuando pienso en esta película. Las escenas de Weaver y el Alien son las que más me marcaron y las que primero se me vienen a la mente. Son las dos piezas inquebrantables, insustituibles y que más perdurarán en el universo Alien. Como si de una versión alternativa de La bella y la bestia se tratase, Ripley y Alien son en esta cinta la pareja de un baile violento y sangriento. Sólo ella es capaz de hacerle frente a un monstruo de tal calibre, Ripley nunca dejará de ser una de las más admiradas heroínas del celuloide. Su periplo con Alien será la columna vertebral de toda la saga. La actuación de Weaver en la película es una de las más logradas de su carrera cinematográfica. Si Ridley Scott será siempre el director de Alien, Sigourney es y será siempre la actriz de Alien. Cuántas veces habré oido decir eso de: Sí, esa que hizo la peli de Alien, cuando alguien se quiere referir a la actriz. Todos los actores que dan vida a los miembros de la tripulación dan la talla, transmiten intensidad y realismo en la pantalla. Todos, sin excepción, Dallas (Tom Skerritt), el oficial científico Ash (Ian Holm), Brett (Harry Dean Stanton) y Parker (Yaphet Kotto), Kane (John Hurt) y Lambert (Veronica Cartwright). Pero el coraje, la valentía, el papel femenino por excelencia, es el de Ripley, Sigourney Weaver. Sin alardes, tan sólo con el arrojo de una mujer cabreada, Ripley se enfrenta a Alien. Es tal la determinación y entereza de Ripley, que a su lado Alien no parece tan imbatible.

Alien, el octavo pasajero, es una película para disfrutar viéndola varias veces. Como esa botella del mejor vino que puede durar meses en tu pequeña bodega y que sólo sacas en ocasiones especiales. Esta película es para apreciar todos sus detalles. Su atmósfera opresiva, la interpretación de sus actores, la música, su fotografía, el ingenio de un director en estado de gracia, y la calidad de una actriz irrepetible como es la señorita Weaver, sin olvidarnos, ¡cómo podríamos!, del terror que infunda esta especie de quimera del espacio. Una obra maestra del séptimo arte. Yo, seguiré cada cierto tiempo disfrutando de esta saga como vengo haciendo desde hace años. Una noche que no tengas plan alguno, y no quieras salir de casa, ya sabes qué hacer.



MINICRÍTICAS de CINE #8 – Southbound – Suspiria – SPRING – Life Afther Beth – Cheap Thrills – Deathgasm

Hace unos días terminaba la esperadísima segunda edición de INSOMNIA, el Festival de Cine Fantástico  que se celebra cada verano en mi ciudad, El Puerto de Santa María. Para un servidor, que se celebre este festival hace que cada verano cobre mayor aliciente. La expectación que este festival levanta a todos los que por estas tierras amamos este tipo de cine es enorme. Desde el nacimiento de INSOMNIA, este festival se ha convertido en uno de los planes más esperado del verano. Al menos lo es para mí, que celebro con mucho entusiasmo la llegada de este festival palomitero.

Para este segunda edición se siguió con la emisión de cortometrajes como ya se hiciera el pasado verano. Se proyectaron más de 35 cortometrajes en un conocido pub de la localidad, hubo 3 exposiciones de género y una charla con Javier Coronilla, que ha trabajado en los efectos especiales para películas como Star Wars VII, Rogue One, Un monstruo viene a verme. Por si fuera poco, y para completar el programa del festival, el día 18 de julio pudimos vivir una bonita experiencia:  la proyección inédita gracias, al departamento de cultura, de Nosferatu (1922) y con banda sonora en directo gracias al trío Cinetones. Los tres músicos se encargaron durante toda la proyección de poner música y efectos sonoros a la película. Fue precioso, para mí, una experiencia antes no vivida.

Pero vamos con las películas elegidas para esta nueva edición e INSOMNIA. He de decir que el cartel del pasado año me pareció mejor, pero no por ello desmejoro las pelis elegidas para este ocasión. Pero tengo que decir que eché de menos la proyección de otra película de mayor calado (algo al estilo Coherence o We Are Still Here, proyectadas el año pasado) y no tanta de corte juvenil.

SOUTHBOUND

La película que abriría el cartel de INSOMNIA II fue todo un acierto. Para los que hemos disfrutado con las entregas de V/H/S y su secuela, esta peli no podía defraudarnos. Y es que los creadores de la antes citada dieron forma a una nueva antología del terror en forma de roadmovie. En esta ocasión son cinco relatos de terror conectados entre sí los que nos provocarán todo tipo de sensaciones. La película te hará sentir como si vivieras en primera persona estas cinco pesadillas que no te dejarán indiferente en ningún momento. Con Southbound vemos cómo sus creadores le han puesto mucho más mimo que en V/H/S. Con cierto regusto a aquellas historietas de Creepshow, estos relatos se nos presentan inquietantes, sobre todo el tercero, en el que empieza con un hombre conduciendo por una larga y oscura carretera.


SUSPIRIA

¡Nunca pueden faltar los clásicos! La película del italiano Dario Argento fue la elegida para esta nueva edición. Suspiria (1977) es una película demasiado densa y difícil de ver, no todo el mundo la aguanta. Jessica Harper da vida a una joven que ingresa en una exclusiva academia de baile la misma noche en que asesinan a una de las alumnas.  La protagonista de esta cinta se verá sucesivamente envuelta en una pesadilla de la que no sabrá despertar. Suspiria es una película estéticamente perfecta, quizás la película de terror más hermosa y elegante que jamás he visto. Cuidada al más mínimo detalle, con una música tremendamente hipnótica. Digo que es una película difícil de ver porque no se centra en un argumento remarcado y en los efectos típicos de las pelis de terror. No, Argento se centra en cada metraje en el arte oscuro, tétrico y a veces incomprensible, que encierra esta película.


SPRING

Para mí, y seguro que para muchos de los asistentes al festival, fue la gran sorpresa de esta nueva edición de INSOMNIA. En Spring, el terror y el amor van de la mano en una película muy intimista. Evan, un joven norteamericano, viaja a Italia donde conocerá a una chica atractiva a la par que enigmática. Los dos viven un romance pero él descubrirá el oscuro secreto que aguarda en ella. En esta película no vemos grandes sustos, no es ese estilo de película. De hecho, me atrevería a decir que a partir del segundo o tercer acto de la película, ésta deja de ser una de terror para convertirse en toda una historia de amor, aunque una historia muy especial. Si bien la primera parte de la película te engancha por el misterio que encierra la joven Louise, lo restante te encandilará por la química que surge entre los dos actores y final de su historia.


LIFE AFTER BEATH

Titulada en español como Amor Zombie, esta cinta nos sitúa en la vida de Zach tras la repentina muerte de su novia. Ésta, como si nada, regresa a la vida, pero ella ya no es la de antes, ni ella ni muchos más. ¿Por qué? Porque esta es otra historia de zombis, de muertos vivientes. Esta película no es nada original, y tampoco aporta nada del otro mundo al género zombi, pero es una muy buena película si este es tu género. Los que me conocen saben que me desvivo por estas películas, que el cine zombie, aun el más cutre, es música celestial para mis oídos. Tanto que, como podéis comprobar, tengo hasta una sección dedicada a los zombies en Anhelarium. A principios de verano fallecía George A. Romero, creador de esta temática, y durante la proyección de esta película me acordé de él, pensando en todo lo que nos ha dado el cine y la literatura gracias a lo que este director comenzó a hacer en 1968 con aquella noche, la Noche de los muertos vivientes. Esta es una comedia zombi que sin llegar a ser como Zombies Party (2004), sigue su estela y nos deja pasar un buen rato.


CHEAP THRILLS

Segundo plato fuerte del festival. Junto con SPRING, las dos mejores de esta reciente edición. En un principio, esta película iba a estar dirigida por Tarantino, pero acabó abandonado el proyecto y fue E.L. Katz quien le dio vida. Juegos sucios, como se llamó en España, nos cuenta la historia de Craig, un padre de familia en serios apuros económicos que conoce de casualidad a una pareja algo excéntrica. Él le propondrá una serie de pruebas a cambio de dinero, de mucho dinero. Todo comienza siendo un juego absurdo para terminar siendo la peor noche de Craig. ¿Qué estamos dispuestos a hacer por dinero? Esa es la idea en la que gira esta película, una película repleta de escenas violentas, hilarantes y eróticas. Pero hay algo más, no todo gira en torno al dinero. La película deja como último mensaje si todo aquello que hacemos, por muy extremo que sea, puede o no estar justificado. Juega, digamos, con esa ambigüedad. Cheap Thrills es gamberra como ella sola, con escenas que rayan lo gore y con otras que es para partirse de la risa. Es una película perfecta para festivales, para que todos los presentes griten, rían y aplaudan, en definitiva, hagan ruido con esta película porque bien lo merece.


DEATHGASM

Película con la que cerraría esta segunda edición del festival portuense. Esta película si que fue gore. Desde Nueva Zelanda nos muestran una cinta cargada de violencia y vísceras a ritmo de Heavy Metal. Otra película festivalera con la que disfrutar en compañía, sobre todo si tus amigos y tú sois jevis que una lluvia de hachas. Deathgasm es la historia de Brodie un joven metalero que acaba de trasladarse a un pequeño pueblo donde hará amistad con Zakk, el típico rebelde sin causa. Los dos son fanáticos del Metal extremo y hacen muy buenas migas, tanto que deciden montar una garage band con otro par de perdedores que conocen del instituto. Todo bien hasta que sin querer, tocan una partitura que le roban a una estrella del Rock y que resulta estar endemoniada. Han abierto las puertas del infierno y ahora todo está perdido. Delirante comedia y poco más que decir de ella, la verdad sea dicha.

Es un inmenso placer poder disfrutar durante unos días de este tipo de películas en un patio hermoso, bajo un manto de estrellas y rodeado de gente enamorada de este género.

Esperando con ansias INSOMIA III…


La llegada (The Arrival) [2016] Ciencia ficción en su más bella expresión

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Ciencia ficción y realismo son términos antagónicos, incompatibles, o al menos es lo que puede uno llegar a pensar. Pero estamos ante una portentosa película de ciencia ficción muy realista, tanto que, si llegaran los extraterrestres algún día, estoy plenamente convencido de que la situación pintaría muy parecida a la que se ve en este inquietante film. Me apetece muchísimo dedicarle a esta cinta una entrada de blog y centrarme en sus encantos, porque es de esas películas que calan por todo lo que trasmiten y que merecen ser vistas más de una ocasión por todo lo que de ella uno puede llegar a desgajar. Desde Anhelarium recomiendo con afán el visionado de esta película, porque siguiendo el rastro de Interstellar, Denis Villeneuve, nos invita a una profunda reflexión como ya lo hiciera Christopher Nolan, obsequiándonos con otra conmovedora historia que deja con ella grabada a fuego la mejor ciencia ficción en su más bella expresión.

A Villeneuve, que logró meternos a todos en el bolsillo con su impecable película Prisioneros (2013), le acompaña el guionista Eric Heisserer donde juntos tejen un film hipnótico, muy alejado de esas arquetípicas películas de invasiones extraterrestres que llevan a una posterior y apocalíptica guerra contra los humanos, para adentrarnos en un relato dramático, innovador, profundo, y sin parecer pedante, no apto para todas las mentes. The Arrival es de esas películas que te hacen usar el cerebro cuando entras a la sala de cine. Así que, si lo tienes, no te olvides de llevarlo.

Doce imponentes naves han llegado a nuestro planeta. Inmóviles, parecen desmesurados monumentos que se sostienen en el aire, casi impasibles. Su sola presencia altera a toda la humanidad e inquieta al mayor de los optimistas. ¿Quiénes son? ¿Qué quieren? ¿Vienen en son de paz? Nada se sabe de ellos ni de sus intenciones. Cada nave ha descendido en un país distinto, y de la manera más imprevisible, todas las naciones tendrán que trabajar juntas para intentar averiguar qué es lo que intentan decir estos inesperados invitados. Para ello, cada país pone a disposición sus fuerzas armadas, sus mejores científicos e ingenieros y también, expertos en lenguaje. Y ahí entra en escena la bellísima Amy Adams, presentándonos un papel digno de Oscar. Pero en ella me detendré más adelante, porque su trabajo, creedme, bien lo merece.

Técnicamente admirable

La manera en la que está hecha esta película es todo un prodigio. Empezaré diciendo que The Arrival contiene escenas que son pura poesía, cada metraje está cuidado al detalle. La película plasma con elegancia todo aquello que intenta transmitir. A un cuidado guion que acontece sin dilemas, hay que destacar la meticulosidad de su banda sonora, llevada a cabo por el islandés Johan Jóhannsson, que riega cada escena dotándola de una gran carga sensorial. Visualmente, la fotografía de Bradford Young es impactante, captando y, al mismo tiempo, transmitiendo al espectador, cada una de las emociones por las que pasan sus protagonistas, que no son pocas. Incredulidad, asombro, desconcierto, angustia. La música, la fotografía, el conmovedor guion y el radiante papel de su protagonista, ocasionan que la cinta se vea envuelta en una atmósfera de misterio, tensión y conmoción.

Esta historia está basada en el relato titulado Story of Your Life de Ted Chiang. De él se sirve el director canadiense para mostrarnos algo nunca visto en las películas de extraterrestres, el lado más humano. Desde el primer minuto, la película nos refleja un drama familiar para adentrarnos, sin alterar el ritmo y con precisión de cirujano, en un clima de opresión y miedo por la llegada de unos alienígenas que ni tan si quiera se han dejado ver. La cadencia de las imágenes en cada plano es cada vez más y más sugerente. Los planos que muestran a los humanos acercándose a la nave, mostrando el pavor y el desconcierto de sus protagonistas. En esos momentos el espectador no cabe en su asiento, porque a un ritmo pausado, que no lento, la curiosidad por saber quiénes son esos visitantes va in crescendo. Ni qué decir cuando se adentran en el interior de la nave. La construcción de esos planos junto a lo mucho que transmiten los rostros y expresiones de los protagonistas, es magistral.

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Filantropía en la tercera fase

Es la película más interesante de estos últimos años. The Arrival es un clásico instantáneo de la Ciencia ficción que bebe de otras obras maestras como Encuentros en la tercera fase, de Steven Spielberg, Contact, o la ya mencionada, Interstellar. Pero esta da un paso más, convirtiéndola ya en otra obra maestra. Y no sólo por haberle dado más importancia a la ciencia que a la violencia y por encumbrar la sencillez de sus escenas a la grandilocuencia que nos tiene acostumbrado el cine de este género. La película rebosa ciencia por sus cuatro costados, como las antes citadas, pero esta película muestra mucho más arte. Si bien es cierto que la película de Spielberg ya jugaba con esa peculiar manera de comunicarse con los amigos del espacio, esta película habla del arte del lenguaje. Y es gracias al lenguaje donde vemos el factor más humano en esta obra. De una forma muy elaborada, nos enseña cómo utilizar el lenguaje por muy desconocido que éste sea. El lenguaje y la manera de interpretarlo, es la clave. Y aquí es donde el lenguaje tira de la manta del tiempo, concepto harto complicado para los estudiosos de la ciencia y la filosofía. El tratamiento que se le da al lenguaje resulta sublime, de lo más inteligente y sensato a la hora de querer interconectar dos especies radicalmente distintas. El lenguaje nos hará llegar entender el tiempo como dimensión física, pero esto lo dejo para más abajo, cuando llegue a los spoilers.

Así, La llegada es una película totalmente filantrópica. Es fiel reflejo y estudio al mismo tiempo del dolor por la pérdida de un ser querido, por todas esas emociones tan humanas que nos corren por las venas y por la manera en la que alcanzamos el conocimiento. La razón es nuestra mayor arma. Esta cinta teoriza sobre todo lo que somos y podemos llegar a ser.

Amy Adams, brillante

Es imposible hablar de La llegada y no destacar el papel de esta hermosa actriz. Su papel es extraordinario, y para los que ya conocemos bien su filmografía, no es que nos sorprenda que haga una buena interpretación, para nada, pues el hecho de que ella aparezca en una película ya es motivo suficiente para prestarle la debida atención. Pero es la manera en la que ha llevado su interpretación, la sutileza y delicadeza que ha mostrado a lo largo de toda la cinta, la que me lleva a hablar detenidamente de ella. Bajo la piel de la Dra. Louise Banks, experta en lingüística, nos descubre a una mujer rota de dolor por la pérdida de su hija, volcada en un trabajo que le apasiona, que es traducir textos y estudiar cada idioma y las diferentes formas de comunicación, a la que se la encargado una insólita misión, tendrá que establecer contacto con los visitantes que están en el interior de una de las doce naves y comprobar qué quieren. A medida que avanza en esa misión que se le ha encomendado, la doctora Banks experimentará ciertas fases con las que acabará descubriendo el verdadero propósito de los extraterrestres, haciéndola pasar por un profundo proceso de transformación.

Cada una de las escenas de Amy Adams con su hija es una oda al amor de una madre. Cada mirada, cada gesto, dicen más que mil palabras. Pero las escenas en las que se vuelca en su labor de escudriñar la manera de comunicarse con los allegados es increíble. No sólo tiene que lograr contactar con los extraterrestres, sino que, por si esto fuera poco, también mediar entre éstos y los tercos militares que parecen más preocupados por saber de qué manera podrían resultar vencedores en una posible contienda. Ver a Louise volcada en su trabajo, dotándolo de una gran carga filosófica más que técnica y viendo en su labor la esencia que desborda esta historia, me hacen sentir total devoción por su personaje. Extraordinaria Amy Adams. Me asombraba, mientras veía la película, la capacidad de la actriz a la hora de expresar sin articular palabra. Desde la humildad y la sencillez, Amy Adams borda de forma insuperable el papel que se le encomendaba para esta cinta. Celebro mucho su actuación porque lo merece, me dejó fascinado. Desde el comienzo de la película, la actriz pasa por una paleta enorme de emociones en situaciones diversas y radicalmente distintas la una de la otra. Y en cada una, una interpretación impecable.

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ALERTA SPOILERS

En el curso del tiempo

La doctora explicaba a su hija por qué su nombre, Hannah, es un palíndromo. He aquí la salsa especial de esta película. Un palíndromo es una palabra que puede leerse de igual manera ya sea empezando por la izquierda que por la derecha. Empezando por el inicio o por el final. Nuevamente se nos plantea el eterno dilema del tiempo. En La llegada, el nombre de la hija de nuestra protagonista nos sirve para entender que el tiempo podemos conocerlo desde su inicio o su final. Los flashbacks que se nos presentan en la película a modo de escenas pasadas son el presente, al igual que los flash forwards.

Para nosotros, los humanos, llega a ser hasta inimaginable entender el tiempo como algo físico que puede entenderse o recorrerse como si de un camino se tratara. Y es lo que vienen a enseñarnos los alienígenas de esta película. Que, por cierto, me parece sensacional que a los extraterrestres se les haya dado esa forma de heptápodos en esta película, porque así refleja la inmensa diversidad o heterogeneidad en la vida que aguarda las galaxias. Estos heptápodos pueden percibir el tiempo de una manera totalmente distinta y avanzada que nosotros. Nosotros sólo percibimos el presente, nunca el pasado ni el futuro. Algo parecido a lo que ocurre con las dimensiones. Para nosotros solamente existen tres dimensiones (ancho, profundidad y altura), y hasta el mismo CERN ha confirmado la existencia de hasta diez dimensiones. ¿Acaso, en un universo que se nos presenta infinito, no puede haber más dimensiones? Debe de haber decenas de dimensiones, quizás hasta cientos o miles. Pero, como pasa con la percepción del tiempo, se nos escapa de nuestro entendimiento. Los alienígenas de siete patas pueden leer el tiempo como tú estás leyendo estas frases. Pueden saber perfectamente lo que pasó hace miles de años en el pasado o lo que pasará dentro de miles de años en el futuro. Y es ese el motivo de su llegada. Dentro de tres mil años, estos alienígenas necesitarán la ayuda de los humanos y el planeta Tierra.

Y es a través de un lenguaje extremadamente complejo donde, en un primer mensaje, los humanos erran en la traducción entendiendo la palabra «arma», y esa es la razón por la que las naciones movilizan todo su arsenal bélico y se ponen en pie de guerra. Pero es fruto de la mala traducción, pues en realidad el mensaje descifrado no quiere decirnos eso, lo que realmente quieren decirnos es que tienen un obsequio para darnos, la palabra correctamente traducida es «regalo» un regalo, y es regalo es poder conocer el tiempo. La doctora Louise Banks será la primera en entender el lenguaje de estos allegados y por lo tanto, adquiere la capacidad de percibir el tiempo como ellos y así es como ve pasar toda su vida, de principio a fin, como una película. Todas esas imágenes que nos muestra la cinta como si fuera el pasado de la doctora, son su futuro. Ella, una vez que los alienígenas abandonan la Tierra, ve su futuro, ve como su hija fallecerá siendo aún una niña, ve quién será su marido y por qué la abandonará, y se ve a sí misma explicando a la humanidad la manera de entender el lenguaje de los visitantes, quienes, dentro de tres mil años, vendrán a pedirnos ayuda. La película nos muestra a Louise viviendo con intensidad cada instante de los que pasa al lado de su hija y su marido, sabiendo que los perderá. Nos da una lección, una más, de cómo vivimos nuestras vidas, de lo importante que es sacar el jugo a cada momento vivido, a saber vivir la magia del momento presente.

La película es una verdadera maravilla. No te la puedes perder. ¡FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO AÑO NUEVO!

 


MINICRÍTICAS de CINE #7 – COHERENCE – La Cosa – The Final Girls – We Are Still Here – Cuentos de Halloween – Blue Ruin

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Con motivo del reciente Festival de cine Fantástico y de Terror que se ha celebrado en El Puerto de Santa María y que concluyó hace pocos días, y las ganas que tenía que regresara a Anhelarium otra entrega de las famosas “minicríticas”, os presento a continuación todas y cada una de las películas que se proyectaron en el Festival Insomnia y que tan buen rato nos hicieron pasar. Se nota que cada película fue escogida a conciencia, pues todas, las seis, dejaron allí presentes con muy buenas sensaciones. Esperemos que la iniciativa crezca y el verano que viene, en vez de ser seis películas, que sean ocho, o nueve, y por qué no, diez. Insomnia ha tenido muy buena acogida y deseamos que nos sorprendan con más ediciones en un futuro.

Y yendo al grano, deciros que por muy cinéfilo que sea uno, siempre hay joyas que se nos escapan. Pasa como con la música. Es casi imposible conocerse todos los discos de todos los grupos de todos tus estilos musicales preferidos. Y mira que yo lo intento. Pero los discos se van acumulando, aunque nunca me llego a saturar, como buen melómano, sino todo lo contrario, quiero más y más. Pues con el cine pasa exactamente lo mismo. El séptimo arte es una de mis pasiones, soy un indoncicional del buen cine, y siempre me siento con ganas de disfrutar de una buena peli. Como cinéfilo implacable, busco y rebusco cuál será la nueva remesa de pelis a ver. Pero como es comprensible, siempre se me escapan algunas joyas que acabo viendo con el paso del tiempo gracias a la recomendación de algún amigo o porque de casualidad leo algo sobre la misma por alguna web o redes sociales. En este caso, gracias a Insomnia, salvo La Cosa de John Carpenter que ya conocía desde hace muchos años, las cinco películas restantes fueron todas manjares a degustar por vez primera. Esto, sumado a que todas me sorprendieron y que ya de por sí el Festival me entusiasmó desde el primer día que supe que se celebraría en mi ciudad en estos días de verano, he disfrutado cada noche de proyecciones como un niño el día de Reyes Magos.

COHERENCE 

coherence-164378169-largeDirigida por James Ward Byrkit y estrenada en 2013, ganó el premio al mejor guión del Festival de Sitges de ese mismo año. En la que sería la primera noche de Insomnia, ya nos avisó el presentador del festival que la película se hacía cada vez más complicada y que es de esas pelis que te dejan pensativo un rato despues de verlas. Razón no le faltaba, como tampoco es de extrañar que ganara el premio a mejor guión en el prestigioso Festival de Sitges. Lo merece desde luego. El guión ni para de dar vueltas como una lavadora y los personajes se enredan cada vez más en una trama que termina por explotar como una traca de petardos. Pero ese guión resulta brillante, poderoso, y muy efectivo. Coherence es la Ópera Prima del director escritor y director norteamericano y de seguro que nos sorprenderá en un futuro con más películas del mismo calibre. Pues quien logra dar forma a algo así, tiene capacidad de sobra para hacerlo cien veces más. Coherence es de esos films que uno celebra haber visto, por lo original y el suspense angustiante que logra transmitir. La película nos centra en lo que pinta ser una noche entre amigos. Todos juntos, charlando y riendo, compartiendo anécdotas. Pero esa misma noche un cometa pasaría, uno que tenía a la población bastante alarmada por sus posibles efectos. Y es que en 1923, ya pasó un cometa similar por Finlandia, provocando el pánico y la confusión entre sus habitantes. Es difícil hablar de una película sin centrarse en su núcleo central y no destriparla, pero la película no está hecha como mero entretenimiento, está hecha a consciencia para desquiciar el espectador. Es un claro ejemplo de cómo llevar a cabo una muy buena película de Ciencia Ficción con cuatro duros como ya pasó con El Hombre de la Tierra (2007). Un cometa anda en el cielo mientras unos amigos andan celebrando. Pero pronto verán que el paso del cometa acarreará desastrosas consecuencias. El desenlace de la Coherence es simple y al mismo tiempo, deslumbrante.

La Cosa

the_thing-142296417-largeMítiquísima película de terror de los gloriosos años ochenta. Dirigida por el siempre querido e idolatrado John Carpenter (La Noche de Halloween, Starman, Están vivos, El pueblo de los malditos, etc), dirigió una de las películas más recordables y  clásicas del cine de terror, The Thing. En 1982 fue el año en que se estrenó La Cosa y desde entonces ha sido una película recurrible por y para todos los amantes del cine de terror. Es de esas que nunca envejecen, y que siguen siendo igual de efectivas con el paso de los años como el primer día. Protagonizada por un guaperas Kurt Russell, La Cosa, nos emplaza en mitad de la Antártida, con un equipo de investigadores que descubren lo que parece ser un ente extraño, que aparenta haber estado congelado y enterrado durante cientos de años y que al descongelarse, parece mutar en algo diabólico. Un clásico del cine de terror que anhelaba seguir la senda de Alien, el octavo pasajero, estrenada años antes en el 79 y que cumple con las expectativas. La Cosa es una película que mezcla de forma magistral el terror y el suspense, todo un clásico del género que no puede faltar en tu filmoteca. Esta cinta crea una atmósfera de abandono espeluznante, dando pie a una cobrecogedora lucha entre los hombres de la estación y…la cosa.

The Final Girls

the_final_girls-637994518-largeSegunda noche de Insomnia. Las películas elegidas, The Final Girls y We Are Still Here. Las Últimas Supervivientes, película dirigida por Todd Strauss-Schulson y protagonizada por Taissa Farmiga (American Horror Story: Coven), narra la delirante historia de unos chicos que van al cine, y cuando todo parecía ir como debiera, la sala de cine sale ardiendo. El caos de apodera de la sala y de toda la chavalería allí presente. Todos estaban viendo un slasher ochentero protagonizado por la madre de nuestra protagonista, la scream girl más cotizada del cine ochentero a la que esa noche homenajeaban en el aniversario de su muerte. La sala está en llamas, la gente histérica, y a nuestra siempre preciosa Taissa Farmiga se le ocurre la genial idea de intentar encontrar una salida rompiendo la pantalla y traspasándola. Y para sorpresa de ella y sus amigos, no sólo traspasan la pantalla para escapar del fuego sino que acaban dentro de la película. Ahora, no sólo nuestra protagonista se reencontrará con su fallecida madre dentro de la película sino que tendrá además que sobrevivir al psycho-killer de la misma. La cinta es muy graciosa, las actuaciones están más que correctas y algún que otro susto te llevas. Esta disparatada comedia, con sus alocados personajes, intenta realzar de nuevo el género slasher que tanto éxito tuvo durante toda la década de los ochenta y noventa. De hecho, cada metraje de esta The Final Girls es una continuo veneración al cine de terror de esos años. Para mí fue una película que disfruté desde el primer minuto hasta el último. Soy un apasionado de los años ochenta y todo lo que envuelve a aquellos maravillosos años. Y si además, en mitad de la película suena “Cherry Pie” de Warrant, más aún. Aunque como curiosidad, esta canción es de los noventa, y la película se recrea en el año 1986. Un pequeño gazapo sin importancia. Recomendadísima.

We Are Still Here

we_are_still_here-570761581-largeCada película siempre tenía su horario. La primera a las 22:30 y la segunda, a las 00:00. Y qué mejor manera que empezar la media noche con We Are Still Here, la cinta más aterradora de las proyectadas en Insomnia. Dirigida por Ted Geoghegan y protagonizada por actores bastante desconocidos, Todavía estamos aquí es una película que el verdadero amante del cine de terror sabrá apreciar. Pasará siempre desapercibida entre tantas del género, pero es de esas pequeñas joyas que los fieles del terror saben saborear. De esas que gusta desempolvar de tu filmoteca y proyectarla en esas sesiones de cine en casa con tus amigos. Esta cinta cumple y bastante bien, generando tensión y propiciando al espectador algunos sustos muy buenos. La película nos cuenta sobre una maldición que insaciable, cada treinta años, el mal que habita en ella ansíe devorar a aquellos moradores que la habiten. Porque si cada treinta años la casa no se alimenta, la desgracia caerá sobre todas las personas del pueblo. Una pequeña familia acaba de mudarse a la mansión, y cuando todo parecía ir bien, lo demoníaco hará acto de presencia. Estamos pasando por unos de muy buen cine de terror y esta es una más para la colección. Las actuaciones son en ocasiones algo tercas, pero el terror que presenta es directo, efectivo, y diría que hasta elegante. La película, ambientada en la década de los 70, nos hace recordar clásicos de la época como Al final de la escalera, creando esa atmósfera en ocasiones sórdida y tenebrosa. No defrauda al espectador, os lo aseguro.

Cuentos de Halloween

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Última noche del Festival. De las dos comedias de terror que presentaron en Insomnia, me quedo sin dudarlo con Halloween Tales. ¡Qué barbaridad! ¡Un no parar de reír! Terror retorcido y de lo más friki. La película es una compilación de diez historias, diez relatos de terror que se surgen durante una noche de Halloween en un mismo barrio americano. Cada relato me gustaba más, todos delirantes, surrealistas, absurdos, tronchantes. Que el espectador no espere encontrarse algo con lo que pasar miedo, que no espere ver algo como Expediente Warren o It Follows. Es una película desenfadad, una película friki para frikis. Una simpática antología de terror llena de clichés y sustos baratos que te mantienen totalmente entretenido. Es la película ideal para abrir esa sesión de cine que a todos nos gusta montarnos en casa, ya sea Halloween o no, sólo o con amigos. La película hizo las risas de todos los allí presentes y fue de las más aplaudidas. Recomendada sobre todo para verla con gente, se disfruta mucho más, pues en mi opinión, está hecha para eso.

ue_ruin-158938233-largeBlue Ruin

Último film de Insomnia. Con la proyección de esta película los organizadores del evento se garantizaron ponerle a Insomnia su broche de oro. No estamos ante una película de ni terror, ni de ficción. ¿Por qué se eligió Blue Ruin entonces? Precisamente por la atmósfera tan cargada de suspense, uno digno de la mejor película de terror. Película independiente, financiada a través del crowfunding (aportaciones solidarias de internautas). Toda ella  genera desde el principio hasta el final un ambiente denso y opresivo. Blue Ruin nos presenta la historia de Dwight (Macon Blair), un hombre de mediana edad que malvive en su destartalado Pontiac azul. Un día recibe una amarga noticia que reabrirá una vieja herida del pasado que jamás llegó a cicatrizar. Entonces, Dwight decide urdir un plan que espera, le de esa paz que anhela.   Este film nos cuenta la historia de un hombre que ya no tiene nada que perder, que ha tocado fondo en su vida,  ya no queda nada del hombre que un día fue. Eso le da esa extraña libertad de poder hacer lo que desea. Estamos ante un thriller vengativo, que no aporta nada original, pero la calidad visual y sobre todo es microcosmos denso, depresivo, y de auténtica  tensión,  que junto a la espléndida actuación de Macon Blair, es lo que hace que Blue Ruin sea una película diferente, sólida, violenta e incómoda por momentos. Tan real como la vida misma.


Insomnia, Festival de Cine Fantástico en El Puerto de Santa María

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Justo acabo de llegar de pasar un rato muy agradable en el que ha sido el primer día de INSOMNIA, un festival organizado recientemente dedicado al cine fantástico y de terror y que se celebrará en los días del 20 al 24 de julio en mi querida ciudad de El Puerto de Santa María. Cuando me enteré de la existencia de este festival hace unos meses y de que se celebraría en esta ciudad, no sólo me sentí entusiasmado, también orgulloso e ilusionado de que en El Puerto, se organicen eventos de este tipo. Hoy miércoles día 20 ha sido el primer día y la actividad programada ha sido la proyección de los cortometrajes ganadores del festival La Vieja Encina, en la conocida cafetería Blanco y Negro. Una vez que el local estaba repleto de gente, el propio director del festival nos dio una charla y conocimos a los encargados de tan maravillosa iniciativa. Cuando todos estábamos ya acomodados, comenzaron a proyectarse los cortos que amenizarían la noche. Por orden, en el estreno de INSOMNIA se emitieron Sequence, Flash, Zero y They will all die in space. Todos estos cortometrajes han sido cuidadosamente seleccionados. El primero, fue el ganador del primer premio del festival sevillano La Vieja Encina en 2014, y el segundo, lo fue el pasado año. Para el arranque de este festival que desde aquí deseo que tenga numerosas ediciones, también se ha contado con una exposición realizada por Manuel Espinosa donde podremos encontrar muchos de los icónicos personajes de la literatura y cine de terror y fantasía.

Sequence

Con tal seguridad, puedo decir que ha sido el cortometraje favorito de todos. Y lo digo por las reacciones de la gente. No sólo nos ha tenido atentos con los ojos como platos sino que además de llevarnos un buen susto nos hemos reído con él. Protagonizado por Joe Hursley (Resident Evil: Extinción , 2007), y dirigido por Carles Torrens, nos cuenta la historia de un hombre con el que todos han soñado la noche anterior. Cuando este comienza su día, podrá comprobar la hostilidad que todos tienen hacia él, pues el sueño era la peor de las pesadillas. El cortometraje, de unos veinte minutos de duración, ha sido toda una excelencia y visualmente un prodigio. Muy recomendado.

Flash

El segundo cortometraje era producto nacional. Dirigido por Alberto Ruíz Rojo y protagonizado por Roberto Álamo (Águila Roja) y Guadalupe Lancho, este cortometraje rodado en las calles de Madrid nos narra la historia de un hombre y un extraño fotomatón. Cuando nuestro protagonista mira las fotos que salen de la máquina, se encontrará con lo absurdo, y con lo más insólito. Daban ganas de saber más sobre la historia, pero es lo que tienen los cortometrajes, amigos míos, que siempre te dejan con ganas de más. Flash llega a conmover más que a sorprender.

ZERO

¿Qué ocurriría si la fuerza de la gravedad dejara de mantenernos con los pies en la Tierra? Dirigida por el director español David Victori y producida por el archiconocido Ridley Scott y Michael Fassbender. Dividido el cortometraje en tres episodios, el primero, de poco más de nueve minutos,  nos muestra la historia de los dos personajes principales, un padre y un hijo que sufren la dolorosa pérdida de la que fue esposa y madre en un accidente de tráfico. En mitad del dolor, algo sucede en el mundo. La gravedad comienza a desaparecer, haciendo que el caos se libre por todo el planeta. Este cortometraje ha sido además orquestado por la plataforma de vídeos YouTube y realmente nos ha emocionado a todos. La idea es muy interesante a la par que sorprendente. Por poco se me cae una lágrima al terminar de verlo. Muy bueno.

They will all die in space

Este último cortometraje escogido es nuevamente producto nacional. Dirigido por Javier Chillon, nos sumerge en la que podría ser toda una epopeya espacial a bordo del transbordador Tantalus que viaja a la deriva con varios de sus tripulantes. Me gustó mucho sus encuadres, su fotografía, y por su puesto su argumento, uno que hace desenvolver al espectador en una autentica tensión. Gran cortometraje. No he podido encontrarlo al completo como los anteriores, por lo que aquí os dejo con el tráiler. Espero que lo podáis disfrutar en otra ocasión.

Como sorpresa (y vaya sorpresa), al terminar el último corto, se nos mostró un vídeo casero del grandísimo Christopher Lee (Star Wars, El Señor de los Anillos) a muy pocos meses de su fallecimiento.  Como bien nos explicaron, es un vídeo casero que tienen prohibido publicar por petición de la familia del actor pero que sí pudieron mostrarnos. Es probablemente el último documento en video del afamado y prestigioso actor. En él aparece el metalero señor Lee, sentado en el sillón de su casa, y que ha encarnado a personajes tan valiosos del cine como Saruman, el Conde Dooku, Doctor Catheter, o el mítico Drácula de Terence Fisher, mandándole un saludo a los organizadores de La Vieja Encina con motivo del reciente estreno de dicho festival sevillano. Todo fue posible, nos cuentan, porque el hermano de Christopher Lee reside en la capital hispalense. Ver ese vídeo, que a penas dura unos diez segundos, me resultó muy emocionante.

Mañana el INSOMNIA seguirá con el resto de actividades programadas. Mañana día 21 de julio se proyectarán las películas Coherence, de James Ward Byrkit (premio al mejor guión en el festival de SITGES 2013) y la clásica, La Cosa de John Carpenter, nominada a mejor película de terror y efectos especiales en 1982. Todo un placer para los que amamos el cine fantástico poder divertirse en pleno verano con iniciativas como esta. Y más aún si es en tu propia ciudad. Larga vida a INSOMNIA. 


Le llaman Bodhi [1991]. No es trágico morir haciendo lo que te gusta

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La primera vez que vi esta película era muy pequeño, recuerdo cómo la alquilábamos mi hermana y yo en el videoclub. En mi adolescencia la disfruté un par de veces y durante años sólo ha quedado en mi recuerdo. Pero hace unos días volví a disfrutar de esta gran película. Su título original fue Point Break y el pasado año se estrenó un remake tan malo como innecesario que no tendrá más mención por mi parte. En España se la tituló como Le llaman Bodhi, y excepcionalmente (pues ocurre siempre todo lo contrario), su traducción a al castellano conforma un título mucho más atractivo que su original. Es una película de culto y un significativo film de aquella década de los 90. En mi opinión, sirve igualmente de homenaje a todos aquellos adictos a la adrenalina y cómo no, a la cultura Surf. Precisamente en esto, la película cumple uno de sus objetivos: el de transmitir la mística y valores que rodea a este deporte. Las ganas de volver a ver una película añeja, sumadas a mi anhelo por esa vida californiana que dejé atrás y que tantas ganas tengo de recuperar y mis ansias de volver a surfear, hizo que ver de nuevo esta película fuera una opción más que apetecible. Protagonizada por Keanu Reeves y el grandísimo Patrick Swayze, se nos presenta una historia de acción sencilla pero tremendamente efectiva. Los cinéfilos no me negarán que muchas de las películas de acción de los últimos años intentan cargar el argumento de historias que ni llegan a calar y giros que no llevan a ninguna parte. Quizás lo hagan por eso de que la película no sea sólo “una película de tiros”. Pero el buen cine de acción, considero, no necesita de extraños argumentos para dotar a la película de mayor calado, a veces querer abarcar tanto es un error que sale caro. Es posible hacer una película de acción trepidante, de esas que enganchan desde el minuto uno y de la manera más sencilla. Le llaman Bodhi es probablemente uno de los mayores ejemplos.

Kathryn Bigelow es la directora de esta cinta y en estos últimos años nos ha dejado grandes películas como La noche más oscura (Zero Dark Thirty) (2012) o En tierra hostil (2008), ganadora de seis Óscar. Ex mujer del archiconocido James Cameron (Titanic, Avatar), que a su vez está detrás de las escenas de acción de esta cinta, esta directora, guionista y productora estadounidense ha demostrado en estos años que su cine es imprescindible y que aún tiene mucho que aportar al séptimo arte. Pero muchos siempre la recordaremos como la directora de Point Break, la asociaremos a una película de esas que dejan una huella imborrable por ser un una suerte de batidora que aguarda en su interior una considerable cantidad de ingredientes que te dejan un inolvidable sabor de boca.  Y es que para los que nos hemos criado escuchando las olas romper en la orilla y nos sentimos completamente embelesados al ver y disfrutar del estilo de vida que rodea al Surf, esta película nos hechiza como pocas. Keanu Reeves, quien tuvo un romance con la directora de esta película durante su rodaje, interpreta a Johnny Utah, un precoz agente del FBI al que le asignan como compañero al agente Angelo Pappas (el entrañable Gary Busey), al que casi nadie toma en serio y que tiene cierta idea de quiénes están detrás de los numerosos atracos perpetrados por enmascarados que ocultan su identidad con caretas de ex presidentes de los Estados Unidos. Utah certificará que su compañero, el agente Pappas, no anda equivocado y que efectivamente, los atracadores son en realidad una pandilla de surferos que viven la vida al límite, una banda liderada por Bodhi Sattva, el motor de esta película e interpretado por el desaparecido Patrick Swayze, un actor que ha protagonizado algunas de las mejores películas del cine como es Dirty Dancing (1987) o Ghost: más allá del amor (1990). El joven agente del FBI se infiltrará en ese ambiente de sol y playa, y gracias a la preciosa Tyler (Lori Petty), ex del jefe de la banda, se enamorará no sólo de ella, sino del surfing y todo lo que le rodea.

No es trágico morir haciendo lo que te gusta. Para vivir lo más fuerte, quizá tengamos que pagar el precio más alto. Bodhi Sattva

La historia queda vertebrada en estos tres personajes. Johnny Utah se verá entre dos aguas, nunca mejor dicho. Nunca olvida su misión como agente que es, pero no puede evitar sentir admiración por Bodhi, un apuesto surfista de melena rubia oxigenada y su filosofía de vida. Johnny quedará totalmente influenciado por él. Y es precisamente la relación entre ambos lo que termina de detonar esta película. A sus conseguidas escenas de acción y a esa seducción de ver a tanto chico y chica guapa en la playa haciendo Surf, algo que puede llegar a ser todo un cliché barato, le sigue un guión original y la figura del que es, uno de los personajes más inolvidables del cine, Bodhi Sattva. Si como espectador siempre quedo prendado de este personaje, comprendo que en la historia, Utah se sintiera como un miembro más de la pandilla de atracadores, que por cierto, son nada más y nada menos que interpretados por los miembros del grupo de Rock, Red Hot Chili Peppers. Sí, son unos locos, unos delincuentes que deberían estar entre rejas, pero su líder, al que llaman Bodhi, no te deja indiferente. Siempre he admirado a gente que hace lo que yo nunca me atrevería a hacer, y no lo digo por atracar bancos precisamente, sino por vivir la vida de la manera en la que lo viven ellos. Vivir a todo riesgo, no como si no hubiera mañana, sino como si no existiera el tiempo directamente. Vivir la vida como si no fueras a disfrutar de la hora siguiente. Atracar bancos es el pretexto de Bodhi y los suyos para luchar contra los usureros y nocivos capitalistas. Con sus atracos dejan su sello anárquico y con el dinero que obtienen de sus golpes no viven una vida de lujos y ostentosidades, lo justo para permitirse disfrutar de deportes de alto riesgo como el salto base o surfear olas gigantes. Ellos sólo quieren vivir en la playa y reunirse cada noche en torno a una hoguera. Vivir asalvajados y sintiendo la sensación de libertad a cada instante que sólo la compañía de los suyos en la cálida arena y la adrenalina de los deportes extremos consigue darles. ¿Aceptamos atracar banco como deporte extremo en esta película? Para ellos seguro que sí.

Esa inyección de adrenalina las trasmiten al espectador no sólo por sus efectivas escenas de persecución, Surf, salto en paracaídas, o esa Gran Ola, sino por una gran banda sonora, una que corre a cargo de Sheryl Crow y los mismísimos RATT. Hard Rock para amenizar un día de olas. ¿Entendéis ahora eso de la batidora y los ingredientes? Esta película lo tiene todo. Si me tengo que quedar con algo de esta película, es con la interpretación de Patrick Swayze, él es el que realmente le da calidad a esta cinta. Junto a un Keanu algo descafeinado en la primera mitad de la película (todo lo contrario de cómo interpreta al agente Utah al final), Patrick, que incluso llegó a tirarse en paracaídas él mismo para rodar una de las escenas más inolvidables de la película, realiza un trabajo sobresaliente. Encarna excelentemente el papel de Bodhi tal y como soñaba su directora. Un espíritu salvaje, que realmente no hay maldad en su interior, pues recordemos que Bodhi en un principio rechaza la violencia e incluso admira a Utah cuando descubre su verdadera identidad. Pero la situación torna y ambos personajes, que en un principio parecían encajar como piezas de un puzzle, cambian radicalmente, convirtiéndose en algo que no fueron ni quisieron, en algo inesperado. Como dije anteriormente, Bodhi es el motor de esta película. Con su papel, dota a esta cinta de gran simbolismo y deja uno de los finales más grandes de la historia del cine.



Así lucen los nuevos Power Rangers

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Hace unos días veíamos a Elizabeth Banks, la preciosa actriz estadounidense que ya enamoraba con esa mirada en el Spiderman de Sam Raimi y más recientemente en Los Juegos del Hambre (Francis Lawrence), caracterizada como la pervera Rita Repulsa, la mala de la mítica serie de los 90, Power Rangers. Hacía tiempo que no plasmaba mi vena más friki en Anhelarium y decido utilizar esta entrada como un nuevo homenaje a los Power Rangers pero esta vez en forma de friki protesta. Soy un nostálgico y fiel seguidor de los Power Rangers, aunque sólo me tragara la serie original y al resto de rangers los olvidara (obvio, uno se va haciendo mayor) y en este blog les he otorgado su hueco en un par de ocasiones. Porque no sólo me lo hicieron pasar de lo lindo cuando era niño, sino que gracias a ellos soy un incondicional del Rock más melódico. Y en esta entrada lo cuento para quien le interese.

Pero el venazo de crear este nuevo post es porque ayer se publicaba la primera imagen oficial de los que son los nuevos Power Rangers en este nuevo remake y me ha dado chico bajón. ¿De verdad? ¿Esos son los nuevos Power Rangers? ¡Pero si los de la película del 95 les dan mil vueltas! ¿Qué trajes son esos? Desde luego Hollywood en su línea: si algo va bien, no se cambia. Los nuevos trajes que lucirán a partir de ahora los nuevos Power Rangers son un calco barato de los trajes de Tony Stark en la saga Iron Man. Es más, parecen los diseños desechados del mismísimo Stark. Lo dicho, un bajón. Recientemente en una entrevista, el diseñador de estos nuevos trajes comentó que querían darle un toque más alienígena y que éstos “crecen” en ellos cuando van a metamorfosearse. Hasta ahí genial, el problema es que los trajes lucen horrendos. Menos mal que al menos a modo de guiño a los Power Rangers originales, han conservado en gran medida el diseño de los cascos clásicos y esos labios marcados. Algo es algo. Lo que está claro es que han querido dotar de mucha tecnología a los nuevos trajes para darles, imagino, más presencia y poderío. Pero es que esas luces en el pecho a lo Iron Man ya me dañan la vista. Pero bueno, habrá que esperar a que los chicos de Angel Grove entren en acción y veamos qué tal. Los jóvenes elegidos para esta nueva versión son Becky G., RJ Cyler, Naomi Scott, Ludi Lin y Dacre Montgomery, que interpretarán a aquellos chicos que tanto nos hicieron soñar despiertos, Trini, Billy, Kimberly, Zack y Jason. Ah, qué tiempos…Por cierto, ¿meterán a Bulk y Skull por trigésima vez? Lo digo porque, como poco, Bulk, el gordo malote de la serie original (Paul Schrier) no ha parado de hacer cameos y a mí no me extrañaría nada que apareciera en la peli. Pero el que no me extrañaría nada que apareciera es David Frank. El famoso ranger verde y blanco ha sido el único que se ha mantenido en activo, no sólo participando en las consecutivas temporadas  teniendo un papel importante sino que con el paso de los años participa en eventos y enseñando artes marciales a los más peques. Además, es un tipo muy activo en las redes sociales. Desde hace tiempo le sigo en su página de Facebook, donde entre otras cosas personales comparte ilusionado con los demás, y con la misma energía que antaño, su Morphin Life.

También es cierto que sólo ha salido una sola imagen de la nueva película, no hay más fotos para contrastar y también es cierto que me puedo arrepentir bastante de escribir esta chorrada de entrada. Pero estoy aburrido y no se me ha ocurrido cosa mejor que hacer. He sufrido un friki enfado al ver la foto y necesitaba desahogarme, y eso que estoy a punto de cumplir treinta años, ¿eh? Necesito una novia…


Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia. La mejor película de superhéroes hasta la fecha

Este articulo no va a comenzar como en un principio, no va a ser la reseña que debió ser. No, porque me veo obligado a hacer una defensa además de una reseña de esta película. Y como futuro jurista, estoy encantado de llevar a cabo dicha defensa, porque considero que bien la merece, porque no es justo la cantidad de criticas negativas que está recibiendo. Detallo que, la película, en menos de una semana consiguió recaudar 424 millones de dólares en todo el mundo, de los cuales más de 170 millones vendrían de la taquilla en USA. Desde luego, el acoso y derribo por parte de la critica “especializada” hacia esta película nada concuerda con lo que reflejan las taquillas de medio mundo, unas criticas a mi modo de ver muy desproporcionadas y sobre todo sospechosas. Bien es cierto que a lo largo de los años, los cinéfilos, hemos visto cómo películas bastante mediocres, o malas directamente, han sido todo un éxito en taquilla. La taquilla jamás debe ser usada como barémo para saber si una película es buena o no, pero visto lo visto, la crítica profesional, o la que proviene de aquellos que se las dan de profesionales, desde luego que tampoco. Y es que, curiosamente, son los seguidores de este tipo de género cinematográfico, y sobre todo, los más acérrimos al mundo de los cómics, los que se muestran complacientes tras haber visto Batman v. Superman: Dawn of Justice. Fui el día de su estreno a verla con mis amigos de Madrid, pasé un día estupendo con todos ellos pero no quise escribir nada sobre ella hasta no haberla visto mínimo una vez más. Pues bien, ya he visto la película tres veces y me veo en condiciones para poder escribir sobre la película. Además de haberla visto varias veces, he querido dejarla reposar, dejar pasar unos días para poder ser lo más objetivo posible.

(más…)


La anti película, el anti héroe, el anti todo…DEADPOOL!!

MARVEL, a sus pies. La compañía se está poniendo las botas con esta nueva franquicia que acaba de arrancar. DC en estos últimos años ha venido pisando fuerte y a los de MARVEL no les venía suficiente con Los Vengadores y las películas de sus héroes más significativos como Iron Man, Spiderman o Capitán América. El tibio recibimiento de Ant-Man y ante los inminentes taquillazos que desde hace tiempo tiene programada la competencia (Batman v. Superman, Wonder Woman, Aquaman, La Liga de la Justicia, El Hombre Acero 2, etc,) los marvelianos se han puesto las pilas y han querido dar un golpe bien fuerte en la mesa. Y primero lo han hecho con Deadpool, porque no nos podemos olvidar de la que nos espera con Civil War. Pero de eso ya hablaremos más adelante. Porque con Deadpool, MARVEL ha roto con todos sus esquemas. Esta, no es la típica película de superhéroes. Los superhéroes en Deadpool quedan en un segundo plano. Deadpool es un anti héroe, macarra, ordinario, violento, a él la estética se la suda, y mucha más eso de los modales. Ni qué decir tiene eso de la moralidad. Exacto. Creo que al señor Wade Wilson mucho se la suda la moralidad.

Esta película es un lavadero de cara para las películas de superhéroes pero también para MARVEL. ¡No me pongan un traje verde! Los que ya la hayan visto entenderán esta frase, y los más avispados, también. Anoche salimos del cine de lo más satisfechos. Ibamos en el coche, camino a casa, y todavía nos reíamos de lo que habíamos visto en la gran pantalla. Mi amigo Alberto y yo fuimos a ver Deadpool con las expectativas muy altas, porque ayer noche la vimos a una semana de su estreno y como era de esperar, los dos, durante toda una semana, hemos oído sin parar lo bien que todos hablan de la película. Aunque las expectativas comenzaron a estar bien altas algo antes, pues la campaña de marketing que ha tenido esta primera película de Deadpool ha sido muy exitosa y divertida, creando un hype descomunal, que se suma al que ya venimos sufriendo desde hace bastante tiempo, porque recordemos que estamos a poco más dos semanas del gran estreno de Batman v. Superman. Madre mía…

MARVEL ha conseguido posicionar a uno de sus personajes más olvidados y poco conocidos (salvo para los que amamos fielmente el mundillo de los cómics) en una película que ya catalogan de Obra Maestra. Y yo, lo secundo. Jamás he visto una película de superhéroes así. Creo que hasta el mismísimo Tarantino la hubiera firmando encantado. Pero no, semejante película la firma Tim Miller, un novel director que viene de hacer cosas bastantes curiosas en el cine de animación. Y no, como digo, el personaje de Deadpool tiene poco de superhéroe pero a la película indiscutiblemente hay que meterla en esta basta antología de películas de superhéroes que cada vez cobra mayor calidad y relevancia.

Ryan Reynolds se mete en la piel de  Wade Wilson, un tipo que al verlo parece recién salido del programa Mujeres, Hombres, y viceversa, pero que con más lucidez mental que todos los que salen en esa mierda, se gana la vida como un mercenario de poca monta y que además tiene la afición de frecuentar un mal antro donde abundad tipos de su misma calaña. Es ahí donde nuestro anti héroe conocerá a su querida Vanessa (Morena Baccarin, que en esta peli no ha podido salir más guapa). Vanessa es una prostituta muy simpática con la que inicia una particular relación en la que losad os acaban perdidamente enamorados el uno del otro. Parece la vida perfecta, al menos a ojos de Wilson, hasta que al joven  Wade le diagnostican un cáncer terminal. Angustiado por ello, Wade se pone en manos de Ajaxs (Ed Skrein), que a cambio de quitarle el maldito cáncer y hacerle casi inmortal, le propone dejar de ser un mercenario de poca monta para seguir haciendo lo mismo para para gente muy importante. La cosa se tuerce un poco y el tal Ajaxs le deja tremendamente desfigurado, haciendo que su piel luzca como la de un cacahuete revenido. Así, surge nuestro querido personaje, Deadpool. Sin olvidar que por ahí pululan un par de miembros de los X-Men intentando reconducirle. Ardua tarea, sí señor.

Daredevil (2015) La justicia es ciega
Star Wars – Episodio VII
De lo mejor que ha hecho MARVEL en la actualidad
La saga más importante del cine

La sátira, la bufonería, se dan cita en esta película. Y Ryan Reynolds, un actor mediocre que ya hizo de Deadpool en X-Men orígenes: Lobezno allá por 2009 (recordemos que Deadpol es un spin-off de ésta) y que intentó dar lo mejor de sí en el fallido intento de arrancar una franquicia que fracasó casi ipso facto como fue con Linterna Verde (2011), ahora encarna a la perfección el papel de Deadpool, siendo todo lo fiel que se puede al cómic. Eso, para los que nos apasionan las grapas, lo agradecemos una barbaridad. La película ha hecho que quiera desempolvar todo lo poquito que tengo de este personaje en viñetas y por supuesto, incluir varios números de Deadpool en mi próximo y anhelado pedido de cómics. Que por cierto, tengo que añadir que quien vaya a ver esta película sin tener idea alguna sobre el personaje, que no se preocupe lo más mínimo, la película hace una introducción a su origen de manera impecable. La estructura narrativa  y los continuos flashbacks no hacen perder ritmo a la película, todo lo contrario, la carga de mayor vertiginosidad.

Lo que ha hecho Tim Miller en esta película sienta cátedra para las próximas películas de este insaciable género. Sus desternillares e hilarantes diálogos, su tremenda poca vergüenza, la ordinaria que es, lo mal hablado que es el personaje, y al mismo tiempo lo jodidamente divertida que resulta esta peli, hacen que este Deadpool merezca mucho la pena verla en el cine. Se disfruta como muy pocas. Porque la cara que se te queda al terminar esta cinta pocas películas lo consiguen.

¡Tremenda!



STAR WARS. Disfrutando como nunca de la mayor saga cinematográfica. Volviendo a ser el niño que nunca dejamos de ser

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Para los que somos unos friki-fans de Star Wars estas Navidades han sido mucho más especiales si cabe. Pues el 18 de diciembre se estrenaba en España la séptima entrega de la saga, El Despertar de la Fuerza. Ni hace falta deciros que el estreno de la nueva película ha sido lo más sonado en estas fiestas navideñas. Hemos tenido Star Wars hasta en la sopa. Creo que la campaña de promoción de esta séptima cinta no ha tenido precedentes en el cine. Desde luego yo no recuerdo ninguna película que se haya anunciado tanto de cara a su estreno. Y es que Star Wars lleva casi tres semanas en cartelera y aún seguimos viendo que está a la orden del día en cualquier medio de comunicación. Y eso sin contar con los anuncios comerciales. No hay marca renombrada que no se haya aprovechado del filón que acarrea el estreno de la película. Desde luego, un estreno de La Guerra de las Galaxias mueve lo inimaginable. No tiene comparación alguna ni con otras grandes sagas como la de El Señor de los Anillos, que ya es decir.

La fiebre de Star Wars nos ha pillado a todos, tanto a los que adoramos esta saga como a los que no saben ni lo que es un Sith. A mí me han inoculado pero bien esta fiebre navideña de Star Wars y como felizmente puedo disfrutar por fin de unas buenas y merecidas vacaciones de Navidad, no he dudado en ir a ver la nueva película. ¡Cómo la disfruté! Pero no sólo eso, sino que además, me he revisionado toda la saga desde el principio. Es por eso que esta entrada se la dedico a toda ella, la saga más famosa del cine y que tanto nos ha encandilado a los que ya tenemos unos añitos. Y es que esta saga ha llegado a muchas generaciones y lo que queda. Mi infancia la pasé rebobinando los VHS con la trilogía clásica, sobre todo la del El Retorno del Jedi. Y mi adolescencia, en aquellos primeros años de la década del 2000, acudía al cine con muchísima ilusión y expectación para ver esa trilogía de precuelas. Ahora, con casi treinta años que tengo ya, volví a sentarme en esa butaca como si los años no hubieran pasado por mí. Con mis palomitas y mi súper refresco, disfruté de lo lindo viendo de nuevo a Han Solo, a la Princesa Leia, a Chewaka. Volver a verlos viviendo juntos una nueva aventura disparó mi nostalgia a límites insospechados. Me brillaban los ojos de la emoción. Empecé las navidades viendo esta última entrega en el cine y ahora que acabo de ver las seis películas que la preceden, tengo claro que terminaré regresando al cine para rematar la faena disfrutando una vez más de este Despertar de la Fuerza. No es raro en mí ir al cine a ver de nuevo una película. ¡Al estreno de la Comunidad del Anillo fui tres veces seguidas!

Por eso, de la manera más humilde y con todo el cariño del mundo, comentaré brevemente cada una de estas películas. Y como no podía ser de otra manera, comienzo con la trilogía de precuelas. George Lucas comenzó esta apasionante historia contándola desde la mitad y situándose bastante alejado en el futuro. O sea, que todo apunta a que mis nietos irán al cine a ver películas de Star Wars. Y es que, recordad: Hace mucho tiempo, en una galaxia muy muy lejana…Pero veo más apropiado empezar por La Amenaza Fantasma, cuando Obi-Wan Kenobi no era más que un aprendiz.

-Trilogía de precuelas-

Episodio I: La amenaza fantasma

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Esta es la primera película de la trilogía de precuelas y nos sitúa treinta años antes de los hechos acontecidos en La Guerra de las Galaxias, la primera de toda la saga. La Amenaza Fantasma fue acogida entre una gran expectación, como era de esperar. Pero lo que no era de esperar, al menos para mí, es el aluvión de críticas que cosechó. Muchos esperaban una película de un tono más serio, más tétrico. Y se encontraron con una película bastante alegre y colorida. De ahí que la tacharan de ser demasiado comercial y orientada al merchandising. ¿Pero qué esperaban? Era el principio de la saga por el amor de Dios. Corría el año 1999, yo tenía doce años y estaba de lo más expectante. ¿Por qué? Sencillo. Era la primera vez que vería Star Wars en el cine. No podía estar más ilusionado. Por primera vez viviría un estreno de Star Wars, con la curiosidad y deseo que ello conlleva. Admirar por primera vez esa épica música de John Williams, la más clásica y legendaria de todas las bandas sonoras del cine. Todo un momentazo. Recuerdo perfectamente que, como ha pasado con el tráiler de El Despertar de la Fuerza, el de La Amenaza Fantasma se convirtió en todo un fenómeno mediático. Y a lo que iba. La película recibió muy buena acogida pero no se libró de una crítica afilada. Muchos cargaron contra ella por su argumento simplista y la tacharon de decepcionante. A mí por aquél entonces no me decepcionó lo más mínimo, y hoy día, sigo alabando esta precuela.

Me parece que hicieron un trabajo estupendo a la hora de exponer los orígenes de esta epopeya espacial. La película nos muestra la emersión de los Sith, el comienzo de Obi-Wan Kenobi, por aquél entonces padawan de Qui-Gon Jinn, y lo que más afán e interés despertó, el origen del villano más famoso del cine, el surgimiento de Darth Vader. Y para ello nos remonta al pasado de un niño afable y bondadoso, llamado Anakin Skywalker. La única nota discordante giraba en torno a la figura de Jar Jar Binks, un maldito gungan al que todo el mundo le cogió tirria de lo pesado y cargante que era. Típico personaje poochie. El reparto, excelente, de lo más acertado. La solemnidad y la presencia de Liam Nesson para encarnar a Qui-Gon, un más que notable Ewan McGregor en la piel de un joven Obi-Wan y la siempre bella Natalie Portman como la reina Amidala, cuyo papel no tuvo mucha fuerza en esta primera película para sí tenerlo en las posteriores, ganando con ello la estima de los seguidores de esta saga.

Episodio II: El ataque de los clones

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Es la única de la saga que no me entusiasma. Ya en el año 2002, se estrena en los cines la segunda precuela y ya vemos a un Anakin más crecidito y dejando ver su mala leche. Normal, acabará siendo todo un Lord Sith. En su día, con quince años, no me di cuenta, pero ahora al revisionar la saga me cosco de lo mucho que esta película recuerda a otras grandes del cine como Blade Runner (1982) o El Quinto Elemento (1997). Esto lo digo por todo ese entorno urbano mostrado a lo largo de la película, muy parecido a la película de Ridley Scott y esa manera de presentar el tráfico, igual que en la película protagonizada por Bruce Willis. Lo que menos me gustó de esta entrega fueron sus planos diálogos, sus escenas de lucha algo mejorables y que volvieron a meter de por medio al puto Jar Jar Binks, aunque para esta ocasión no daba tanto por culo como en la anterior. Lo mismo sucede con su tedioso argumento y su aburrido ritmo. Yo la considero una película puente. Pues lo más destacable, o lo único, es la evolución de Anakin dejando ver su oscuro futuro. Y no sólo por su comportamiento, sino por su actitud frente a su maestro Obi-Wan. Con Amidala la relación se estrecha y como bien sabemos, la unión de ambos es la antesala a lo más significativo de la saga. Resulta entretenida gracias a que en esta ocasión volvemos a deleitarnos con esas peleas con espadas láser que tanto nos gustan, aunque como dije, podrían haber estado más espectaculares. Y a pesar de que la película nos ofrece un escenario importantísimo para la saga como es la guerra clon, considero que no la supieron rentabilizar mejor. Por cierto, nunca terminó de ganarme Samuel L. Jackson en el papel de Windu.

Episodio III: La venganza de los Sith

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Esta sí, me parece sin dudarlo la mejor de la trilogía de precuelas. George Lucas se lució. Año 2005. Con dieciocho años, volvía a tener la oportunidad de acomodarme una vez más en la butaca del cine y disfrutar de esas notas de John Williams que nadie jamás olvidaría por muy loco que estuviera. Para mí todo en ella es de lo más significativo. En esta película somos testigos del paso definitivo de Anakin al Lado Oscuro. Pero antes de incorporarse en las filas de los temidos Caballeros Sith, ya desde el principio es palpable la discordia entre Anakin y su maestro Obi-Wan. Y quiero destacar lo siguiente. Al revisionar esta película me volví a hacer la misma pregunta. ¿Y si Obi-Wan no hubiera sido tan testarudo? Desde la pela con el Conde Dooku (interpretado por el recientemente desaparecido, el gran Christopher Lee) ya se palpa que Obi-Wan supone un obstáculo para Anakin. Fijaos bien en la escena. Obi-Wan insta al joven Anakin a pelear juntos a lo que éste contesta con cierto desdén. Las tres espadas se encienden, Anakin junto a Obi-Wan pelean contra Dooku bajo la atenta mirada del Canciller. Anakin avisa que sus poderes se han duplicado desde su último encuentro con el Conde. Es entonces cuando se evidencia lo que Skywalker confesaba a su amada. Obi-Wan no le deja progresar. Y es que, justo cuando Obi-Wan queda inmovilizado en la pelea, es cuando Anakin extiende sus alas y deja volar todo su potencial. Tanto es así que se merienda en un santiamén al mismísimo Conde Dooku. Palpatine henchido de orgullo, apura a Anakin para que acabe con la vida de Dooku y no sin cierta reticencia, el joven Jedi ejecuta la orden. Darth Sidious se sentía más cerca de Anakin, ya tenía vía libre para ganarse su confianza, ya su plan de derrocar a la República desde dentro estaba más cerca. La escena es inmejorable.

Pero sorprendente fue la segunda mitad de esta película. Esa segunda mitad que nos conduce a un final desbordado de conmoción y epicidad. Su escena final exalta a todo fan de la saga. Cuando Obi Wan pelean contra Anakin, ya enfervorizado y encadenado al Lado Oscuro, es lo más asombroso de estas precuelas. Como asombrosa es la lucha de espadas ente ambos. La mejor de todas las vistas en estas tres películas que componen el origen de La Guerra de Las Galaxias. Una digna escena de lightsabers que da paso al momento más desgarrador pero a su vez, el más legendario. La completa transformación de Anakin en Darth Vader.

-Las Clásicas-

Episodio IV: Una nueva esperanza

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Comenzamos por la trilogía original. Las películas más entrañables y añoradas por la inmensa mayoría, en la que me incluyo. El estreno de Star Wars IV me pilló lejos, mucho antes de que yo naciera. En 1977 se estrenó la película que cambiaría la forma de ver y entender el cine. Pero no sólo cambiaría la magia del celuloide, sino que marcaría de por vida a millones de personas. Ganadora de siete premios Oscars, esta primera película de Star Wars rebosaba autenticidad y encanto nada más comenzar en una galaxia muy, muy lejana, con esas letras iniciales que se van perdiendo en la lejanía del espacio mientras suena esa melodía de fondo que ya nadie puede quitarse de la cabeza. Con la peculiaridad de empezar la historia por el medio, George Lucas hace que cada metraje sea una obra de arte. Los personajes, la música, la ambientación, esas naves. Esta película hacía soñar. Hace soñar. Es una película que de no haberse hecho, alguien la tendría que hacer. Esta pasada Navidad disfruté, como cuando era niño, de esta cinta. Y en pleno 2016 alucinaba con los efectos especiales, adelantados sin duda a su época. Unos efectos especiales adornados con minuciosas maquetas, verdaderas obras de arte, no como hoy día, donde se abusa demasiado del croma. Cada escena también refleja la ilusión y el amor que depositaron en esta película todos y cada uno de los que formaron parte de ella. Star Wars Episodio IV comenzó la saga que tendría a todos cautivados por más de treinta años. Y lo que queda.

Un intrépido y aventurero Han Solo, interpretado por Harrison Ford, acompañado de su inseparable y muy peludo amigo, Chewacca, y junto al joven granjero Luke Skywalker y dos adorables androides, C3P0 y mi querido R2D2, van en busca de la Princesa Leia, líder del movimiento rebelde que pretende instaurar la República y que ha sido apresada por el Imperio, dirigido por Anakin, no perdón, por Darth Vader. Pero al tablero de esta apasionante historia le faltan piezas como el mítico Halcón Milenario, la Estrella de La Muerte y los formidables X-Wings. Con esto, el embobamiento está garantizado. No me puedo olvidar de Alec Guinness como Obi-Wan Kenobi. Él es el causante de que adore al personaje de Obi-Wan. Es una obra maestra del Séptimo Arte.

Episodio V: El imperio contraataca

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Pero si obra maestra fue la anterior, esta no se queda atrás. Me cuesta decidir cuál de las tres me resulta mejor. Forman un tándem perfecto. Quizás sea El Retorno del Jedi la que mejores momentos me haya hecho pasar, la que con más cariño recuerde, pero es que, El Imperio Contraataca no hace más que insuflar aún más admiración y delirio por esta saga. Luke Skywalker ya está muy lejos de seguir siendo el granjero que fue y ahora comienza un viaje que le cambiará la vida como jamás habría imaginado. Luke parte a Dagobah para conocer a Yoda, ese místico maestro Jedi que para Luke es más una leyenda que una realidad. Pero la realidad es que Yoda existe, y con mucha emoción me dispongo a escribir sobre uno de los personajes que más adoro del cine, el gran guerrero Jedi de la Antigua República. Porque no sólo es un personaje entrañable, al que te gustaría achuchar, es todo un sabio, cada vez que habla invita a la reflexión y es toda una figura espiritual. Su guion da para mucho. Pero además, para dotarlo de mayor misticismo, su manera de hablar, esa en voz pasiva, donde el predicado y complemento van antes que el sujeto de la oración. «Abandonarte la Fuerza no puede. Constante ella es. Si encontrarla no puedes, en tu interior y no fuera deberás mirar.» Fascinante.

Mientras, Han Solo, Leia, Chewacca, y los robots C3PO y RDD2, se dirigen a la ciudad minera de Bespin, en busca de la ayuda de Lando Calrissian, un personaje que nunca me dijo mucho pero que con el tiempo consiguió gustarme. ¿Y por qué digo que El Imperio Contraataca hace que ames aún más esta saga? Me atrevo a decir que es porque es la más cautivadora. El tonteo que se traen Solo y Leia (adoro la química que hay entre Harrison Ford y) las espectaculares piruetas del Halcón Milenario ante ese imposible campo de asteroides, la aparición de Yoda en Dagobah, la evolución de Luke y su intriga con Darth Vader. Y es aquí donde vemos un Darth Vader mucho más encolerizado. La Estrella de la Muerte fue destruida y ahora el Imperio está totalmente de uñas, y como sea, quieren acabar con la rebelión. Personalmente, considero que esta película superó la anterior. Los personajes, como muy pocas películas consiguen, logran enamorar al espectador, los llegas a querer. Y las escenas, sin entrar a enumerarlas una a una, son de lo mejor que mis ojos han visto en el cine. Por cierto, el director de esta entrega es Irvin Kershner, George Lucas pasó a un segundo plano. Sin desmerecer al querido Lucas, pues sin él, nada de esto existiría, pienso que el señor Kershner ofreció una verdadera clase magistral de cómo hacer cine de calidad, de una tremenda calidad.

Episodio VI: El retorno del Jedi

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La guinda del pastel. O el broche de oro, como lo quieran decir. Pero el caso es que esta película significó la culminación de la mayor obra del séptimo arte. La mayor saga cinematográfica. En 1983 se puso fin a esta encantadora y ensoñadora trilogía. Como dijera anteriormente, decidir cuál de las tres es mejor es difícil. Sin embargo, puedo decir con total seguridad que El Retorno del Jedi es la que mejores recuerdos de mi infancia logra traer a mi memoria, y por eso sea para mí, no la mejor, pero sí la más importante a nivel personal. Ahora dirigida por el escocés Richard Marquand, este Episodio VI vuelve a contener escenas de enorme calado. Imposible de olvidar la taberna de Jabba the Hutt, esa mole que resulta ser un mafias de la Galaxia, en donde esconde a nuestro Han Solo, atrapado en carbonita. Es por eso que la hermosa Leia, junto a Luke y Lando, y por supuesto acompañados de los robots y Chewacca, idean un plan para sacarlo de allí. La película no puede comenzar mejor, pues su inicio, donde nuestros héroes logran rescatar a Solo, no podría ser más emocionante. Volver a ver esta película estas Navidades ha sido una autentica gozada, y creedme, una bella experiencia. Pues volvía a revivir todas esas sensaciones que la película avivaba cuando la viera en mi adolescencia y en mi lejana infancia. Pero este inicio no sólo es emocionante por ver a Luke con un duro aspecto Jedi, manejando el ligthsaber como nunca, sino también de lo más excitante y provocador. Para los que tenemos una edad, la Princesia Leia ha sido y será por siempre un icono, una efigie de la sensualidad y el erotismo. Siendo yo sólo un niño, Leia vestida de esclava logró encenderme con esa figura. Fue la primera vez que me sentí sexualmente excitado por una mujer. Y lo mejor, es que con el paso de las décadas, y a poco de cumplir los treinta años, esta representación de Leia en el Retorno del Jedi me sigue embelesando como aquella primera vez que la vi, pero diría que incluso más, pues los ojos que la miran no son los ojos de aquél niño, ahora uno imagina ciertas cosas que antes no. Ya me entienden.

Pero dejando ese tema a un lado, y más me vale que lo haga… ¿Quién no sintió ternura por eso Ewoks? Al principio parecían la mar de cabrones, pero su aspecto los delataba. Leia, Solo y Luke, contarán con la ayuda de los estimados Ewoks para contratacar a las fuerzas imperiales. Y es que ahora, en el Lado Oscuro se obcecan en reconstruir la Estrella de la Muerte. Ahora tenemos en esta última entrega clásica, una nueva Estrella, aún por terminar, pero que supone una contundente y peligrosa amenaza para la Paz y la estabilidad en la Galaxia. Las fuerzas rebeldes no lo impedirán y nuevamente, pondrán todo su empeño para hacerla añicos y convertirla en basura espacial. El éxito de esta película fue arrollador. Volvemos a contemplar buenas actuaciones, escenas de efectos especiales realmente meritorias y emocionantes, mucha aventura, emoción, intriga. ¡Y por Dios! ¡Que no me puedo olvidar de RDD2! Fue en esta película cuando terminé de enamorarme de este androide. En esta cinta, aprecio que le ceden más protagonismo al pequeñajo que a C3PO y es que aunque éste sea igual de adorable, no puede compararse al encanto y la ternura que despierta nuestro pequeño cabezudo. La magia no decae en este Retorno del Jedi, y a pesar de que la trama se torna más oscura por la obsesión de atrapar a Luke al Lado Oscuro, sigue siendo una película llena de emotividad y puro hechizo.

-La saga continúa-

Episodio VII: El despertar de la fuerza

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Una película para la nostalgia, para alimentar esa melancolía. Estas Navidades, los fieles amantes de Star Wars nos sentíamos de nuevo muy afortunados por poder vivir una entrega más de esta saga de películas sentados en una butaca de cine. Ahí me encontraba yo, con mi refresco tamaño gigante y mis palomitas, deseando que comenzara la película. No podía estar más expectante, más entusiasmado. El tráiler volvía a regarnos de emoción, volver a verlos a todos reunidos en el cine… ¡Qué fascinante! Ahora dirigida por el archiconocido J.J. Abrams, nos situamos treinta años después de lo acontecido en El Retorno del Jedi. Tras la victoria de los rebeldes, se constituyó una nueva República ahora amenazada por los rescoldos de lo que fue el Imperio Galáctico. De sus cenizas surge la Primera Orden, y su intención no es otra que destrozar la República. Esta nueva organización del Lado Oscuro está comandada por Phasma (Gwendoline Christie, Juego de Tronos), una capitana de la Primera Orden de mano dura. Pero treinta años después de la Batalla de Endor, esta surgida Primera Orden también cuenta con un temible aliado, Kylo Ren que, desde Darth Maul, no me impactaba tanto la estética de un Sith. Lástima que la conducta luego no acompañara. Pero eso tiene que esperar unas líneas más.

Y con los ojos brillantes, recibimos a los personajes de antaño. Ver entrar a escena a Harrison Ford, enfundado en el papel del divertido Han Solo, fue de verdad, palpitante. ¿Y Chewacca? Cuánto me he reído con este personaje, sobre todo intentando imitar esa manera de comunicarse con los demás. ¿A qué tú también lo has hecho? LOL. Pero ver a Leia fue lo que más me encandiló. Volver a ver a esa mujer, volver a ver la cara de Carrie Fisher, realmente sacó mi lado más sentimental. A estos héroes legendarios se les suman otros como Poe Dameron, el mejor piloto de X-Wings y el simpático Finn, ex stormtrooper. Pero el peso del protagonismo recae en la preciosa Rey, una joven chatarrera y su amiguito androide, el BB8, que ha hecho las delicias de esta película, ganándose a toda la audiencia. Y es que si bien no me despierta la pasión que siento por R2D2, me logra dibujar una amplia y tierna sonrisa. ¿Qué tienen estos androides para ser tan achuchables?

Para los que aún no habéis visto El Despertar de la Fuerza: ES MOMENTO DE SPOILERS TREMEBUNDOS, AVISADOS ESTAIS

Porque todo era demasiado bonito para ser cierto. Por mucho que me gustara la película, por mucho que me sintiera vibrante y de lo más emocionado. No dejo de ser crítico con todo aquello que me apasiona. La película argumentalmente deja bastante que desear. ¿Otra vez contra otra Estrella de la Muerte? Comencé escribiendo sobre el Episodio VII diciendo que es una película para la nostalgia, y así es. No genera una continuación de la trama como sí las anteriores, incluidas las precuelas. De nuevo, como ocurría en el Ataque de los Clones, la considero una película puente. O más bien, la antesala del Episodio VIII, donde se retomará con más empaque esta saga.

Kylo Ren pasó de tenerme totalmente hypeado a decepcionarme. De parecer un temible Sith a ser un adolescente sin las ideas claras. Ojo, sé que este personaje no ha hecho más que comenzar a rodar, que en esta película asistimos a la evolución del que será el oscuro y alarmante Lord Sith de las futuras secuelas. Pero aun así, Ben, como así se llama verdaderamente Kylo Ren, es el hijo de Han Solo y, entrenado por su tío Luke Skywalker para poder ser un Caballero Jedi, fue atraído al Lado Oscuro por un enigmático personaje llamado Snoke.

Y aquí comienza la hecatombe de la película. La mayor decepción: la muerte de Han Solo. Y no el hecho de morir, amigos míos, sino por cómo muere. Es muy frustrante y decepcionante ver cómo uno de los personajes más emblemáticos del cine muere de una manera tan nimia e insulsa. Señor J.J. Abrams, tenía usted detrás al mismísimo John Williams para hacer que la muerte de Han Solo fuera la muerte más dolorosa del cine, ¿y hace usted eso? ¿Así se pone fin a un personaje tan importante de la saga? Abrams podría haber conseguido que la muerte de Han Solo hiciera llorar a las mismísimas butacas del cine, y ha desaprovechado la que podría haber sido una de las escenas más recordadas del cine del Siglo XXI.

Pero aquí no queda la cosa. Antes de tan trágico desenlace. ¿Dónde está esa chispa entre Leia y Solo? ¿Dónde quedaron esos diálogos? El único dialogo profundo entre los dos es sola y exclusivamente para informar al espectador de lo ocurrido con anterioridad. ¡Yo no quiero que hablen para los espectadores! ¡Yo quería que hablaran entre ellos! ¡Que se desmelenaran! ¡Que fueran vehementes! ¡Pasionales! Pero nada de eso. Tanto es así que encontramos la misma frialdad en Leia cuando Solo muere. Apenas hay frases conmovedoras para recordar semejante personaje, al simpático y testarudo contrabandista de la Galaxia.

No compensa, pero al menos me voy de la sala, con la nostalgia sobre mis ombros y con la sensación de que ganamos dos personajes que de cara a posteriores películas, ganarán mucho peso en la saga. Hablo de Kylo, pero también de Rey. Esta joven ha conseguido meternos a todos en su bolsillo. No me puedo olvidar de ella y diré que al final de esta cinta, su encuentro con Luke Skywalker, cuando ésta le tiende el que fue su primer ligthsaber, hace que regrese a nosotros esa expectación. Y el mal sabor de boca por lo ocurrido con Leia y Solo, no sea tan amargo.

Para terminar, me gustaría dar una opinión más, pero de una forma más generalizada, respecto a esta saga y lo que ha supuesto para el cine. Considero que Star Wars trajo consigo muchísimas cosas que reparo en que son importantes de puntualizar. Esta portentosa saga cinematográfica hizo que artistas como Harrison Ford se vieran precipitados al estrellato. Y que los que somos unos melómanos empedernidos no dejemos de soñar con la música de John Williams, el mayor compositor en la historia del cine. Esta película impulsó su carrera y ahí, amigos míos, tuvimos a Williams, poniendo música a Superman, Drácula, E.T., Indiana Jones, Parque Jurásico, El Patriota y un gran etcétera. Y siguiendo con artistas, no nos podemos olvidar de Natalie Portman. Fue la trilogía de precuelas las que hicieron que podamos disfrutar de una de las mejores actrices en la actualizad y ganadora de un Oscar por El Cisne Negro. Con todo, y sin querer parecer repetitivo, Star Wars pasó a formar parte de la historia de las vidas de millones de personas. No sólo es la película que cambió el cine, es la película que nos cambió a todos.

Esta entrada me gustaría dedicársela a mi gran amigo Alberto Martín, que como yo, ha pasado estas vacaciones de Navidad revisionando concienzudamente toda la saga. Con él he podido dialogar como con nadie sobre todas estas películas y sus triquiñuelas. Y como era de esperar, ha sido un verdadero placer poder debatir e intercambiar opiniones sobre esta última entrega, El Despertar de la Fuerza. Disfruto muchísimo de su compañía, y no sólo para mantener conversaciones frikis. Su sincera amistad es de lo mejor que me ha dado Madrid.

¡QUE LA FUERZA OS ACOMPAÑE, AMIGOS MÍOS!


Batman v. Superman. La película de superhéroes definitiva

La Trinidad

Ya ha pasado un tiempo considerable desde que se emitiera el tráiler de esta película que tantísima expectación está levantando. No es para menos. Estamos ante los dos superhéroes más legendarios, los dos se dan cita por primera vez en una misma película y todo apunta a que además, se van a dar de hostias. Como decía, ya ha pasado el tiempo, y un segundo tráiler de la película fue emitido a principios de diciembre. Ambos ya los tengo más que digeridos y ahora es cuando me veo en mejor posición para hablar sobre ellos. Recuerdo que incluso actores de la franquicia Marvel, como el actor que encarna a Loki en las películas de Thor expresó en sus redes sociales que el tráiler de El Hombre de Acero era el tráiler más épico que había visto en el cine de superhéroes. Yo el tráiler lo vi después de ver la película, aguanté y conseguí llegar a la sala del cine tan sólo viendo los dos pequeños teaser que la precedieron. Quería llevarme la sorpresa sentado en mi butaca. Quería que fuera toda una experiencia y vaya si lo fue. Por si a alguien le interesa, en este enlace dejo la critica que escribí sobre la primera película de Henry Cavill como Superman.

Pensaba hacer algo parecido con esta nueva película, pero es tanto el nivel de hype que siento en mis entrañas que me ha sido imposible. Y tengo que reconocer, que no he podido evitar verlo más por Batman que por Superman. Aun siendo un friki fan del kriptoniano desde que era niño, sentía una exacerbada curiosidad por ver de una vez por todas al Batman de Ben Affleck en movimiento. Pobre Affleck, la que le cayó encima cuando se supo que sería él el nuevo Caballero Oscuro. ¿Y ahora?

Haters, vayan regresando a sus cuevas por favor

Y es que todos los que se rieron cuando la noticia de que Ben Affleck sería Batman han tenido que comerse sus palabras, todos regresan a sus cuevas. Porque nadie esperaba que Ben Affleck fuera a ser el Batman más auténtico de todos los que se han visto en la gran pantalla. Affleck es Batman como ninguno otro lo ha sido. Es idéntico al Hombre Murciélago de los cómics. Su complexión física y sobre todo, ese mentón. ¡Es el mentón del Batman! No voy a desmerecer al Batman de Christian Bale, sería una locura y una injusticia. Pero físicamente Bale no daba la talla aunque sí lo hiciera y de sobra, interpretativamente. Pero el Batman de Christian Bale se veía bajito, demasiado menudo para el Batman que estamos acostumbrados a ver en las viñetas. Porque no lo olviden, el Batman de las grapas es el Batman que tiene que ser.

Éramos pocos los que en las redes sociales se tomaban muy en serio la noticia y apoyábamos a Ben. Pero desde que fueron saliendo casi a ritmo de cuentagotas las distintas imágenes promocionales de Affleck enfundado en el traje de Batman, la cosa cambiaba bastante, la opinión ya era otra. Y es que desde esas primeas fotos, cuando aún nadie había visto a este nuevo Batman en movimiento, ya comprobamos que, estéticamente, el Batman de Affleck superaba considerablemente al de Christian Bale, el Batman que hasta la fecha, mejor crítica y éxito ha tenido. No mencionemos al de George Clooney o al de Val Kilmer. Ni falta que hace.

Batman v. Superman. Primer Tráiler. La cosa pinta como nunca

El mundo necesita saber. Y saber en qué cree. Así comienza el primer tráiler de Batman v. Superman. Y es que con Man Of Steel se veía venir. Kal-El y Zod la liaron bien parda. Por cada hostia que se daban moría gente, a saber cuánta. La aparición de estos dos dioses que volaban y lanzaban rayos mortíferos por los ojos encabronó a mucha gente, y no es para menos. Menudo caos. Dejaron la ciudad destrozada. Recuerdo que al ver la película me preguntaba a mí mismo, ¿pero cuánta gente está muriendo ahí? Y claro, entre esa gente estaba Bruce Wayne. Un Julio Iglesias de día pero un auténtico Chuck Norris de noche. Los kriptonianos destrozaron su edificio, la Torre Wayne, y no es de extrañar que a Bruce se le hincharan las pelotas. Ahora, Batman quiere zurrar a Superman por todo lo ocurrido. Los Estados Unidos de Norteamérica lo tratan como un alien peligroso, que sólo puede traer la devastación a la Tierra. Otros, sin embargo lo ven como un salvador. Sin embargo tenemos varios frentes abiertos. Clark Kent, reportero de prestigio del Planet, va tras la pista del Caballero Oscuro. Digamos que no está muy de acuerdo con los métodos que el hombre murciélago pone en práctica para luchar contra el mal. Y luego, Batman está deseando endiñarle, pero bien, a Superman, pues es un maldito extraterrestre que está cayendo demasiado gordo. Por cierto, ¿no fue Superman el primero de los superhéroes? O sea, que antes de su llegada, ya estaba Batman. Eso es lo que uno deduce al ver estos tráileres. Me descuadra. Me quedo sin duda con las palabras de Ma Kent, la preciosa Diane Lane. Kal-El no le debe nada a este mundo.

Superman luce mucho más intimidante y fausto en esta nueva entrega. Modificando ligeramente su indumentaria y favoreciéndolo muchísimo. Vemos a un Superman más maduro, con mayor carácter, más esplendoroso. Noto a Henry Cavill más sólido en su personaje. Pero lo que sí noto son que los diálogos están mejor elaborados, más enriquecidos, no tan planos como así, al menos en mi opinión, lucían en Man Of Steel. Aunque aún es pronto para afirmarlo con rotundidad.

Y con todo. Aparece en escena la que para mí es la nota discordante de esta película. El señor Lex Luthor, interpretado por Jesse Eisenberg. ¿No había otro? ¿No había uno que se pareciera más al magnate villano? ¿Tiene que ser un muchacho con pintas de estudiante de Grado Medio de Informática? ¿Acaso Jesse Eisenberg hará el mismo papel en esta película que en La Red Social? No me termina de convencer. Sólo espero que en el transcurso de la película cambie drásticamente. Su papel, como no podía ser de otra manera, es la de atizar a Superman. No lo quiere ni en pintura. Lo ve una amenaza para la humanidad, opinión que comparte Batman, y por eso él, el joven Lex, se convertirá en una amenaza mayor. Pues como se puede ver en el segundo tráiler, es peor el remedio que la enfermedad. Pero ahora llegamos a eso. Sigamos con este primer tráiler que aún guarda su sorpresa final.

Gal Gadot es Wonder Woman. Muchos se quejaron cuando se supo. Se decía que era demasiado delgada, que una modelo no pintaba interpretando a la amazona. ¿Qué quieren? ¿Poner a una jaquetona? ¿A una muscle-woman? Me parece una decisión la mar de acertada. Wonder Woman siempre ha sido muy femenina, la más bonita de todas las heroínas del cómic junto a Felicia Hardy, la Gata Negra de Marvel. Todos nos hemos puesto palote alguna que otra vez viendo a estas dos bellezas luchar, saltar y volar en las viñetas. Gal Gadot no puede ser más atractiva y como se ve en el tráiler, enfundándose el traje de Wonder Woman está radiante.

Este tráiler, rebosante de epicidad y hype por los cuatro costados, acaba en una escena de pura tensión. Superman encarándose a Batman, destrozándole el batmóvil y, el Caballero Oscuro, como era de esperar, echándole cojones. Sencillamente, este tráiler lo vi una veintena de veces seguidas. Me impresionó tanto que no me lo quitaba de la cabeza. Esta cinta es sin duda uno de los mejores regalos que nos depara este 2016. No me puedo olvidar de esas indirectas hacia el Joker, y por supuesto, obligada mención a Jeremy Irons, el nuevo Alfred. Otra de las sorpresas del casting. Si Michael Caine lo bordó en la trilogía de Nolan, estoy seguro que Irons no dará para menos. Tan sólo su voz en este primer tráiler ya te pone los bellos de punta. La cosa pinta como nunca con esta película. Jamás se había presentado así una película de superhéroes. En poco más de una semana este adelanto logró más de cincuenta millones de visitas en YouTube. Madre mía que la se va a liar.

Batman v. Superman. Segundo tráiler. Todos rendidos ante DC

Este segundo y último tráiler desató literalmente la locura. Las redes sociales se caían de todo lo que se hablaba de esta película. Este tráiler arrancaba tranquilo, demasiado tranquilo. Todo el mundo esperaba verlo comenzar repleto de acción. Pero su inicio resultó atípico para lo que a una película de superhéroes se refiere. Clark Kent, Bruce Wayne y Lex Luthor coinciden en un cóctel. Kent se presenta ante Bruce y le pregunta qué opinión tiene sobre el murciélago vigilante de Gotham. Conversación breve pero tensa. Kent desconfía del Caballero Oscuro, y Wayne del alienígena que tanto adora el Daily Planet. Uno que podría acabar con la humanidad en un santiamén. Wayne le suelta mirándole fijamente a los ojos que está harto de chiflados disfrazados de payaso. ¡ZAS! En toda la boca. Me pareció sensacional. Y a continuación…

Este Lex Luthor me pone de los nervios. Espero que con el señor Eisenberg se guarden un as bajo la manga y me callen la boca, pero lo dudo. Realmente me turba ver esta versión de Luthor. Y para más colmo. Aparecen en escena dándole el toque cómico. Como el típico personaje secundario chistoso de serie de televisión. Lo destacable de su aparición en este tráiler es cómo presenta a los dos legendarios superhéroes como si de gladiadores se tratara. El hijo de Kriptón contra el murciélago de Gotham…Luthor mantiene todas sus esperanzas en que Batman acabe con Superman. Pero, si el hombre no mata a Dios, el hombre lo hará. Y entonces…De verdad que ansío que Lex Luthor evolucione a lo largo de la cinta y se convierta en un villano a temer y respetar.

El friki-orgasmo definitivo

Aparece Doomsday en escena. Entendiéndose que ha sido gracias al cadáver de Zod, Luthor pone en el tablero una pieza nueva, una que nadie se esperaba ver. Juicio Final, el único villano en acabar con la vida del Hombre de Acero. Ni el Pirri se esperaba ver algo así en este segundo tráiler. Creo que nadie acabó de ver este tráiler con la boca cerrada. ¿Pero ese que vemos en pantalla es verdaderamente Doomsday? Por los cómics lo recordaba más alto, más impresionante. ¿Será realmente él? Porque a mí me recordó a lo orcos Uruk-hai de El Señor de los Anillos. Se especula en Internet que no, que tan sólo es una modificación del General Zod. A mí desde luego me desconcertó mucho y me pareció muy raro que metieran a Juicio Final tan pronto en este nuevo Universo que presenta DC. Pero el tráiler no podía acabar así, y reaparece la bellísima Gal Gadot como Wonder Woman. Metiéndose en medio de la que puede ser la mayor pelea vista en una peli de superhéroes. Lo más gracioso de todo es que según comenta algún que otro pez gordo que anda tras la producción de Batman v. Superman, nos esperan más sorpresas cuando tengamos nuestros culos pegados a la butaca. ¿Aparecerá en pantalla otro personaje más? ¿Quizás el Joker? ¿El Aquaman de Momoa? No podría ser más épico. ¡No podría!

¿Qué más falta en esta puñetera película para terminar de dejarnos histéricos? Hasta marzo tendremos que esperar para disfrutarla, para deleitarnos con La Trinidad en una película llena de acción. La película es indiscutiblemente un prodigio visual. La estética está cuidada al detalle y la historia luce de lo más atractiva y morbosa. Sólo que hay atender a la frase de Batman: ESE HIJO DE PUTA NOS HA TRAIDO LA GUERRA A NOSOTROS. ¡Cuento los días para su estreno!

¡FELIZ AÑO NUEVO, JÓVENES!


MINICRÍTICAS de CINE #6 – Jurassic World – El niño 44 – El último lobo – Chappie – Insidious 3 – Poltergeist – Relatos Salvajes

Jurassic World

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La película más taquillera este 2015. Y no es para menos. Dirigida en esta ocasión por Colin Trevorrow y protagonizada por Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia), regresa una vez más otra secuela de Parque Jurásico, aquella película que en 1993, y de la mano del gran Steven Spielberg, nos encandilaba a todos con ese Tyrannosaurus rex y esos velociraptors que a todos nos ponían la piel de gallina. Jamás olvidaré el pánico que me daba ir a ver esa película. Hasta que una tarde me armé de valor y con dos cojones fui con mi hermana a verla al cine. Siempre recordaré con total añoranza verme al lado de ella, con nuestras palomitas, nuestras cutre gafas de cartón para 3D que acabaríamos por dejarlas a un lado y disfrutando de semejante película. Jurassic World venía cargada con un importante halo emocional, ha logrado juntar a dos generaciones; ahora, esos niños que disfrutaron con la primera entrega, podrán disfrutar de su secuela acompañados de sus hijos. Como niños.

Pero no me voy a dejar arrastrar por la nostalgia y el cariño que le tengo a esta saga. En esta ocasión la historia me ha parecido bastante insulsa, el desarrollo peor aún, aunque la emoción de ver de nuevo a esos dinosaurios sembrando el pánico entre los humanos está asegurada. Y hablando de dinosaurios: los de esta última película no me han gustado mucho que digamos. Han sido realizados enteramente por ordenador y prefiero la autenticidad que trasmitían los de aquél año de 1993, hechos mediante maquetas que daban una mayor impresión de realismo. Película entretenida que podría haber dado mucho mucho más, pues hasta el papel de Chris Pratt, que estuvo de lujo en Guardianes de la Galaxia, deja mucho que desear.

El niño 44

ElNi%C3%B1o44De todas las películas que he ido a ver al cine en estos últimos meses, El Niño 44 es la que más he disfrutado. Altamente recomendable. Desde los primeros minutos la película te envuelve en un clima angustioso, intrigante, que llega a recordar a esas películas de Alfred Hitchcock. El desarrollo de sus personajes es magistral, sobre todo el de su protagonista, Tom Hardy, al que pudimos ver en el remake de Mad Max: Furia en la carretera. El realismo de la película es soberbio, su vestuario, su ambientación. Hardy, que interpreta a Leo Demidov, guardia de seguridad y antiguo héroe de la guerra estalinista, es quien llevará el peso de la trama junto a su esposa (Naomi Rapace), con la que lleva un tormentosa relación. Juntos investigarán el asesinato de uno niños que parece no levantar las sospechas de nadie. No hay guerra en el paraíso, o al menos eso promulgaban los acérrimos de Stalin. No podía haber asesinatos de niños en una sociedad puramente comunista, era el modelo perfecto de sociedad, o al menos eso es lo que venían promulgando desde décadas atrás. Para no alarmar a la opinión pública y que el asunto no saliera de sus fronteras, el estado releva de su cargo a Demidov, condenándolo prácticamente al ostracismo. Pero Demidov no cesará en su investigación. Trepidante película basada en el best-seller internacional que lleva el mismo título. La película logra meterte de lleno en la historia y resulta altamente adictiva.

(más…)


Interstellar, de Christopher Nolan [2014]

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Interstellar

El británico Christopher Nolan vuelve a deleitarnos con una película insuperable. Tras cerrar en 2012 la trilogía de El Caballero Oscuro, estas pasadas navidades podíamos disfrutar en nuestras salas de cine de una nueva obra maestra del celuloide. Pocas veces uno puede disfrutar de una película así en una sala de cine. Interstellar es una epopeya fantástica, frenética, emotiva y profunda. Antes de ir a verla ya sabía que la crítica era estupenda, era de esperar viniendo de Nolan. Además, el protagonista es Matthew McConaughey, no el Matthew de Cómo perder a un chico en 10 días o Novia por contrato, no, sino el Matthew McConaughey que aparece en El lobo de Wall Street, el de True Detective o Dallas Buyers Club, es decir, en la actualidad, uno de los mejores actores de Hollywood. Para aquellos que somos fieles seguidores de las películas de Nolan, para los que nos quedamos embelesados cada vez que vemos Origen y decimos que es de las más bellas y complejas películas del cine moderno, y para los que amamos el cine fantástico, no podemos recibir mayor regalo que esta última película de Christopher Nolan.

Interstellar es la mejor película de ciencia ficción de los últimos veinte años. Es una película que arriesga y fascina sin dejar indiferente a nadie como ya lo hiciera aquella odisea de Stanley Kubrick. Las actuaciones son extraordinarias y todas ellas dan vida a escenas que los amantes del cine jamás podremos olvidar, como la escena en la habitación de Murphy. Jamás la ciencia ficción ha dado tal lección de amor. La fotografía es brillante y la banda sonora, de nuevo de la mano del gran Zimmer, no hacen más que cubrir y adornar con mimo una autentica obra maestra del género.

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Una película de ciencia

El argumento, la historia en la que nos sumerge Christopher Nolan, es pura ciencia, amigos míos. Es algo más que ciencia ficción en mi humilde y modesta opinión. Es una ciencia que podrá no ser creíble -¿Acaso la ciencia demostrada en nuestros días es creída por todos?-, pero los argumentos científicos que plasma esta gran película son congruentes y fieles a los límites que se propone. Estoy seguro que Kip Stephen Thorne, físico teórico, conocido por sus numerosas contribuciones en el campo de la física gravitacional y la astrofísica y por haber formado a toda una generación de científicos, aplaudió al terminar de ver la obra de Nolan. Y es que el director de esta película explica parte de sus teorías, las mismas que no pueden ser probadas con los medios que tenemos, pero que de memo sería obviarlas. Interstellar es ciencia en estado puro, la ciencia que avanza más rápido de lo que imaginamos. No me extrañaría que dentro de cien o doscientos años, se hablara de Nolan como el Julio Verne del siglo XXI, pues quizás esta película se haya adelantado con su metraje a la civilización que lleguemos a ser algún día. Interstellar posee un guion perfeccionista, el más técnico y realista sobre física que podrás ver en una película de ciencia ficción.

Ver esta película ha sido para mí algo más que emocionante. Tras salir del cine me dirigía hacia casa dando un agradable paseo y mientras, mi mente se encontraba con multitud de preguntas sobre todo lo que había visto durante las más de dos horas que dura esta película. Me hacía a mí mismo preguntas sobre la posibilidad de vivir en otro planeta, sobre la inmensidad de los agujeros negros, o lo que tiene que suponer para una persona cubrir una misión de tal complejidad. Es una película que invita a reflexionar.

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Majestuosa epopeya de amor

Se nos muestra una bella aventura cósmica, un estimulante viaje en el que nos conduce la gran imaginación de Christopher Nolan. Esas preguntas, aquellas que han perseguido al Hombre desde los primeros días, algunas son tratadas sin miedo alguno en esta película. De manera hipnótica y casi onírica, nos vemos envueltos en la mayor gesta de esta nuestra civilización. La humanidad está al borde de la extinción y la única solución es la búsqueda, más allá de los límites del sistema solar, buscar un nuevo planeta en el que poder empezar una nueva vida, abrir un nuevo periodo en nuestra historia. Una película visionaria, valiente y que deja hueco a eso que a todos nos conecta, eso intangible e indestructible, algo tan pura y esencialmente nuestro como es el amor. La fuerza del amor está presente en cada segundo de la película, un amor tan grande como la propia proeza que se nos muestra en esta cinta. Un amor capaz de prevalecer más allá de este mundo, más allá de nuestra propia existencia.

Hay películas que te transmiten esperanza, como En busca de la felicidad (2006), o que te arrancan el corazón como El diario de Noa (2004). Todas pueden provocarte un mar de emociones. Esta película puede provocar en ti que, tras verla, te sientas una persona nueva, despierta, o de lo contrario, sigas siendo una persona incrédula, y te haga sentir decepcionado o vacío. Interstellar calará hondo en ti y de ti sacara lo que realmente seas.


La Isla Mínima, de Alberto Rodríguez

Ya hace tiempo de mi reconciliación con el cine español, y sin apenas saber mucho sobre esta película, al ver que la protagonizaban dos de nuestros mejores actores, Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo, no dude un instante en querer ir al cine a ver esta película. Ambos actores encarnan a dos policías que investigan la desaparición y posterior asesinato de dos chicas en las marismas del Guadalquivir. En un principio, y esto es una apreciación mía, con lo poco que había visto de esta película en el tráiler y anuncios, conseguía recordarme a la que se convirtió en serie de culto al instante, True Detective, una serie de la que os hablaba meses atrás en esta entrada. Porque en esta nueva cinta española, que desde ya digo que es la película más talentosa de este 2014, encontramos a dos policías totalmente opuestos, expedientados, que no se llevan bien el uno con el otro, y que investigan unos asesinatos en un lugar remoto, apartado de la civilización, envueltos en una atmósfera tensa de misterio y horror, y por si fuera poco, en encharcadas e interminables marismas, una ambientada en las de Luisiana, y otra en las del Guadalquivir. Mi incondicionalidad con la primera temporada de True Detective es y será eterna, y como fiel amante de este tipo de cine, más negro que el betún, y tras haberme reconciliado hace ya bastante con nuestro cine patrio, no quería dejar pasar la oportunidad de ver a dos grandes actores atrapados en una aire similar.

La película se centra en los primeros años de nuestra democracia, el auténtico y muy conseguido retrato de una época pasada, a principios de los años ochenta, donde la sociedad estaba marcada y hastiada, y más aún en un pueblo perdido en las marismas del sur de Andalucía. En este contexto, el director Alberto Rodríguez logra crear un ambiente tenso, de lo más enrarecido, que en ocasiones volvía a traer a mi memoria otra gran obra como es la grandiosa Twin Peaks, que por cierto está de regreso. El director consigue que la Isla Mínima te impregne con su trama y te mantenga en total atención, pues la expectación está magníficamente conseguida y el suspense rezumba por todo el metraje. Los actores están en el mejor momento de sus carreras y eso se evidencia en esta película. La interpretación de Arévalo es la mejor hasta la fecha, sin dudarlo.

El caso se complica por momentos. Lo que empezó siendo la desaparición de dos chicas en plenas fiestas del pueblo se acaba convirtiendo en un caso cruel y mezquino, otro más de la España negra. Los dos policías se ven absortos en un pueblo que parece maldito, en el que hasta el tonto del pueblo parece esconder sucios secretos. Esta historia de dos chicas desaparecidas y asesinadas no es más que la punta del iceberg, no es más que un despunte en una historia despiadada y cruel que subyacente en este pueblo con aire amenazador, en el que no es de extrañar que los jóvenes pidan a gritos ahogados salir de ahí y marchar lo más lejos posible.

La película es un prodigio. Una de esas que se ven con entusiasmo, en el que los actores dan lo mejor de sí mismo, y en la que se narra una historia asfixiante, que transmite hasta en los momentos de más puro silencio, pues visualmente es un auténtico asombro. Recomendada a más no poder.



Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore [1988] – La poesía hecha en imágenes

cinema_paradiso_xlgUna obra maestra del cine contemporáneo, una de esas películas imprescindibles no sólo por el hecho de ver buen cine, sino para hacer latir nuestro lado más humano. Esta es quizás la película más bella que he visto en mi vida, una película que encierra en sí misma toda la ternura que pueda exhibirse en una obra del séptimo arte. Envuelta en una oda al cine, esta cinta nos muestra el amor reflejado en su estado más puro, es en definitiva un canto a la vida. Este verano se cumplía el 25 aniversario de esta grandísima película y por ese motivo, muchos cines de España decidieron ponerla de nuevo en cartelera como ya han hecho anteriormente con otras célebres películas.

Era una tarde espléndida de este pasado verano en la que mi hermana y yo, llevados por la pasión que ambos sentimos por el buen cine, decidimos entrar a ver Cinema Paradiso. No podíamos tener un plan mejor para aquella tarde, ya que las ganas e ilusión que teníamos de verla se vieron recompensadas, pues es imborrable el efecto que esta película causó en nosotros. Una vez más, la partitura de Ennio Morricone impregna con dulzura y elegancia una historia para el recuerdo, y es que de recuerdos trata esta película, recuerdos profundos, recuerdos de una vida. Con Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore nos narra la historia de un pueblecito italiano, Giancaldo, en la hermosa Sicilia, a poco después de la Segunda Guerra Mundial, en plenos años 40, en el que el único entretenimiento que hay, tanto para mayores y niños, es ir al cine, es el cine el vínculo que tienen en común los vecinos de ese pueblecito italiano. En ese contexto, el director nos presenta a Totó, un niño fascinado por el cine, más bien embrujado, pues para él esas imágenes en movimiento parecen ser pura magia. Así, conocerá al entrañable Alfredo, el operario encargado de poner las películas en el Cinema Paradiso. Entre los dos surge una especial relación. Totó encontrará en Alfredo la figura del padre que nunca tuvo, y Alfredo la compañía del hijo que nunca llegó. Alfredo le enseñará todos los secretos que se esconden tras esas imágenes, le enseñará a proyectarlas, además de enseñarle sabiamente alguna que otra lección de vida en muchas de esas largas charlas que ambos compartían, donde el tiempo no parecía tener nada que ver con ellos. La tremenda curiosidad de Totó por el cine se convertirá en verdadera pasión, tanto que en un principio la película nos muestra a un Salvatore Di Vita (Totó) adulto, donde comprobamos que se ha convertido en un afamado cineasta. Una noche, éste recibe una carta enviada desde su pequeño pueblo, es entonces cuando treinta años después, decidirá volver y revivir todo lo que en él vivió y sintió.

saGran parte de la película se centra en la niñez de Totó, y a lo largo de toda esa niñez somos testigos de cómo afloran en nosotros todo tipo de sentimientos. Esa niñez que Tornatore nos enseña la utiliza el director para recoger todo tipo emociones, una amalgama de sensiblería, tristeza, risa, ternura y amor, mucho amor. El amor por lo demás es lo que mueve la vida, y en la vida de joven Totó sentimos cómo el amor despliega sus ramas. En esa vida hallamos el fulgor del amor de una madre, el impensado e involuntario amor por el arte, el fiel amor por la tierra y las costumbres de los que allí habitan, ese centelleo que produce ver a nuestro primer amor, y ese amor que se manifiesta en forma de brillo en nuestros ojos al ser conscientes de saber que todo lo que amamos está a nuestro alcance.

Destacar además la hermosa fotografía de Blasco Giurato, que recoge como si fuera la propia nostalgia la que manejara la cámara, momentos tan bellos que se graban para siempre en nuestra mente, como las secuencias en el muelle, donde instalan el cine de verano, bajo un manto de estrellas, donde las olas ponen ritmo al respirar de los habitantes de ese pueblo. Tornatore capta lo cotidiano y lo enseña como si de algo único se tratara. Esa es en parte la esencia de esta película. Pues en ella no vemos nada que no podamos ver a nuestro alrededor si estamos despiertos y atentos. Una película llena de encanto, conmovedora, una propuesta a dejarse llevar por el cine y por la magia de la propia vida.

Como bien decía Alfredo a Totó, “hagas lo que hagas, ámalo”. Es para mí la frase con la que recordaré esta cinta. Es la frase del maestro de vida a su joven pupilo. Una de mis películas favoritas, el mayor homenaje al cine, a sobre todo, a los sentimientos, a la vida. La película es una declaración de amor al cine, y utiliza precisamente esa declaración de amor como el motor que impulsa a contar unos recuerdos de la infancia y la adolescencia, a plasmar la presencia de la nostalgia que en muchas ocasiones nos atonta, y a narrar con bondad toda una vida.


MINICRÍTICAS de CINE #5 – Un amigo para Frank – Begin Again – Amor sin control – El amanecer del planeta de los simios – Guardianes de la galaxia – Lucy

Un amigo para Frank

índiceUna película inteligente que causa conmoción. Ambientada en un futuro no muy lejano, nos cuenta la historia de Frank (Frank Langella), un anciano que cada vez más va perdiendo la memoria y por eso sus hijos, Hunter (James Marsden) y Madison (Liv Tyler), deciden comprar un androide programado para ayudar a las personas con discapacidad. Me encantan estas películas y más cuando se venden de una manera distinta a lo que realmente son. ¿Podemos decir que es una película de ciencia ficción o una película más sobre la tercera edad? Es una tontería intentar encontrar una etiqueta para una cinta así. De lo que estoy seguro es que es de esas películas que el espectador no espera encontrarse, y que acaba por enamorarle, como me pasó a mí. Encontramos varias escenas graciosas y un Frank Langella que borda su papel, pero cuando la película gira hacia pasajes más íntimos y profundos, nos saca de nuestro interior nuestro halo más humano mostrándonos solamente la sorprendente relación entre un anciano y un robot. Una original manera de hablarnos sobre el Alzheimer y hacernos tomar conciencia sobre esta enfermedad.

Begin Again

FaldonBEGINAGAIN_507Es la película que más me ha sorprendido y fascinado de todas las que he visto este verano. Una aventura musical sencilla, tan sencillamente tratada que es de lo más enriquecedora. Gretta (Keira Knightley) se muda a Nueva York con su novio Dav (Adam Levine) pues este está comenzando una prometedora carrera musical. Ambos tienen planes de trabajar juntos en un nuevo disco, pero cuando éste logra alcanzar el éxito, la abandona tras cinco años de relación. Una noche, Gretta actúa ante un desganado público en un pequeño bar y ahí se encontrará con un productor musical, Dan (Mark Ruffalo), que ha perdido su trabajo en la propia discográfica que éste fundó y que ahoga sus penas en alcohol, pero que queda hechizado ante la dulce voz de la joven británica que busca su hueco en el mundo de la música. Rufallo ve en Gretta la nueva oportunidad que le hace falta a su ruinosa situación, es renovarse o morir, y Gretta ve en el desaliñado productor el empujón que siempre le hizo falta, la confianza que necesitaba. Ambos son conscientes del mal momento por el que atraviesan y deciden ponerse manos a la obra: querrán grabar un disco de una manera diferente, no en un estudio, sino en la calle, en pleno Nueva York y sorprender a todos. La química que surge entre estos dos personajes es asombrosa, la magia de uno se complementa con la energía del otro. Mark y Keira realizan una interpretación rebosante chispa y mucha simpatía. Desde luego el espectador quedará rendido a sus pies.

Y por si fuera poco, como telón de fondo para esta historia, nos sitúan en Nueva York, la ciudad que nunca duerme, la ciudad de la música, del cine, de las grandes producciones, una ciudad acunada en esta película con una banda sonora excelente, cuyas canciones se te atrapan de tal manera que no querrás quitártelas de encima. Una película brillante que nos muestra que el tren pasa una vez en la vida, y a veces, hasta dos.

 Amor sin control

imagesAquí volvemos a encontrarnos con Mark Ruffalo, interpretando a un adicto al sexo y que hará pareja con la semidiosa Gwyneth Paltrow, que en esta película sale aún más atractiva si cabe. Amor sin control es una comedia romántica que se sale de los clichés ya bastante cansinos de las películas de este género y que nos cuenta la situación que viven tres hombres que ingresan en una clínica de desintoxicación para tratar su adicción al sexo y que deben seguir estrictamente un programa de rehabilitación. A pesar de que el guion podría estar mucho mejor, me parece una película muy bien planteada y entretenida que trasmite un mensaje positivo, un mensaje esperanzador de superación personal.

Esta película muestra una de las adicciones más extendidas en estas últimas décadas, y es la adicción al sexo. Desde hace muchos años todo está sexualizado. Todo tiene su connotación sexual, todo tiene un ingrediente que nunca falla, una piza de erotismo que no en todos surte el mismo efecto. Esto es un tema que da para hablar largo y tendido y que la película simplifica y representa con total claridad. Interesante película con unos actores sobresalientes, sobre todo por Tim Robbins y Mark Ruffalo. Me gusta la actitud de estos dos personajes, pues tienen un problema, y con total humildad y honestidad lo afrontan. Tengo un problema, y quiero compartirlo contigo. Así se empieza.

El amanecer del planeta de los simios

el-amanecer-del-planeta-de-los-simiosSi El Origen del planeta de los simios me dejó de lo más sorprendido, esta secuela lo ha conseguido aún más. Técnicamente es un fenómeno que merece muchísimo la pena presenciarla en pantalla grande. Merece la pena pagar cada céntimo que valga la entrada del cine por ver una insólita y llamativa guerra entre simios y humanos. La intensidad que transmite esta secuela es patente, y en momentos totalmente colosal. Las escenas de esta cinta poseen una fuerza expresiva admirable. Los efectos de animación realizados en estos simios son tremendamente espectaculares, algo nunca visto en el cine, unos simios conseguidos al detalle y con un nivel de expresión que te deja realmente asombrado por la sobresaliente captura de movimientos faciales y corporales. Para esta cinta, el mensaje o la reflexión que no todas las películas tienen, queda en un segundo plano quizás debido a la falta de atención o interés que se muestra en los personajes humanos. Los simios se han convertido en la raza dominante del planeta y unos pocos humanos han sobrevivido al devastador virus de los simios. César firmará una tregua de paz con los hombres que se verá alterada por la necesidad de éstos de hacerse con los mandos de una presa para abastecerse de energía situada en el asentamiento de los monos. Una película muy entretenida y disfrutable.

Guardianes de la galaxia

353959Jamás me imaginé ni por un instante que me fuera a divertir tanto con esta divertida película. Friki a más no poder, pero horrorosamente graciosa, sobre todo gracias a Rocket (Bradley Cooper), un mapache que habla y va con metralletas, que te hará disfrutar de lo lindo con esta cinta. Con una Zoe Saldana que hasta pintada de verde es hermosa y de lo más atractiva, Guardianes de la galaxia presume de ser una película colorida, ocurrente, graciosa, amena y muy entretenida. El elenco de actores es de lo más estrambótico y han sabido sacar de cada uno de ellos lo mejor. Me refiero por ejemplo a Dave Bautista, un tipo que borda su papel en esta película y que tiene la misma experiencia en la interpretación que mi vecino del primero A. Muchos dijeron que sería un esperpento de película, y es cierto que mucho se habló de que la película podría salir muy mal parada, pero nada más lejos, el experimento les ha funcionado absolutamente bien. Como no podía ser de otra manera, en esta historia vemos como un malo malísimo amenaza con destrozar toda la galaxia con una misteriosa esfera que ha robado Peter Quill, más conocido como Star-Lord (Chris Pratt), y que junto a su cuadrilla intentará que no caiga en manos de Ronan, el villano de esta película. Guardianes de la galaxia es un soplo de aire fresco al cine de ciencia ficción, sobre todo, para la franquicia Marvel. Con un guión inteligente e irónico, asistimos a una película que absorbe el encanto de las pelis de Sci-Fi de los años 80, con unos efectos visuales a la altura de las expectativas y repleta de temazos de la década de los 70 y 80 que hacen de la película algo de lo más goloso y apetecible. Me alegro mucho por el éxito de esta película pues sus personajes hasta la fecha, no eran conocidos por el público salvo por los amantes más doctos del mundo del cómic y ha conseguido acaparar la atención de todos.

Lucy

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Un Zas, en toda la boca, es lo que me ha hecho Lucy. En mi defensa diré que los anuncios que se emitían de ella se ha vendido muy mal esta película, mostrándola de lo más simplona. Pero las mejores películas ya las había visto y nos apetecía mucho ir anoche al cine, eso, y que las ganas de ver a Scarlett son siempre muchas, nos decantamos por entrar a ver Lucy. Y no podría haber tenido un mejor plan para la noche de ayer, pues lo pasamos genial viendo esta película que para nada es lo que me esperaba. Si sólo esperaba ver a una chica atractiva dar golpes y más golpes, estaba equivocado. Desde el comienzo de esta cinta vemos a un Morgan Freeman filosofando sobre el ser humano y lo que esta raza ha conseguido. Son reflexiones pseudociéntificas y de lo más incoherentes, pero que realmente te dan que pensar, y eso es siempre bueno. La bella Scarlett Johansson encarna el papel de una mujer obligada a entregar un maletín a unos mafiosos chinos y que por accidente, contrae poderes sobrenaturales cuando insertan en ella una bolsa llena de una extraña droga que termina rompiéndose en su interior debido a una paliza recibida. Lucy, verá cómo su capacidad cerebral va constantemente en aumento haciendo que sus capacidades, físicas como psíquicas, crezcan a un ritmo imparable. ¿Qué sucede cuando el ser humano es capaz de controlar su cerebro al 100%? No lo sabemos. Desde luego lo que sucede en la película seguro que no. Pero me gustó mucho el mensaje espiritualista que deja esta cinta, desde que empieza hasta que acaba: cuando alcanzas la sabiduría, el verdadero conocimiento, te expandes, estás en todas partes. Quien vea la película sabrá de lo que hablo.

Todas ellas son películas que vienen la mar de bien para disfrutarlas en estas noches de verano.

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Tiburón, de Steven Spielberg [1975]

Jaws

Fuente: 4usky.com

Existen miedos que nunca desaparecerán. Como el miedo al mar, a los secretos que debajo esconde, y sobre todo, miedo a los dientes, dientes grandes de fauces enormes, poseídas por demonios marinos que pululan por las entrañas de un gigantesco paraíso subacuático. Esta película de Spielberg no ofrece nada nuevo, pues el miedo a los tiburones siempre ha existido y siempre existirá. Pero Steven Spielberg tiene algo que pocos directores poseen, y es esa tremenda capacidad de contarte cualquier cosa de tal manera que parezca algo extraordinario, nuevo, fascinante. Si a esto le sumamos que esta historia viene acompañada por los compases de John Williams (el mejor compositor de música cinematográfica), la película cobra un mayor sentido y nuestro miedo al mar, a los dientes, se acrecienta y nos quedamos pegados al sofá sin querer apartar la vista de la pantalla.

Steven Spielberg es de esos directores que en la década de los setenta y ochenta, crearon una nueva forma de hacer cine, toda una verdadera manera de marcar un antes y un después. En esos años tuvimos a Coppola y su trilogía de El Padrino, a George Lucas y su Guerra de Las Galaxias y a Martin Scorsese con Taxi Driver. Todos ellos y otros más, revolucionaron a lo grande el séptimo arte.

Tiburón fue un éxito rotundo, la película que encumbró al que está considerado uno de los mejores y más grandes directores de cine del mundo. Spielberg podrá gustare mucho o poco, pero sin duda, ha sido y es pieza fundamental en la historia del cine. Las cosas que tiene la vida…Spielberg estuvo a punto de abandonar la realización de esta cinta pues no le permitían grabar escenas en el mar, y qué cosas, al final acaba haciendo una película que con el tiempo se convertiría en todo un clásico. Esta cinta está basada en el libro de Peter Benchley, y Spielberg supo condensar ese libro en la gran pantalla. La película no sólo nos cuenta la historia de un tiburón que devora a personas. La historia trata sobre la desesperación de todo un pueblo que vive mayormente del turismo y comprueba que su economía se ve en peligro por las ansias de un tiburón por acabar con todo bañista que se tercie. De hecho, el director centra su atención precisamente en este punto durante la primera parte de esta película. Spielberg muestra cómo es el pueblo al completo, la manera de vivir de sus habitantes, sus quehaceres, intereses, y por supuesto, el miedo a perderlo todo por culpa ese escualo que tiene atemorizado a todos.

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Fuente: Google.es

La fotografía de esta película es impecable, ésta juega de forma espléndida mostrando el júbilo de los bañistas en la playa, la felicidad de los ciudadanos, todo eso adornando con el fondo de ensueño que aporta el azul del mar y la luz dorada del sol. La playa es el escenario de esta historia, por eso los que somos amantes del mar, del sol y la playa, vemos en esta película un plus más.

Leí no hace mucho que el rodaje de esta película fue todo un quebradero de cabeza. La maqueta del tiburón traía de los nervios, y qué decir de la barca con la que dan caza al tiburón, se hundió, teniendo que izarla de nuevo mientras se volvía a hundir en pleno rodaje.  Y precisamente en esa barca donde encontramos el mayor esplendor de los principales personajes de esta película. El tándem Scheider-Shaw-Dreyfuss es magistral en la segunda mitad de esta cinta. Son los héroes de esta historia, los que se juegan la vida para poner fin al temor de todo un pueblo. Necesito destacar brevemente la escena en la que los tres conversan a altas horas de la madrugada en la barca, una escena que me encantó por su tremendo calado. Quizás sea ahí el punto más álgido de estos tres héroes, los protagonistas de Tiburón.

Algo muy habitual en Spielberg es hacer que en sus películas, una persona totalmente corriente se enfrente a situaciones excepcionales, y es así como vemos que tres hombres se enfrentan a lo insólito. Tiburón fue la primera película de la historia del cine que pasó la barrera de los 100 millones de dólares en recaudación. Con los años, esta película no ha perdido nada en absoluto. Tiburón es desde hace décadas una habitual en la parrilla, una de esas películas que emiten todos los veranos y siempre acaba sentando a miles de personas ante la pantalla, pues consigue un efecto totalmente cautivador, expandiendo aún más ese terror que el humano siempre ha sentido por los monstruos y por las desconocidas profundidades marinas. Y eso lo consigue principalmente gracias a unas interpretaciones muy reales y al tratamiento tan adulto y serie que se le da a las escenas más terroríficas de esta película. En esta película parece que todo el mal que ronda por este mundo ha quedado encerrado en una bestia marina, ahora dueña caprichosa de la muerte, una muerte que en vez de una afilada guadaña posee unos aterrantes y afilados dientes que todo lo sesgan. La película trasmite tensión y mucho miedo.

Y es por esto que un joven director, que apenas había cumplido los 30 años de edad,  se consagra como el rey del cine. Desde esta película, Spielberg podía campar a sus anchas, tendiendo la posibilidad de elegir y pedir todo lo que quisiera a la hora de dirigir una nueva producción.

Muy pocas películas sobre monstruos o animales sanguinarios te provocaran tanto miedo como Jaws (como así se titula originalmente). Una película muy entretenida, tensa, que por momentos logra asfixiar al espectador en esos momentos de pánico provocados por los ataques del tiburón. No sé si catalogarla como cine de terror, de aventuras o suspense, pero sea cual sea su etiqueta, esta película hará que te pienses dos veces eso de meterte en el mar, y esto te lo está diciendo un surfista, que conste.

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Fuente: Google.es


Her – Spike Jonze [2013]

Her-716403893-largeAnoche vi esta película y quedé realmente fascinado con ella. Más que una película, podría decirse que es todo un experimento que muestra cómo nos relacionamos con toda la tecnología que nos rodea y cómo ésta influye en nuestras vidas. No exagero si os digo que esta película muestra uno de los mejores guiones del cine actual. Spike Jonze, que ya dirigió películas como Donde viven los monstruos (2009) o Cómo ser John Malkovich (1999), y que posee una enorme lista de seguidores por ser uno de los mejores cineastas de culto, ha sorprendido y encantado a todos con esta nueva película que además, sirve para adorar aún más a un gran actor como es Joaquin Phoneix, acompañado en esta ocasión por la adorable Amy Adams y brevemente por la hermosa Olivia Wilde.

Esta historia nos sitúa en un futuro no muy lejano, donde Theodore, un hombre afligido y a punto de divorciarse, decide comprar un novedoso sistema operativo, una auténtica Inteligencia Artificial, creada para complacer al usuario y ayudarle en la mayoría de sus quehaceres diarios. Y es ahí, cuando sorprendentemente, surge una relación romántica entre Theodore y su sistema operativo, una agradable voz femenina llamada Samantha (interpretada por la bellísima Scarlett Johansson).

El hecho de que Theodore trabaje para una empresa encargada de escribir cartas sentimentales a terceras personas, ya nos deja ver desde el primer momento hasta dónde han llegado las relaciones entre humanos en este futuro no tan lejano que se nos presenta. Me llamó mucho la atención ver cómo mucha gente en esta película contrata los servicios de una empresa para escribir una carta a una abuela, a un hermano, o a una pareja. Si echamos la vista atrás, y no muy lejos, comprobaremos lo muchísimo que hemos avanzado tecnológicamente, y lo que nos queda. Así que viendo la situación planteada en esta cinta, y sabiendo lo tremendamente fagocitados que estamos por la tecnología, uno piensa si no estará nuestra sociedad cerca de llegar hasta el punto que nos muestra esta película de Spike Jonze.

Poco a poco la relación entre Samantha y Theodore es más íntima. Tanto que Theodore ansía a cada momento entablar contacto con su sistema operativo, hasta tal punto que ambos acaban enamorándose. ¿Puede una persona enamorarse de un SO? ¿Y viceversa? Parece algo alocado. Pero, si eres una persona solitaria, sin suerte en lo sentimental, una persona prácticamente abatida a nivel emocional, y que de un día para otro, encuentras una voz que te escucha, que te hace sentir querido, importante, y que te da todo lo que anhelas, aun sabiendo que esa voz no tiene cuerpo y que proviene de una Inteligencia Artificial, no es de extrañar que nazca en la persona un fuerte apego.

Para los más escépticos, les diré que a una persona no se le deja de querer cuando ésta fallece. Esa persona ha muerto, y aun no estando de cuerpo presente, se le ama y se le anhela como siempre. Pues aquí podemos verlo desde esa perspectiva igualmente. Porque en definitiva, todo trata de con quién quieres estar y cómo quieres estar. Porque si algo te hace sentir feliz, eso ya es real, sea como sea.

El punto álgido de la película es sin duda el momento en que Samantha evoluciona. Gracias a su relación íntima con Theodore, entra en contacto con lo humano. Samantha será un ser que poco a poco evoluciona en el entorno en que se encuentra, un ser que crece y aun que no está programado para ello, experimenta cosas nuevas y ésta necesita seguir avanzando, saber qué más hay. La relación entre los dos te atrapará el corazón, a mí me conmovió desde el primer momento. Un amor puro, verdadero, mucho más sincero y honesto que muchos amoríos entre humanos. Para mí, inolvidable será por siempre la escena en la que ambos hacen el amor, un momento en el que la pantalla permanece en negro y sólo se oye lo que ambos se dicen en el uno al otro, la manera en la que quieren y desean amarse. Por momentos como este y por los excelentes diálogos entre ambos, esta película merece todos los halagos. Joaquin Phoenix pasa de ser el malo malísimo de las pelis que sólo él sabe cómo interpretar (véase Gladiator) para conmoverte con este papel de Theodore. En todo momento es palpable la fragilidad emocional del protagonista de esta historia y su relación con Samantha y sobre todo la tremenda sensibilidad que de ellos emana. Ésta es una película muy bella, con escenas muy sencillas y elegantes, y una fotografía vistosa y colorista. Una película altamente recomendada.

La ciencia ficción, amigos míos, abre una infinidad de puertas a todas aquellas personas que desean contar historias. Sólo el tiempo nos dirá si la realidad superará a esta ficción tan bien tratada y presentada. No es de extrañar que la cinta de Spike Jonze haya logrado hacerse con tantos premios y nominaciones, porque es sin duda una de las mejores películas actuales que puedes ver.


Nebraska – Alexander Payne [2013]

Estamos ante una película que muestra un enfrentamiento generacional de forma satírica y sencilla, y de nuevo, como toda buena road movie, el asfalto está presente a cada instante. Esta gran película es otro nuevo golpe de realidad que hará que cualquiera que la vea se muestre completamente condescendiente con los personajes que dan vida a esta historia.

Nebraska narra la dura historia de Woody Grant (Bruce Dern), un anciano con un pasado alcohólico, que no ha sido para nada un buen padre ni marido, y que decide poner rumbo hacia Nebraska para cobrar un supuesto premio de un millón de dólares que le había otorgado un papel publicitario (el típico timo de marketing). Woody cree haberse vuelto rico y prácticamente obliga a su hijo David (Will Forte) a emprender un viaje para ir a cobrar ese millón de dólares. Y es en ese viaje, amigos míos, donde la relación entre padre e hijo tornará inesperadamente. Porque por el camino se darán lecciones de dignidad, y seremos testigos de lo dura que es la vida en la América profunda para un pobre hombre que lo ha perdido todo o casi todo, que poco o nada le queda ya por hacer y por supuesto, seremos testigos de cómo el dinero lo cambia todo, de la inmensa marea llena de hipócritas e interesados en la que nos encontramos flotando.

Y de nuevo, sentimos la música en cada una de las escenas, una música que abraza al espectador y que aporta una banda sonora a la aventura de dos hombres, padre e hijo, que juntos buscarán una ilusión que les dé más sentido a sus vidas. Nebraska es otra joya del cine de autor norteamericano, una oda al padre que toda persona debería apreciar.

Ante un guion sencillo, aparecen unos personajes con una gran carga nostálgica y con cierto humor árido, personajes de interpretación clara, expresiva y cercana. Por otra parte, ha sido todo un acierto por parte del director recrear esta historia en blanco y negro, pues así no sólo la fotografía es más rica, sino que crea una atmósfera aún más personal, en el que los gestos y las miradas cobran una mayor relevancia. June Squibb interpreta a la mujer de Woody y en mi opinión, su interpretación no podría estar mejor hecha, una de las mejores interpretaciones de este año. Sin duda, June, Will y Bruce, forman un tándem magistral de actores.

Ante una carretera que parece no acabar nunca, entre campos de cereales y ante un inmenso cielo azul, padre e hijo se ponen en marcha, se viven de cerca el uno al otro, y ante miradas intensas que se cruzan, logran sentirse en compañía y en paz el uno con el otro.