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Milencora Xpress #6. RARE AOR 

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Fuente: shevchukart.com

Y aquí tenéis otro pequeño episodio dedicado a esas rarezas del AOR que no pueden nunca caer en el olvido. 8 temas AOR algo raros, tan raros como Make A Stand, un tema compuesto por los grandes Ric Olsen y Marty Frederiksen que puso música a una película juvenil llamada NINJA KIDS de 1986. Escuchad este tema con mucha atención porque lo vais a flipar con esos teclados y ese pedazo de guitarreo del maestro Olsen. Es un tema tan tan raro que junto a otro que compusieron para la misma película, Danger Love, son imposibles de encontrar en formato estudio. La canción de la que os hablo está sacada del audio de la película y es por eso que la notaréis algo rara de calidad con algún que otro sonido de fondo que pertenece a la película misma. Pero se oye bien y es un tema que disfrutaréis muchísimo. Atentos por supuesto a los otros temas que no tienen desperdicio, como Summer de los Nuclear Valdez o (I Need) A Little Love Tonight de Alan Barnes.

Suscribíos a este canal de Ivoox para estar atentos de los próximos episodios.

¡Buen fin de semana jóvenes!

Lista de canciones:

  1. Not Enough Hours In The Night – Vertigo
  2. Summer – Nuclear Valdez
  3. A Fire Burning – Chris Antblad
  4. Lyin’ Eyes – Vision Fields
  5. When I Close My Eyes – COSMO
  6. First Cruzh – Cruzh
  7. (I Need) A Little Love Tonight – The Alan Barnes Band –
  8. Make A Stand – Ric Olsen & Marty Frederiksen (Ninja Kids movie)

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Milencora. Episodio 11. AOR + VERANO. La combinación perfecta

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¡El programa que estabas esperando para este verano 2018!

Que el AOR anda bien ligado al verano de eso no hay duda. ¿Cuántas letras nos hablan de sol, playa, amigos y amores de verano? Muchísimas. Esta es para mí la música que más energía y buen feeling logra transmitir. Y no sólo por sus letras, sino por sus canciones tan melódicas y estribillos tan bailables y pegadizos.

En esta nueva selección de temas, os presento varias canciones AOR que tan idóneas resultan para poner banda sonora a un buen verano. Para mí es la música que más le va a esta estación del año. Una música estimulante que sólo invita al ánimo y al buen rollo. Estos son sólo algunos de los temas más veraniegos del mejor AOR que puedas escuchar.

AOR con sabor a VERANO. ¡A disfrutar! 

Desde Anhelarium.com y MILENCORA, os deseo a todos un grandísimo verano. ¡Sed felices!


Milencora. Episodio 10. Blue Tears y la historia de un gran músico, Gregg Fulkerson

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¡No puede haber verano sin AOR en Anhelarium.com!

En el verano de 2011 publiqué en mi blog un artículo donde hablaba sobre BLUE TEARS y la historia del gran músico que hubo tras esta magnífica y sensacional banda de AOR, Gregg Fulkerson. Ahora que desde hace unos meses estoy envuelto en este podcast musical, Blue Tears tenía que ser protagonista de alguno de los episodios de MILENCORA y en qué mejor momento que en este programa número 10.

Los que ya habéis escuchado este talk-show musical sabéis de sobra que no presento cualquier cosa, que la música que os pincho es de muchos quilates y es por eso que, si te apasiona el Rock melódico, sobre todo el de principios de los años 90, quédate y sube el volumen. Vas a disfrutar mogollón con este nuevo episodio.

Blue Tears nunca tuvo el reconocimiento y el éxito que mereció, algo que para mí, es una injusticia y una barbaridad, pues sus letras y sus canciones, su apasionante música, nada tiene que envidiar a la de grupos como Bon Jovi, Stryper, Bonfire o White Lion. En muy poco tiempo la banda demostró tener una energía desbordante y una calidad impresionante. Disfrutaron de un éxito tan fugaz que muchos en esos días apenas se percataron de la existencia de este grupo. Fue diez años después cuando, y gracias a internet, la música de esta banda comenzaba a propagarse. Una banda que, de haber salido a la palestra quizás unos añitos antes y de haber tenido el apoyo que se le negó, hubiera alcanzado un éxito mayor. Si no me crees, pégale una escucha a las canciones que ahora os presento. Muchas de las canciones que suenan en este episodio casi no salen a la luz jamás, eso sí que hubiera sido caótico. Si quieres saber por qué y conocer la historia de esta banda, dale al play.

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Chesney Hawkes – The One And Only [1991]

Qué sería de Anhelarium sin una entrada sobre AOR en pleno verano. ¡Nada! Perdería parte de su encanto, os lo digo yo, que de esto sé un rato. De entre todas las canciones que me marcaron de pequeño, tiene todo el sentido del mundo que alguna que otra fuera algún temón AOR. Como ya me pasara con Dreams de Van Halen allá por el año 1995 gracias a la peli de los Power Rangers (podéis leer sobre esta frikada que acabo de soltaros en este enlace) y que dejó en mí, aun sin yo saberlo, la semilla de este género musical que acabaría por germinar mucho tiempo después y me volvería un loco de remate de esta música, con este tema ocurrió algo similar. The One And Only es una canción lanzada en 1991 para catapultar a Chesney Hawkes, un adolescente británico hijo de una estrella del Rock y una conocida actriz. Esta canción fue número uno en muchos países, un rotundo éxito.  Incluso en España llegó al primer puesto al que se aferró durante algunas semanas en nuestra ya mítica lista de los 40 Principales. Es muy probable que, por esto último, la canción llegara a mis oídos. Y digo que tiene todo el sentido del mundo porque estábamos en los años 90 y el AOR aún tenía mucho que ofrecer aunque su inminente desatención por parte de los medios no tardaría en llegar. La llama del Adult Oriented Rock aún seguía muy viva y fue en los primeros años de dicha década cuando se parieron grandísimos discos que se conviertieron casi de manera automática en buques insignia del género consagrando de por vida al grupo de turno que les diera forma. Es el caso de Harem Scarem, Bad English, The Storm, y un grandísimo etcétera. Pero en ocasiones, no eran grandes discos los que asomaban sino sólo algunas canciones que despuntaban como es el caso de esta pegadiza canción de Chesney Hawkes. El disco es prescindible a más no poder, pero el tema en cuestión es una verdadera delicia.


Con este simpatiquísimo videoclip se presentaba al mundo este sensacional tema AOR, otro más para la colosal colección que uno puede aglutinar entre tantos y tantos discos que salieron en esos años. Ya hablé en Anhelarium sobre el AOR de los años noventa, con ese sonido tan especial que ni el mejor AOR de estos últimos años ha conseguido trasmitir. Quizás el AOR murió de éxito, pues esta radiofórmula no podía dar más de sí llegando a saturar al público en general mientras se abría a paso de mamut un estilo como el Grunge que hechizó a medio mundo y que acabaría por barrer del centro de atención al AOR.

Blue Tears
AOR + Verano
Y la historia de un gran músico  La combinación perfecta

El tema reune todos los elementos que debía tener una canción en aquellos días para que fuera un auténtico Hit. Ese guitarreo que tanto me recuerda a los temas de Mitch Malloy, un tema pomposo sobre cómo conquistar a tu chica y un estribillo ante el que no te queda más remedio que rendirte. Me acuerdo que en su momento y durante varios años tarareaba el estribillo en un inglés patético que no tenía nada que ver con el título de la canción hasta que, con los años, cuando me metí de lleno en esta música, busqué como loco este tema, pues su estribillo se me venía a la mente de manera habitual y, dando con él, volví a escucharla tropecientas mil veces más. Es ahora, en este verano de 2017 cuando tras haber estado mucho sin haberla escuchado, la disfruto de nuevo y me enamora como el primer día. Respecto a Chesney, no llegó a triunfar en el mundo de la música siendo además su trayectoria bastante corta y poco fructífera. A mediados de la década pasada volvió a estar en boca de todos por su participación en un reality de la televisión británica y, eso sí, no ha dejado de estar encima de los escenarios puntualmente para seguir deleitando al público con este gran tema.

Si llegáis esta entrada buscando info sobre AOR, no se os puede pasar visitar este mega post que tanto nos dio que hablar hace ya más de cuatro años. Con casi 400 comentarios, en él encontraréis una lista enorme de los mejores temas AOR que podáis escuchar.

¡A DISFRUTAR! ¡BUEN VERANO! 


FM + Romeo’s Daughter en Madrid

fm-logo-webbanner-96dpi-w435Oportunidad de oro para ver a uno de los mayores estandartes del AOR. No podía dejar pasar tal oportunidad, estaba muy ilusionado con la idea de poder ver en vivo y en directo a una de las bandas más importantes del género. Y digo que no podía dejar pasar esta oportunidad porque estos grupos son una reliquia, leyenda viva de la música, y llegará un momento en que grupos de la talla de FM dejen de girar y se retiren definitivamente de la música y con ello se acabe completamente la llama de ese AOR que tanto nos apasiona.  El AOR está vivo, pero a años luz de cómo lo estaba a finales de la década de los 80 y principio de los 90. Estas bandas ya no tienen esa demanda de antaño, no copan portadas ni se las sintoniza en las emisoras de radio. Este estilo de música, estas bandas, han quedado para un público muy concreto y minoritario. Por eso, para los amantes del Rock más melódico, el pasado sábado era una fecha marcada a fuego en el calendario. El pasado sábado pudimos disfrutar de una noche extrAORdinaria gracias a los británicos FM acompañados para la ocasión de otro grupo inglés,  Romeo’s Daughter,

La Sala Changó estaba llena y el ambiente fue en todo momento espectacular. Los integrantes de ambos grupos siempre se mostraron muy cercanos, tanto encima del escenario como tras su respectivos conciertos, donde salieron a saludar, firmar autógrafos y fotografiarse con todo aquél que lo pedía. Fue una noche redonda. Pude disfrutar del concierto de esta legendaria banda y hacerme varios selfies con ellos y darles las gracias por tan bonita actuación.

Romeo’s Daughter

Era la primera vez que Romeo’s Daughter pisaban España para ofrecer un concierto. Jamás lo habían hecho antes. Esta banda británica ha tenido una trayectoria muy irregular. Es bien conocida entre los fieles a esta música porque en el año 1988 sacaron su álbum debut homónimo. En su día el disco tuvo muy buena acogida y sigue a día de hoy gozando de una buena popularidad dentro de este mundillo del AOR. Su primer disco tenía ciertos toques a lo Def Leppard y hace ya bastantes años, cuando me aficioné a esta música metiéndome de lleno en ella, este disco me encantó. Tanto que me lo compré en vinilo. En el 93 volverían con otro disco de estudio, Delectable, con algún que otro tema resultón, pero sin ser lo mismo que el anterior. Y no fue hasta 2012 cuando decicieron reunirse para publicar Rapture, y dos años más tarde, en 2015, Spin. Ambos discos siguen la misma senda, con temas bastante curiosos y que tocaron el pasado sábado. Pero lejos, muy lejos, de la calidad y la magia de su disco homónimo del 88.

La encantadora Leigh Matty y sus compañeros, el guitarrista Craig Joiner, el bajista Ed Poole y el batería Andy Wells, salieron a escena algo tímidos al principio. Pero el grupo no tardó mucho en acomodarse y en llevar a cabo una cálida actuación. Su concierto fue muy breve, apenas unos cuarenta y cinco minutos. Durante ese tiempo hicieron gala de su elegancia a la hora de interpretar sus temas. Comenzaron con uno de sus mayores éxitos, Heaven in The Back Seat, de su disco debut, siguiendo con Attracted To The Animal del siguiente disco, Delectable. Tras ellos, se decantaron por presentar en este su primer concierto en España, temas de sus discos más recientes, Rapture (2012) y Spin (2015). Esos temas fueron Touch, Radio, y un tema muy hermoso como Bittersuite. Para cerrar su pequeño show, tiraron nuevamente de temas clásicos como Inside Out o I Cry Myself To Sleep, este último, una verdadera preciosidad. Romeo’s Daughter tuvo una gran acogida, la gente se entregó mucho en su actuación y, por la cara de felicidad de Leigh Matty tras el concierto, se podía apreciar que para ella, haber venido a Madrid con su banda había sido una idea muy acertada y sobre todo, inolvidable.

FM

Sí, a estas alturas ver a FM en directo es un privilegio, pero lo es aún más si la banda está de gira celebrando el 30 aniversario de su debut discográfico Indiscreet presentándolo íntegramente. Esta banda es de esas excepciones que quedan del clásico AOR. Porque la mayoría están retiradas desde hace años. FM supo adaptarse a los cambios, supieron ver y entender que el futuro de no les depararía el éxito que un día cosecharon. Pero ahí han seguido y, tras sus dos primeros trabajos, por los que fueron y son mundialmente conocidos, siguieron apostando por su música, publicando regularmente nuevos discs como Takin’ It to the Streets (1991), Aphrodisiac (1992), Dead Man’s Shoes (1995), Metropolis (2010), Rockville I y II (2013) o Heroes And Villains (2015). Ahora, cuando Indiscreet cumple treinta añazos, deciden salir a la carretera y dejarnos conciertos como el del pasado sábado.

17 fueron los temas que sonaron, siendo el primero de ellos Digging up the dirt, de su último disco Heroes and Villains. La pantalla que llevaban de fondo cambiaba con cada canción. Para el siguiente tema, aparecía de fondo la portada de Indiscreet, haciéndonos ver que el tema que iba a sonar era de ese disco. Y así sonó I belong to the night, una de las perlas de ese gran disco. El grupo, compuesto por el gran Steve Overland,  el bajista Merv Goldsworthy, el guitarrista Jim Kirkpatrick, el teclista Jem Davies y el baterista Pete Jupp, volvieron a la carga con su último disco de estudio para regalarnos en directo Life is a highway. Quedé muy impresionado durante todo el concierto con la voz de Overland. Es impresionante cómo conserva la voz que lucía hace treinta años. Tiene una de las voces más prodigiosas del Rock melódico, es idílica para este género musical. con la magia de su voz, nos volvió a regresar al pasado con Let love be the leader, para llegar al punto más álgido con Frozen Heart, con un Overland descomunal. Y sólo habían pasado cinco canciones, aún quedaban muchas más. Desde luego fue una noche perfecta. Siguieron con otro temazo de la banda como es Someday (you’ll come running), uno de los mejores temas de su disco Tough It Out de 1989 y particularmente uno de mis preferidos de la banda. Pero la impresión y sobre todo, la emoción, fue en aumento cuando tras este gran tema sonaron Face to face, y Love lies dying. Pasamos a temas más rockeros como Heart of the matter y  Hot wired. Siguieron con más temas clásicos como Bad luckTough it out y la irresistible That girl, que personalmente me maravilló, fue todo un momentazo, pues es otra de mis canciones predilectas de estos británicos. Con Burning my heart down volvieron a hacer un guiño al disco Tough it out de 1989. De este disco me gusta absolutamente todo, hasta su portada, que me parece chulísima y la mar de simpática.

El concierto iba llegando a su fin y ellos regresaron a escena para contentarnos con los bises. Tres eran las canciones que tenían preparadas para poner el broche final a una noche única e irrepetible. Story of my life, de su Rockville, publicado en 2013. Aquí vimos al mejor Overland de la noche, cantando él solito gran parte del tema, dejando a todos embobados por su arte. Impresionante. Tras ese gran momento, comenzaron su despedida con todos grandísimos temas de su Indiscreet, Other side of midnight y American girls.

Ya sabéis de mi debilidad por el AOR ochentero y noventero, el verdadero AOR, el mejor AOR que puedas escuchar y el que por desgracia, jamás volverá. ¿Entiendes ahora por qué no podía faltar a esta cita? Tenía que ver a estos músicos, sentir su música desde muy cerca, para que ese momento marcara mi vida para siempre. Soy melómano, y un fanático de esta música en concreto. No os podéis imaginar lo que para mí fue estar allí el sábado pasado, apreciar en primera fila su música y conocerles luego en persona. Por si fuera poco, iba acompañado de mi agradable amiga Jazmín y de varios amigos más que hicieron con su compañía que la noche fuera aún más perfecta si cabe.



West Coast. Sí, definitivamente es la mejor música para una puesta de Sol

Hace años, cuando inauguré Anhelarium, publicaba una entrada sobre uno de mis discos favoritos, West Of Sunset, un gran álbum que refleja como ninguno la esencia del mejor West Coast. Eternamente ligado al AOR, este estilo musical para mi es toda una delicia, y de una manera concisa y cariñosa, me apetece dedicar este nuevo post en forma de homenaje a esta música que tan buenos momentos lleva regalándome durante todos estos años. Lo primero que se me viene a la cabeza cuando intento describirle a alguien qué es el West Coast, es que es un AOR suave, más melancólico y tranquilo. Pero cuando uno habla sobre el origen del término West Coast como manera de etiquetar esta música, viene de maravilla traer a colación una anécdota que oí hace años de un viejo rockero. Este se encontraba en San Francisco (California) de vacaciones y decidió recorrerse algunas de las mejores y más legendarias tiendas de discos de la ciudad. Siendo un apasionado de esta música, por cada tienda a la que entraba, preguntaba por el West Coast y todos los dependientes, algo extrañados, le contestaban diciendo que West Coast era la parte de Estados Unidos donde se encontraba. Ninguno parecía conocer ese estilo de música llamado West Coast, porque ninguno relacionaba tal música con ese nombre. Y es curioso porque, en la Virgin de los Campos Elíseos de Paris, hay una sección dedicada sola y exclusivamente al West Coast. Eh, ¿hola? Es sencillo, precisamente fue en Francia donde se acuñó el término West Coast y de ahí que los europeos tildemos esta buena música como West Coast y los propios melómanos de la Costa Oeste de mi añorada Norteamérica ni tan siquiera lo hagan. Para ellos, es simplemente Rock-Pop, Soft Aor, o Rock jazzero sin más.

Y ya que sale el Jazz por aquí, me viene de perlas para comentar algo más acerca del West Coast.  Porque, como dije anteriormente, este estilo de música estará eternamente ligado al AOR pero, lo que más lo diferencia del Adult Oriented Rock no es sólo su ritmo pausado, sino que es mucho más divergente hacia distintas ramas musicales como el Jazz contemporáneo o Smooth Jazz. Incluso algunos discos de West Coast nos hacen escuchar algo de música Tecno o también conocido como High Tech. Pero algunos van más allá y combinan algo de música New Age o Folk. Tomemos como ejemplo el Belief de DARE o a Kip Winger. El Pop por supuesto tiene su hueco en este género musical, sobre todo aportando la parte más comercial, y un buen ejemplo lo tenemos en George & G y su So Much To Say o a David Pack. Hasta el Christian Rock tiene su cabida en el West Coast, como sucede en la música de Curtis Chapman, músico cristiano estadounidense. Así, el West Coast es un cruce de caminos que tiene su origen en el AOR y que se abre paso por varias sendas musicales.

Todo esto también me hace pensar que realmente el West Coast no es un estilo musical con una identidad propia. Hace unos años comentaba con otro rockero en un foro en el que participaba que si le preguntaran al bajista de Iron Maiden qué tipo de música toca, éste respondería sin dudarlo que Heavy Metal, o Hard Rock si le preguntaran al batería de Motley Crüe. De lo contrario, si preguntas a casi todos los músicos de grupos que muchos tildan de West Coast, es muy probable que muchos de ellos no tengan ni pajolera idea de lo que les hablas. ¿West Coast? ¿Qué es eso, se come? Por lo tanto, podemos pensar que el West Coast no es un tipo de música en concreto ni en particular, y que los músicos no se centran en hacer este tipo de música sino que sale de la propia fusión musical y son los propios amantes de este sonido los que utilizan el término West Coast cuando contemplan a una banda que fusiona el AOR con otros estilos creando así una música más dulzona y apacible.

La música West Coast nos ofrece de manera más sosegada y melancólica letras cargadas de sentimiento pero igualmente avezadas con muy buenas melodías y estribillos directos y cautivadores. La temática gira, como era de esperar, en torno al amor, a todos los estados que el enamoramiento conlleva, pero adornada de muchas puestas de sol, playa y noches inolvidables. Es una música que para los que nos enamora el estilo de vida californiano, es lo más. Aquí os dejo algunos de los temas West Coast que más me gustan, que ahora que se acerca el veranito, vienen como anillo al dedo. Algunos temas se remontan al origen del West Coast y otros son de los años noventa, donde este genero ganó más reputación y ganó en calidad. En la actualidad, son pocos los grupos que se embarcan en hacer esta música, pero los hay y por supuesto, tendrán su cabida en Anhelarium en próximas entradas. Disfruten de esta música tan agradable, buen fin de semana, amigos míos.

 

 

 

 

 

 

 


AOR + Verano = la combinación perfecta

Que el AOR anda bien ligado al verano de eso no hay duda. ¿Cuántas letras nos hablan de sol, playa, amigos y amores de verano? Muchísimas. Esta es para mí la música que más energía y buen feeling logra transmitirme. Por eso esta entrada quiero que sea un breve homenaje a algunos de esos temas AOR que tan idóneos resultan para poner banda sonora a un buen verano. Para mí es la música que más le va a esta estación del año. Una música estimulante que sólo invita al ánimo y al buen rollo. Muchos de estos temas los asocio a veranos distintos, me gusta impregnar cada canción de momentos o recuerdos agradables para que al escucharlos me empapen aún más de buenas vibraciones. Así, sin enrollarme más, estos son sólo algunos de los temas más veraniegos del mejor AOR que puedas escuchar. ¡Sube el volumen y disfruta!

(más…)


Revolutions Saints [2015] Instantáneamente, disco del año

Grunge rust metal surface with vignette.

La banda está formada por el guitarrista Doug Aldrich (Whitesnake, Dio), el baterista Deen Castronovo (Journey, Ozzy Osbourne, Bad English, Cacophony) y el bajista Jack Blades (Night Ranger, Damn Yankees). Así que nada malo podría salir de ella. Y efectivamente, para mí el disco presentado por esta nueva formación, un auténtico supergrupo, es el más indicado a ser el disco del año en su género.

Los incondicionales de esta música sabemos perfectamente lo que un disco como este supone para nosotros. Caemos completamente rendidos cuando escuchamos canciones de este calado. Quizás a estas alturas para muchos esta música ya esté muy manida, de fórmula sencilla, que nada nuevo puede aportar. Son cosas que leo de vez en cuando por parte de esos que entienden mucho de música. Los mismos que no se han escuchado un disco de Led Zeppelin en su vida y van diciendo que tal o cual grupo del underground más profundo son lo mejor que han escuchado en sus vidas. Yo no puedo estar más en desacuerdo. La música es pasión, y ésta no entiende de límites. Como la vida misma. Crear de la nada una canción tan henchida de energía, vivacidad, sonoridad y gigantesca melodía, no es fácil. Concebir de la nada canciones que logren llevar a una persona del hastío al entusiasmo, es toda una proeza.

Las canciones que contiene este disco son un auténtico arranque, puro apasionamiento. Era de esperar y más teniendo en cuenta la de tablas que tienen sus componentes y la de ganas que hay que tener para, a estas alturas de la película, estar tan motivados por engendrar una nueva banda y comenzar un nuevo camino en la música. Para mí es admirable que estos tipos tengan la misma ansia por seguir haciendo esta música, su música, tras tantos y tantos años. Mantener el espíritu joven lo llaman. Como he dicho, este disco de Revoutions Saints tiene todos los papeles para convertirse en el disco del año, si no lo es ya, aunque aún queda mucho de este 2015. Por si fuera poco, en él colaboran artistas como Neal Schon, guitarrista líder de la mítica banda Journey y Arnel Pinea, su actual vocalista desde hace ya unos años.

Comienza este gran proyecto con Back On My Trail, todo un derroche de fuerza para empezar con el disco. Un disco que es de esos que no decaen, en el que todos sus temas mantienen el nivel de las anteriores. Para mí, desde la primera escucha, pasó a convertirse en todo un estandarte del Hard Rock más melódico, ya que dentro de este estilo, discos de este calibre ya salen bien pocos. Turn Back Time es sin duda el plato fuerte (me gusta llamar así a las mejores canciones de un disco). Hacía mucho tiempo que no quedaba tan seducido por una canción. Su melodía es trepidante y el estribillo pegajoso a más no poder. No te la quitas de la cabeza. Es de esos temas que escuchas en modo replay sin cansarte.

revolution-saints

You’re Not Alone, donde a las voces aparece Arnel Pineda es un magnifico medio tiempo, y no es el único en este disco. Bendita vehemencia. Una canción para enmarcar. Las guitarras cobran mucho protagonismo en Locked Out Of Paradise, suenan de escándalo y siempre acompañadas de una melodía de gran nivel. Con Way To The Sun (en esta ocasión junto a Neal Schon) tenemos otro medio tiempo enriquecedor, de corte más moderno pero sin perder esos aires clásicos. Todos son temas sobresalientes, pero el siguiente corte es de los más formidables. Me refiero a Dream On, y escuchándola es imposible no acordarse de los Journey actuales. Esta canción es Journey 100%, y no es de extrañar estando el señor Castronovo presente, la influencia es inevitable.

Difícil encontrar un disco con tanto medio tiempo de calidad. Don’t Walk Away roza la perfección. Es sin duda alguna la que más romanticismo demuestra. Decir que la voz de Deen Castronovo me parece realmente idílica para este estilo de música. Una voz a medida. Le sigue otro tema de la misma medida, Here Forever, de mayor fuerza y melodía. Siento si me repito, pero me encandila la condición de estas canciones. Todas de gran encaje. Esto es lo que se dice, un auténtico discazo.

De vueltas con el Hard Rock más clásico, tenemos Strangers To This Life y Better World. Con esta última de nuevo sientes como si escucharas a los mejores Journey sobre todo en esas estrofas que preceden al estribillo. De un corte más moderno es How To Mend A Broken Heart, y sobre todo más cañero, donde las guitarras se agudizan y la batería se vuelve más pesada. Y de nuevo, un señor estribillo. El disco como comprobaréis, no decae. Es pura energía.

Y por si alguien puede pensar por un instante al leer esta reseña que soy un tanto exagerado a la hora de describir estas canciones, le invito que escuche In The Name Of The Father. Venga. ¿Os parezco exagerado aún? ¡A mí me faltan las palabras para lograr referirme y, además brevemente, a este tipo de canciones!

ExtrAORdinaria música, amigos míos…



Harem Scarem [1991] – El mayor estandarte del AOR

Este disco representa la esencia del AOR de aquellos primeros años de la década de los noventa. El debut de estos canadienses es el mayor ejemplo de lo que siempre ha querido trasmitir este estilo de música: melodía, romanticismo, entusiasmo, optimismo. Fueron los años dorados del AOR y discos como este acentuaron aún más, y de qué manera, la imponente corriente musical de aquella maravillosa época. Algo irrepetible parece ser, y más viendo la música que prima hoy día. Además, este disco es el mayor culpable de que acabara completamente seducido por esta música y de que jamás pueda apartarme de ella. Como melómano intratable, la música es el motor de mi vida, y me dejo atrapar por sonidos dispares, por una cantidad de grupos y estilos varios. Pero el AOR me lleva donde no me lleva ninguna otra música, y gran parte de las canciones de este disco tienen un efecto único en mí, logran transmitirme como pocas, toda la energía que uno espera recibir al escuchar buena música.

Harem_Scarem_-_Harem_Scarem_-_FrontEl disco no puede comenzar mejor y desde los primeros segundos ya somos abordados por una melodía alegre, pegadiza. Hard To Love es el tema que abre el disco debut del grupo Harem Scarem, grupo liderado por su vocalista y principal compositor, Harry Hess. Es de esperar encontrarse en un disco de este tipo canciones donde abunden los teclados, las guitarras más armoniosas y estribillos pegadizos, porque son elementos clave en la música AOR, pero dejadme que os diga, que no considero nada fácil crear con ello canciones como las que presenta este trabajo, pues llevan a la más alta cima esta manera de componer, y como ejemplo de todo lo que pretendo decir, es el siguiente tema, Distant Memory, un medio tiempo directo, donde asoma ese romanticismo del que os hablaba antes, uno que no pretende ser empalagoso, sino natural, cercano, real. Las letras de este disco no las considero nada pomposas, y es que de letras facilonas el Rock anda sobrado. Por eso considero este disco una autentica proeza del AOR, porque sus letras, como bien refleja With A Little Love o el tema que le sigue, Honestly, uno de los temas insignia de esta banda, no caen en lo repetitivo, en esas letras y ritmos ya manidos en el AOR, sino que cobran el mismo protagonismo que la melodía que las envuelve. El primero, todo un surtidor de melodía y fuerza, y el segundo, una power ballad que pone los vellos de punta. Tras Love Reaction, nos venimos de nuevo arriba y el grupo te hace abrir boca para lo que sigue a continuación: el que es uno de los temas más reconocidos por los apasionados de esta música: Slowly Slipping Away. Probablemente sea la canción que más he escuchado en mi vida, una canción de la que nunca podría prescindir, pues es de las encargadas de amenizar mi vida, es la que pone la banda sonora en esos momentos donde me siento feliz, entusiasmado, esos en los que nada ni nadie me quitan esas ganas que a uno le entran de comerse el mundo. Esta canción es como el buen vino que acompaña a una rica cena. Es la compañera perfecta para esos momentos en los que uno parece acariciar la felicidad con las manos. Exquisita melodía, estribillo inmejorable, letra sentida, directa, puro AOR.

All Over Again sigue manteniéndote en esa onda de optimismo y emoción, y junto con la bailable Don’t Give Your Heart Away, realmente provocan que te entren ganas de comerte el mundo. Excelentes coros y unas guitarras acertadas, sin estridencia alguna y sobradas de ritmo, hacen el puente perfecto para, y como digo muy a menudo, otro de los platos fuertes de este discazo, How Long. Con temas como este no es de extrañar que la banda fuese catapultada a la fama de manera casi instantánea. Harem Scarem comenzaba a estar en boca de todos y pronto se convirtió en referencia para muchos otros grupos que sin cesar, repetían esta fórmula que tanto éxito cosechó hace ya más de veinte años. Para cerrar este disco de culto para los fieles amantes de esta música, Something To Say, un melancólico tema acústico. Aunque para acústicos, los que acompañan la edición de lujo de este trabajo, donde encontramos tres bonus track, acústicos de Slowly Slipping Away, How Long y Hard To Love. Casi nada.

De los mayores trabajos que se han hecho en esto del Rock melódico. Un disco por el que no pasan los años, del que es imposible no sentirse atraído e impregnado por su alta dosis de positividad y extraordinaria melodía.



1st Avenue – Tears And Triumph [1992] – Otro imprescindible del AOR

Tremendo disco que se marcaron estos holandeses a principios de los 90. Un disco que combina elegantes temas al más puro estilo AOR con otros más encauzados al Hard Rock. Esta banda publicó dos discos solamente, este del que os hablo a continuación y Daily Battle de 1994. Una pena que, por las razones que fueran, esta banda no diera para más, sobre todo su cantante, Peter Strykes, pues percibirás desde el primer instante el vozarrón que se marcaba en esos años, sobre todo en temas como You Forsake Me.

Como es de esperar en disco de esta etiqueta, volvemos a disfrutar de teclados potentes y melódicos, guitarras intensas y enérgicas y temas cargados de melodía por los cuatro costados. Un disco de Rock melódico, muy influenciado por artistas de la época como Zinatra, los ingleses Magnum o Robby Valentine, quien además colabora en este trabajo.

El disco está cargadísimo de canciones asombrosas de las que no dejan indiferente a ninguno de los amantes de este Rock tan armonioso. Temas como When The Night Is Gone, quizás el más impetuoso junto con Heaven In Your Arms, mi preferida de esta banda holandesa que despareció con el tiempo. Con temas como Once In A Million Years, otro de los platos fuertes del disco, vemos que el nivel compositivo es brillante, llena de sentimiento, y qué decir del nivel vocal de Strykes, una voz con un agarre espectacular, idílica para este tipo de música.

Never Too Late To Live, Hel Me Out, o Tears And Triumph, son temás más rápidos que hacen el disco mucho más variable y que compactan el que es sin duda alguna una de las obras imprescindibles del AOR, una masterpiece del Rock puro Rock.


Mi etapa favorita de Bad Company

Brian-Howe-of-Bad-CompanyMe centro en la que es la etapa que más me gusta del grupo, la época con Brian Howe a la voz. Estamos ante un supergrupo formado en la década de los 70 por el que han pasado verdaderas leyendas del Rock, como el mismísimo Paul Rodgers, una banda con una prolífica discografía y que ha dejado para la historia grandes discos, sin ir más lejos, su debut homónimo de 1974, Run With The Pack o Desolation Angels entre muchos otros. Y aun gustándome todos sus discos, hoy con esta breve entrada hago hueco en Anhelarium a la que es mi era favorita de esta clásica banda. Hablo de los años comprendidos entre 1986-1994, los años de Brian Howe al frente y en los que la banda se acercó comprensiblemente a ese sonido Rock que tanto me apasiona, arrimándose al AOR tan característico de principios de los 90. Digo comprensiblemente porque en los primeros años de esa colorida década muchas bandas que acostumbraban a hacer un Rock más clásico y menos armonioso coquetearon con el AOR entre los centenares de bandas que ya practicaban este estilo de música, pues era el género musical que más fuerte pegaba por entonces.

Mientras Rodgers trabajaba junto a Jimmy Page en el que sería otro supergrupo, The Firm, los miembros que aún integraban Bad Company incorporaron a Brian, ex vocalista de Ted Nugent a la banda. Una vez recompuesta nuevamente, la banda contactó con Keith Olsen, productor de los afamados Foreigner para trabajar en el que sería el primer disco de la nueva formación de Bad Company. Esto, más el cambio en las filas del grupo, trajo consigo un nuevo sonido, un nuevo estilo de Rock con el que los chicos trajinarían sus nuevas composiciones. Se acoplaron teclados para dotar de melodía las nuevas canciones, se inspiraron en los grupos de Rock melódico que tanto sonaban en las emisoras de radio y televisión, y así es como debutaron con Fame And Fortune en pleno año de 1986. Su single de presentación, This Love, alcanzó un buen ranking en la listas de las canciones más sonadas. No era de extrañar que eligieran a Howe para este nuevo sendero a recorrer. Con este disco uno aprecia cómo la voz de Brian Howe es idílica para este tipo de Rock, ¡con Brian consiguieron justo lo que querían!

Tras unos nuevos cambios en el line-up del grupo, con Dangerous Age cosecharon un mayor éxito, y como ya hacían muchas bandas del género en esos años, también se subieron al carro de producir algunos vídeos musicales para que la MTV, que por aquél entonces era un buen canal de música, no la mierda que es ahora, los retransmitiera una y otra vez. Y así es como llegaron más éxitos de Bad Company como No Smoke Without A Fire, Shake It Up o One Night. Todos ellos llegaron a estar en el top 10 de las listas y gracias a ello obtuvieron un disco de oro.

Y con Holy Water, ya abriendo la década de los 90, ahora sí que arrasaron. Este tercer disco con Brian a la voz consiguió un enorme éxito, sedujo por completo a prensa y público y lógicamente fue un verdadero triunfo en ventas. El single que da nombre al álbum, Holy Water alcanzó el puesto #1 durante dos semanas en las listas, y con If You Needed Somebody, una de mis power balad favoritas, logró el puesto #2. Pero llegados a este punto no puedo olvidarme del que es uno de los temas AOR más intensos y enérgicos para mí, y hablo del segundo tema de este Holy Water titulado Walk Through Fire. Puro AOR noventero, como siempre digo, es una canción que lo tiene todo. Todo lo que es AOR es esta canción, y esta canción es puro AOR amigos míos.

Todas estas canciones les hicieron embarcarse en giras exitosas por todo el mundo. En 1991 compartían cartel con los Damn Yankees, una grandísima formación de la que ya hablé en Anhelarium hace un tiempo, rindiéndole un merecido homenaje. Llegamos al último disco de Bad Company con Brian Howe. Here Comes Trouble, álbum que data de 1992, lucía nuevamente con más temazos AOR como How Abaout That o This Could Be The One, y de nuevo, consiguieron otro disco de oro, ya que todos estos temas alcanzaron las primeras posiciones en todas las listas. Para cerrar esta magnífica e inolvidable etapa, la banda grabó un álbum en vivo, What You Hear Is What You Get: The Best of Bad Company durante la gira del Here Comes Trouble.

Inmejorable el aporte de esta banda al género AOR que tanto nos apasiona. Unos discos necesarios, esenciales para todos los apasionados del Rock melódico, cargados de temas irremplazables, vitales, poderosos. ¡AOR en su mayor esplendor!


Just If I – All One People [1993]

643e575c11ac3fcce2a3aa5696e27494Hacía tiempo que no reseñaba un disco de AOR en Anhelarium, es por eso que el disco elegido para esta especial ocasión es toda una rareza de este estilo musical. Me complace muchísimo retomar un post sobre el AOR y más si el disco del que os hablo es All One People, de Just If I, editado en 1993. Fue un proyecto de corta vida, sólo publicaron un álbum. Algo habitual en aquellos años dorados del Rock más melódico, en el que muchos artistas de bandas consagradas se juntaban para dar vida a proyectos musicales que a día de hoy siguen deleitando a los que amamos este género.

Que los músicos canadienses hayan sido los que probablemente más hayan aportado y enriquecido al AOR es algo que todos sabemos (Harem Scarem, Regatta, Dan Lucas…), por lo tanto, si sabiendo que las canciones escritas para este disco vienen de la mano de músicos canadienses como Noah ‘Neal’ Shilkin and Sam Kaleniuk, le sumamos que participan grandes artistas como Neal Schon, guitarrista de Journey y Mike Reno cantante de Loverboy, sabemos que no hará falta escuchar el disco para saber que estamos ante algo de una calidad asegurada.

Shilkin, Kaleniuk and Mike Reno escribieron todas las canciones, ellos además se encargaron de invitar al músico Humberto Gatica (Kenny Loggins, Michael McDonald, etc.) y a los productores y también amigos, Ken Sinnaeve & Matt Frenette (Loverboy, Streetheart) y por supuesto, a Neal Schon (Joureny, Hardline) para grabar este disco en el estudio de éste en Vancouver. El hecho de que Mike Reno esté tras la composición de los temas que conforman este disco, hace que el mismo tenga muchísimas similitudes con su banda Loverboy. La musicalidad es prácticamente la misma.

Muchos aseguran sin dudar que este disco posee las letras más hermosas jamás escuchadas en un disco de AOR. En mi opinión, tengo que decir que al leer sobre este disco, me esperaba mucha más melodía y estribillos pegadizos, más pomposidad, algo característico del AOR de los años 90. Pero en su defecto, bien es cierto que las letras de este álbum son una auténtica maravilla, todas irradian un gran sentimiento, derivando en canciones de mucho talento. Prueba de ello es la canción titulada Cindy’s Song, inspirada en la historia de una chica llamada Cindy que sufrió de pequeña abusos sexuales.

Canciones como Go Ahead And Cry, Carpe Diem, el brillante medio tiempo After The Storm, y la excepcional balada Anytime, Anywhere hacen que este disco sea excelente. Un disco perfectamente producido, una joya del AOR de principio de los 90, en definitiva, un disco altamente recomendado a los amantes y nostálgicos del mejor AOR.


Tim Feehan – Full Contact [1990] – ¡Un disco brillante, un AOR espectacular!

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Es de noche, estoy con una cervecita bien fresca y disfrutando de uno de los mejores discos de AOR de los añorados 90. En esta ocasión os hablo de Tim Feehan, un cantautor canadiense que desde 1980 lleva ofreciéndonos una música realmente excepcional. Full Contact es su quinto disco y os puedo asegurar que es el más notable de todos. El AOR es un estilo musical que a pesar de que nació a finales de los 70 y principios de los 80, donde más se desarrolló y donde más popularidad alcanzó fue a principios de la década de los 90. Fue en esos años donde este estilo consiguió expandirse, el AOR era un diamante recién pulido y desplegó toda su naturaleza, dejando constancia minuto a minuto en todas las emisoras de radio de medio mundo que era la música por excelencia de aquellos maravillosos años.

Full Contact es un ejemplo más de la tremenda cantidad de discos que a lo largo de esos años se reproducían sin parar. Un Rock extremadamente melódico, alegre, enérgico, y es que, amigos míos, creo que éstas son las palabras que mejor lo definen a este estilo y por supuesto, a este grandísimo álbum.

El disco comienza con un tema que desde el primer momento añadí a mi lista de preferencias, a esa lista de canciones, canciones que siempre me acompañan en mi día a día, canciones que son la banda sonora de mi vida. Os hablo de Heart In Pieces, un tema guerrero, con un estribillo y unos coros que incitan a apreciar la vida de otro color. Su comienzo hace ver que es un tema que no dejará indiferente a nadie. Es el tema perfecto para impregnarlo con tus mejores recuerdos.

When you hear the thunder,
when you hear the sound of a mountain crashing down,
it’s just my heart in pieces.
When I feel the hunger,
when I’m reaching out with a hundred thousand hands,
it’s my heart in pieces.

Pero la cosa no queda ahí, amigos míos, porque el disco está cargado de temas formidables, como este que le sigue, It Ain’t Easy. Melancólico y sentido tema, y de nuevo, disfrutamos de unas guitarras potentes, firmes y dinámicas, y como no podría ser de otra manera, volvemos a deleitarnos con otro portentoso estribillo sobresaliente. La guitarra que suena en esta canción es fenomenal, muy intensa  y rítmica. Si es la primera vez que escuchas este disco, el señor Feehan te sorprenderá ahora con un nostálgico tema de un gusto distinguido y elegante. Somebody Else’s Moment es uno de esos medios tiempos que te ponen el vello de punta al instante. ¡Magnífica canción amigos! Stand y Dive son los temas que le siguen y hacen que este disco ya esté en la cima. ¡Rock puro Rock!

Can’t Let Go es otro de los platos fuertes de este Full Contact, un tema con garra, más rápido y potente que los anteriores, pero igual de efectivo, porque es de esos temas cuyo estribillo hacen bailar tu alma. No me extrañaría que este tema se convirtiera en uno de tus favoritos, porque no es para menos. Y como sólo ocurren en aquellos discos que son considerados como los portaestandartes de su género, el disco en su recta final ofrece temas iguales de capaces y poderosos, como Feel It Believe It, Just Like You And Me, y otro estupendo medio tiempo, Look Before You Leap, más íntimo y sentimental que el anterior, pero con la misma energía y poderío.

Este es un disco que no puedes dejar pasar si te gusta el Rock más auténtico, si de verdad aprecias y valoras la buena música, y sobre todo si recuerdas con nostalgia esos años tan dorados y que siempre están en nuestro recuerdo.

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¡Gracias Power Rangers!

A veces soñaba con ser el ranger rojo, otras veces el verde, y por último, soñaba ser el blanco, el White Ranger. Todos queríamos ser él. Tan majestuoso, tan imbatible, el líder perfecto para este grupo de superhéroes. Qué largos y buenos eran esos momentos en los que en el jardín de mi casa jugábamos a ser unos Power Rangers y gritábamos eso de: ¡A metamorforsearse!  Tuve la suerte de pasar mi infancia en aquellos años de la década de los noventa. Los Power Rangers marcaron a millones de niños, y así han hecho generación tras generación, porque los rangers fueron evolucionando, nuevos actores, nuevos trajes, nuevos poderes, nuevos nombres, nuevos enemigos. Pero, con todos mis respetos, como los primeros nada de nada, esos eran los auténticos, los que más pasiones levantaron. Quien no haya vivido esos años y con esa edad, no puede comprender lo que para muchos niños significaron esos héroes.

Yo, gracias a los Power Rangers, no sólo he pasado muy buenos momentos de mi infancia. No sólo recuerdo esos maravillosos e irrepetibles años. No sólo es una clásica y mítica serie infantil que me trae a la mente una buena época. Los Power Rangers me brindaron más que buenos momentos e inolvidables recuerdos. Ellos significan algo más para mí, pues los Power Rangers me mostraron algo más que dar patadas voladoras y combatir a los malos. Gracias a ellos, disfruté enormemente de algo nuevo, algo que por aquél entonces no sabía qué era,  se me abrió una puerta más, una que me ayudaba a imaginar mejor, a sentir mejor mis sueños, a vivir con más placidez. Seguid leyendo si queréis, y sabréis por qué…

Supongo que los que me conocéis bien ya os habréis hecho una idea. Era tal mi fascinación por esta enorme canción que ansioso le pedí a mi madre que por favor me comprara la cinta de la banda sonora de la película. Era verano de 1995 y había ido al cine a verla con un amigo de la infancia y su hermano. Recuerdo perfectamente que, aún con las luces encendidas y la sala de cine aún por llenar, ya estábamos ansiosos por ver la película, queríamos que empezara ya. Estuve con los ojos como platos durante toda la película, emocionado, impresionado, pero fue al final de la misma cuando conseguí excitarme aún más. Justo en la escena final, mientras los Power Rangers disfrutaban de una fiesta con espectáculo pirotécnico incluido, fue en ese instante cuando sonó el tema de Van Halen, Dreams. Una canción que pertenece al álbum 5150, publicado curiosamente justo el año en que nací, 1986. Tras tanta escena cargada de acción y momentos épicos, llegó una escena final cargada de emoción, con cierto toque melancólico y sobre todo, una escena brillante de energía y fuerza. Quedé totalmente prendado…

Fue ahí cuando todo comenzó, aún yo sin saberlo, fue ahí cuando me convertí en un melómano. Porque cuando regresamos de comprar el cassette con las canciones que formaban la banda sonora de la película, sin pensarlo me fui a la cara b de la misma, y rebobinando con afán, buscaba escuchar de nuevo esa canción. A los pocos días de ver la película, no me separaba de mi radio cassette rojo chillón, uno con pequeño micrófono amarillo incorporado para hacer karaoke y unas teclas del mismo color. Iba a todos lados con ese loro, mi loro, escuchando una y otra vez, una y otra vez, ese tema de Van Halen, uno de los mejores temas AOR que puedas escuchar, un tema que recoge a la perfección la pura esencia del Rock melódico.

No creáis que sabía lo que estaba escuchando, no, yo por aquél entonces no sabía nada de música, no tenía ni tan siquiera interés por saber qué músicos o qué grupo estaba detrás de esa canción, sólo sabía que amaba esa canción, que me ayudaba a soñar, ayudaba a que mis días fueran más felices, puso música a mi vida. Muchas fueron las canciones que cantaba en mi infancia y que adoraba escuchar, pero ésta fue la primera que me marcó profundamente.

Con el paso de los años dejé de escucharla aunque nunca salió de mi cabeza. Fue con quince años cuando comencé a sentir curiosidad por la música, en especial por el Heavy Metal y fue ahí cuando comenzó ese proceso, ahí fue cuando esa melomanía durmiente comenzaba a despertar. Como muchos adolescentes, comencé escuchando los acordes más duros del Rock, mucho Thrash, mucho Power y mucho Heavy Metal. Y con veintiún años, ya anhelaba escuchar otros estilos de Rock. Fue entonces cuando conocí los recodos más melódicos de este género musical, es ahí cuando rescaté aquella canción de Van Halen y comencé a indagar en estas melodías tan anímicas y alegres. Fue ahí cuando me enamoré del AOR y el Hard melódico.

Por supuesto, mención especial también para el tema oficial de la serie, la que abría y cerraba cada episodio y que todos los que fuimos niños en aquella época recordaremos con mucho cariño. ¡Puro Power Metal!

GO, GO,  POWER RANGERS!!


Someone’s Girl – Dan Lucas [1992]

Algunos piensan que verano y canción son dos conceptos que no deben ir de la mano y si lo hacen, nada bueno trae. Muchos hemos sufrido las típicas y tormentosas canciones veraniegas, de letras estúpidas y ritmos y bailes facilones, esos temas que tanto gustan en las radiofórmulas más costrosas y que ponen una y otra vez. Las típicas canciones del verano, odiosas como ellas solas, que las oyes repetirse sin parar allá donde vayas y luego acaban todas juntitas formando un disco recopilatorio del verano que luego nadie compra. Canción y verano, dos conceptos que recuerdan a las bufonadas de Georgie Dann o a los esperpentos musicales de cantantes de la talla de David Civera u otros artistas impersonales.

Pero no, para nosotros esos dos terminos tienen un valor mucho más profundo. Amamos la música en general, sabemos apreciar la buena música tenga la etiqueta que tenga, no le hacemos ascos a nada, eso sí, tenemos nuestras prioridades. Lo que más nos gusta, ya lo sabéis, sólo hace falta echar un rápido vistazo por Anhelarium y veréis cómo el Hard Rock/AOR y el Heavy Metal, tienen un papel protagonista.

No solamente nos une una pasión por el mismo estilo de música, sino que además compartimos la misma manera de sentirla, de oirla, de vivirla. Nos gusta conocer nuevos grupos, nuevos temas, delitarnos con ellos y con la ayuda de aquellas canciones que más nos enamoran, sellar para el recuerdo un momento concreto de nuestras vidas. Cogemos esas canciones que tanto nos embelesan y en ellas, junto con nuestros sentimientos, impregnamos un recuerdo. De esta manera, por mucho que pase el tiempo, esa canción o canciones nos harán recordar siempre  algo o alguien que nunca querremos olvidar mientras vivamos.

AOR y verano sí son dos conceptos muy unidos. Ya os he hablado muchas veces de lo mucho que tiene que ver el verano con este género musical. Basta con ver los vídeos y escuchar los temas AOR, sobre todo los de principios de los años 90, época de mayor auge de este estilo, para saber cómo los grupos musicales de esta clase de música siempre tienen ese toque veraniego tanto en sus vídeos como en sus canciones, donde los temas están cargados de grandes ritmos y melodías, de estribillos emocionantes, bailables, y sus letras hablan en su mayoría sobre los amigos, los amores de verano, las fiestas, la playa, el disfrutar de la vida. Letras optimistas que invitan siempre al placer y la alegría.

A principios de verano descubrimos un disco de hace ya bastante tiempo, Canada, de Dan Lucas (1992). Para muchos puede parecer un tanto ridículo que a estas alturas andemos investigando discos de hace más de veinte años, pero el que es buen amante de la música, el que la vive de verdad, poco le importa eso. El disco es soberbio, elegante, toda una joya del AOR. Además, para los que nacímos en los ochenta, esto tiene un plus, ya que la canción que os presento aquí en Anhelarium no sólo la asociamos a este verano, sino que además nos trae al recuerdo esos años de nuestra infancia, aquellos años de la década de los 90 y los momentos vividos en esa época. Yo y mi nostálgia, eso es algo que nunca cambiará.

Es por eso, Néstor y Salva, que os dedico con todo mi cariño esta nueva entrada. La letra cuenta una historia que poco o nada tiene que ver con nosotros, pero la canción en sí reune todo lo que anhelamos en una canción AOR. Buen estribillo, buena melodía, una letra bonita y ese toque noventero que tanto nos gusta. Aquí la dejo, con un post solito para ella sola, porque es precisamente esta la canción de este verano 2013 y que en el futuro será de las canciones que mejor nos haga revivir estos días.

¡Un abrazo, amigos míos!

Intérprete: Dan Lucas

Album: Canada

Año: 1992

Título: Someone’s Girl

Letra:

Now I search my heart in vain
I have never felt this way, I’m feeling today
And with every step I take
Every desperate move I make
What can I say?

Though I’ve loved so many times before
A love like this won’t end
But I know that she’s the girl of my best friend

CHORUS
Something is changing my whole world
I feel love for someone’s girl
Maybe I’ve got what I deserve
(I feel love for someone’s girl)

Can’t go back although I should
And I never thought this could, could happen to me
Will I ever take his place?
How can I make it, lie to his face?
How can it be?

Now she makes me lose my sleep at night
No one did before
In my dreams I hear him knocking at my door

CHORUS
Something is changing my whole world
I feel love for someone’s girl
Maybe I’ve got what I deserve uuuhhh
(Someone’s girl)
Something is changing my whole world
I feel love for someone’s girl
Maybe I’ve got what I deserve

Can’t you hear me calling?
And stop me from falling?
(Supermegasolo)
I don’t wanna lose this feeling
Why can’t I dream on?

CHORUS
Something is changing my whole world
I feel love for someone’s girl
Maybe I’ve got what I deserve uuuhhh
(Someone’s girl)
Something is changing my whole world
I feel love for someone’s girl
Maybe I’ve got what I deserve
(I feel love for someone’s girl)


Blue Tears – Dancin’ On The Back Streets

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Hace ya casi dos años publiqué en Anhelarium un artículo en homenaje a Gregg Fulkerson y su banda, Blue Tears, un artículo al que le tengo un especial cariño, precisamente por el sentimiento que deposité en él, en cada una de sus líneas, y sobre todo, por lo importante que es la música de Blue Tears en mi vida. Fue precisamente dos años atrás cuando conocí casi de casualidad la música de esta fantástica banda. Sin duda fue Blue Tears la banda que puso la música de aquel verano de 2011 y la que ha acaparado buena parte de la banda sonora de mi vida. Desde entonces, no paro de escuchar sus canciones, éstas me acompañan siempre, a todos lados.

Pocas canciones me hacen sentir igual, tan complacido, tan ilusionado, tan vivo. Lo primero que me llamó la atención de este grupo fueron sus rítmicas melodías, sus estribillos tan diáfanos y alegres, tan pegadizos, pero sobre todo, sus medios tiempos y baladas, canciones cargadas de sentimiento, melancolía, y de nuevo, acompañadas por unos ritmos claros, una armonía perfecta, pura melodía.

En este disco, titulado Dancin’ On The Back Streets, Blue Tears presenta todas esas canciones que hubieran proseguido en esos años de primeros de los 90, las que hubieran continuado la buena onda iniciada con su álbum debut, allá por 1990. Pero la suerte nunca sonrió a Gregg y su banda, el destino quiso que esas canciones vieran la luz en 2005, año en que Gregg, al ver que la pasión por el AOR volvía a resurgir, que surgían grupos nuevos y un numeroso público mostraba interés por este género musical y sobre todo por Blue Tears, decidió editar este y otro disco más, Mad, Bad & Dangerous, disco que igualmente recoge todas esas canciones que la banda tenía preparadas pero que durante más de una década no vieron la luz. Según leí una de las veces que buscaba información sobre Blue Tears, Gregg comprobó cómo muchos amantes de esta música, tanto los más veteranos como los más jóvenes, buscaban como locos canciones de la banda en servidores de música y en foros. Fue Gregg quien subió él mismo los temas a la red y los compartió, y al ver el éxito y la crítica que todos estos temas tenían, la gran aceptación que asomaba, tanto él como la banda decidieron publicar estos dos discos.

En el primer artículo de Blue Tears hacía un breve repaso sobre la historia de Gregg y la banda y recomendaba sus mejores temas. Ahora quiero sólo centrarme en este disco, Dancin’ On The Back Streets, porque por supuesto, más adelante podréis disfrutar en Anhelarium de más artículos dedicados a Blue Tears.

En este álbum volvemos a encontrar auténticos temas, de una grandísima calidad. Siempre me preguntaré, qué hubiese sido si Blue Tears hubiera recibido la atención que se merecía, el apoyo mediático que otras bandas norteamericanas, y de muchísima menos calidad, tenían. No era de extrañar que las bandas norteamericanas tuvieran más prioridad en la MTV durante la eclosión del Hard Rock y Heavy Metal en la década de los 80 y 90. Bandas como Poison, Motley Crüe, Warrant, disfrutaban de una posición envidiable en los más importantes canales musicales tanto en televisión como en radio, pero Blue Tears, una humilde banda procedente de Tennessee, no tuvo lo que merecía. No quiero entrar en comparaciones, porque son odiosas, o eso se dice, pero quien tenga un criterio musical decente y objetivo, sabrá apreciar la música de esta banda y comprobará que nada tenía que envidiarle Blue Tears a grupos como los antes mencionados o incluso grupos de mayor repercusión como los primeros Bon Jovi. Y es que precisamente, si Bon Jovi hubiera sacado como singles algunos de los temas de Blue Tears, éstos hubieran sido todo un éxito mundial.

Hablo de temas como Forever Yours o Small Town Dreams. Canciones que denotan tanta índole, tanta garra y energía, que no entiendo cómo no han tenido una mayor notoriedad, porque muchas bandas matarían por haber compuesto temas como estos. Livin’ In The Movies, Loud Guitars, Fast Cars & Wild, Wild Women, o Summergirl son temas más tópicos del Hard Rock americano de la época, temas clónicos ya que salían grupos con canciones así por un tubo, era la moda, pero aun así, son temas que de haber tenido su hueco en las radios y en aquellos programas de la MTV, fijo que hubieran calado en la sociedad del momento, una sociedad volcada en este género musical que durante más de una década reinó contundentemente como nunca un estilo musical ha hecho.

Otros temas a destacar de este gran disco son Storm In My Heart, una canción conmovedora, enérgica, que no te dejaría nunca indiferente, o Dream Of Me, uno de mis temas favoritos de la banda, todo un portento de canción, con un toque de lo más épico y melódico, y una emotiva letra. En este disco hay un tema que tiene una curiosa historia detrás. Se trata de Date With Destiny, un tema que Gregg compuso para la banda Meat Loaf y que su cantante, Marvin Lee Aday, rechazó sin más miramiento. Si os fijáis bien, la canción se nota que está claramente compuesta para esta banda, ya que el ritmo y la sintonía utilizada es totalmente Meat Loaf al 100%. ¡Marvin se la perdió! Y gracias a que éste la rechazó, tenemos una de las canciones más bonitas que he podido escuchar, ya que Gregg la versionó a piano, dándole a la canción un enfoque apasionado, mucho más emotivo. La versión a piano de Date With Destiny es de los temas más logrados de la banda.

Todos los temas que encuentras en este disco son una auténtica maravilla, y no quiero parecer que pierdo la objetividad y me dejo llevar por la pasión que tengo por este grupo. Si le dedicáis el tiempo que se merecen, veréis que no exagero en lo más mínimo. Y otra prueba de ello es el tema Strong, tema que Gregg versionaría posteriormente en su último proyecto musical, Attraction 65.

Pero volvemos a los temas más altivos, con ese sonido tan noventero y anímico que solo el Hard Rock de la época supo transmitir. She’s Not Falling In Love es otro de esos temas con un estribillo y coros bailables, como también posee Do You Want Me, Hard Rock en su pura esencia. All Cried Out, Kiss And Tell y Slip And Fall, son otros temas que destaco principalmente por esa esencia tan hardrockera de la época, canciones que te trasladan a esos años de principio de los 90 y te invitan a recordar con añoranza. Sobre todo Slip And Fall, un tema soberbio, de esos que te gusta escuchar en un bar mientras disfrutas de tus buenos amigos y unas cervezas. Siempre que escucho este tema me imagino la misma escena: yo y unos amigos, en un antro de lo más rockero, y esa chica que tanto me gusta, al fondo del bar, sentada con sus amigas y lanzándome miradas con picardía. ¡Esta canción invita a uno a lanzarse de lleno!

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Muchas son las sensaciones que tengo cuando escucho la discografía de Blue Tears. Al principio, cuando comencé a meterme de lleno en su música, me encantaba descubrir todos y cada uno de los temas, me parecía increíble que una banda pudiera publicar tantísimos buenos temas, uno tras otro, sin ningún tema de relleno, todos aportando algo distinto, era como ir abriendo regalos, primero uno, luego otro, por cada canción, una sorpresa, por cada canción, una emoción. Es ahora, dos años después de haberles conocido, dos años en los que su música ha sido esencial en mi vida, y a día de hoy sigo sorprendiendome con cada escucha, donde descubro matices nuevos, pasajes instrumentales donde me recreo mejor que antes.

Me sigo llevando las manos a la cabeza cuando veo cómo temas así han caído durante tantos años en el olvido, cuando escucho estas canciones y veo cómo podrían haber calado en tantísima gente, porque al no tener la repercusión que se mereció, las composiciones de Gregg no han llegado a todos aquellos amantes del Rock más melódico y nostálgico, y es por eso que intento dar cierta cobertura a Blue Tears desde Anhelarium, porque sé que hay muchos ahí fuera, que no conocen esta música y seguro estarían encantados de conocerla, porque ahí fuera, sé que puede haber otra persona que como yo, quede prendada de la música de Blue Tears. Nunca es tarde para deleitarse, emocionarse y sentir con los nuestros, acompañados de una música así.

Gracias y mil veces gracias Gregg, gracias por estas canciones, porque cada una de ellas nos emociona y nos hace soñar de una forma distinta pero igual de apasionada. Dicen que los viejos rockeros nunca mueren, y estoy totalmente de acuerdo, Gregg siempre vivirá gracias a esta música que nos dejó.


Concierto acústico de Danny Vaughn y Eric Martin en Madrid

Llevo años deleitándome con la bonita voz de Eric Martin, una de las mejores voces del AOR. Conocí a este artista hace ya siete años. En el verano de 2006, el amigo de un amigo mío tenía como hobby el coleccionar videoclips que se bajaba de internet para posteriormente almacenarlos en esos cedes Verbatim de 700Mb. Aún guardo con mucho cariño la tarrina de discos llenos de videoclips que me regaló.  Era todo un sofrito entre grupos AOR/Hard Rock y Heavy Metal, tanto de la década de los ochenta, noventa y vídeos de grupos de los años dos mil. Una madrugada de ese mismo verano me puse uno a uno todos esos discos en el reproductor del salón y fue ahí donde supe de Eric Martin por primera vez. Hacía mucho calor, no tenía sueño, así que me abrí una cerveza y me puse cómodo en el sofá, quería pasar un buen rato escuchando música y sabía que seguro conocería algún tema o algún grupo que me encandilara. Entre esos vídeos se encontraba el de Mr.Big, concretamente el vídeo correspondiente a la canción Shine, la primera que escuché de ellos y sin duda, mi favorita del grupo.

No tenía ni idea de quiénes eran, no sabía nada del grupo que estaba viendo, pero la canción, por muy comercial que sonara, porque eso sí, la estética del video y del grupo y la canción en sí, no pegaba casi nada con la del resto de canciones de los grupos que en esos discos había, me encantó. Incluso llegué a pensar que a este chico se le había colado el vídeo ese sin querer en el recopilatorio. Lo curioso de todo fue que pensé que el cantante, Eric, era un chaval de unos veinte años, y cómo fue mi sorpresa cuando me enteré que en esos años era un cuarentón. ¡Y es que este hombre parece que ha hecho un pacto con el diablo! Ahora, metido en los cincuenta, sí se le notan los años, pero a principios y a mediados de la década pasada, realmente llamaba mucho la atención que con cuarenta años aparentara muchos menos. Mirad el vídeo de Shine y sabréis a lo que me refiero.

Dejando tonterías aparte; la canción me pareció fantástica y su voz me enamoró. Una voz rasgada, delicada, muy personal, tanto que durante todos estos años sólo he encontrado una voz que se le parezca, aunque salvando las distancias, y es el cantante de Heartland cuya voz se asemeja un tanto a la de Eric. Y es que eso precisamente me encanta, un cantante que tenga una voz totalmente única y reconocible. Como es el caso de Andi Deris, Bruce Dickinson, Michael Kiske, y por supuesto, Eric Martin. Son muchos los cantantes que poseen voces totalmente sorprendentes, como la voz de Danny Vaughn, pero cantantes con esa tonalidad de voz, hay muchos, cantante con voces potentes, con grandes agudos y demás los hay a montones, y es por eso que valoro mucho las voces tan personales y palpables, esas voces que reconoces al segundo.

Lógicamente me metí de lleno en la banda, escuché todos los discos de Mr.Big y Eric Martin en solitario, me enamoré de temas como To Be With You, Take Cover, Promise Here The Moon, Wild World, Everytime I Think Of You, These Are The Good Times y un gran etcétera. Canciones que formaron, desde la primera vez que las escuché, parte de la banda sonora de mi vida, canciones imprescindibles para mí.

El concierto comenzó con la actuación, igualmente en acústico, de Manuel Seoane, cuya banda ha sido reformada y donde la formación actual la constituye Johnny Benson (Bai Bang) a la batería, Tobbe Skogh (Carnival Sun) encargado del bajo, Mikkel Henderson (Fate) al teclado y el mismísimo Danny Vaughn (Tyketto) a la voz. No lo pudieron haber hecho mejor, tocando temas de su Burning Kingdom y una sensacional versión de Here I Go Again del supergrupo ochentero Whitesnake. Danny, al igual que Seoane, se mostró muy simpático y cariñoso con el público allí presente. Nos sorprendió a todos con la gran voz que posee. Sin duda Manuel Seoane ha hecho un magnífico fichaje para continuar con su grupo.

El momento esperado de la noche llegó cuando Eric se subió a la tarima. Ya sabía que era un tipo muy divertido y bromista, ¡pero no tanto! Estuvo durante todo el concierto haciendo reír a todos, siempre con sus gestos y bromas. Donde más me reí fue cuando dijo en mitad de la canción: aquí es donde viene el sólo de Richie Kotze o cuando comenzó a hacer un solo de guitarra y paró a los pocos segundos diciendo que era muy bonito, sí, pero era lo único que sabía hacer.

Principalmente se centró en temas de Mir.Big, y para mí, como comprenderéis, el momento más especial fue cuando interpretó Shine. Al poco de finalizar el concierto, Danny y Manuel Seoane se unieron a Eric Martin para cantar algunos temas juntos. El trío nos regaló un momento inolvidable cuando tocaron Wild World, sin duda el mejor momento del concierto, fue la canción más celebrada por el público.

Tuve la suerte de poder estar con Eric al finalizar el concierto, sólo unos segundos, le di las gracias por la gran noche que nos hizo pasar y el me miró sonriendo devolviéndome las gracias. Un cantante extraordinario, un artista muy profesional y una persona encantadora. Así es Eric Martin.

Desde aquí, darle las gracias a este gran artista por tan mágico momento. ¡Muchas gracias!



El mejor AOR que puedas escuchar, lo mejor de ayer y hoy

Antes que nada, quisiera dedicar esta entrada a unos amigos muy pero que muy especiales para mí, por lo acompañado que me siento con ellos, por lo mucho que aprendo de cada uno y por la entrega incondicional y totalmente desinteresada que todos muestran al participar en Anhelarium. A ti Salva, Néstor, Juanan, Robert, desde aquí os mando un sincero y fuerte abrazo, gracias por todo, amigos.

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LOUD & CLEAR – Disc-Connected [2002]

Bueno chicos, qué mejor manera de despedir el año con un buen disco, ¿verdad? Estoy liado con los exámenes, pero me apetecía mucho hacer una última reseña en este 2012 que pronto acaba y que tan importante año ha sido para mí. El disco elegido para esta última reseña del año, es el soberbio Disc-Connected, segundo trabajo de la banda alemana Loud & Clear, un disco alucinante, de buenísimo AOR. Temas muy directos, elaborados con guitarras muy armoniosas y sobre todo, estribillos muy bailables y pegadizos. Otra joya para los amantes del Rock melódico sin duda.

Todos, todos los temas de este gran disco son una auténtica maravilla. Esta sensacional banda recuerda muchísimo en su sonido, en incluso en la voz del cantante, Jess Harnell, a los míticos Def Leppard. Algo que se puede apreciar en temas como Fly Away. Pero vamos por orden y poco a poco, porque el disco lo merece, un disco que os recomiendo desde ya, porque posee canciones que los que de verdad valoráis las melodías más rockeras, no os podéis perder.

El disco comienza con el que probablemente sea el tema más pegadizo del disco, Tell Me Why. El tema más directo y comercial del álbum, con un estribillo muy altivo y animado. A pesar de que este tema en concreto no recuerda mucho a Def Leppard, la primera vez que escuchas la voz de Jess Hernell, sí que te  recuerda por su semejanza a la voz de Joe Elliott. Jess Hernell es un actor de doblaje y cantante. Hernell ha doblado voces para numerosas películas, entre ellas las dos de Transformers de Michael Bay, donde dobla la voz de Ironhide, uno de los Autobots, y también para videojuegos tan conocidos como los de la saga de Crash Bandicoot.

Ain’t Talkin’ Bout Nothin’ es el siguiente tema de este disco, y buena muestra da de que estás ante un disco imprescindible de escuchar. Otro tema potente, de buen estribillo, y buenos coros, destacando el riff final antes del último estribillo de la canción, estupendo tema. Fly Away, tercer tema de este Disc-Connected y que, personalmente, es el que más me recuerda a Def Leppard. Quizás no hago bien en mencionar tanto la gran similitud de Loud & Clear con Def Leppard, pero es que la semejanza es muy notoria, y el destacar esta similitud no es para nada en tono peyorativo, nada más lejos de la realidad, porque a pesar de tener un sonido muy parecido, este disco aporta originalidad y eso siempre se agradece. Así que, y esta será la última vez que nombre a los Def Leppard, si te gustan éstos, no puedes dejar pasar este buen disco.

Disc-Connected es el cuarto tema del disco, un tema más hardrcokero, con mucha más garra que las anteriores y quizás, la más bailable en directo. Es uno de los temas que más me han gustado de este trabajo. Tengo que hacerme con el resto de sus discos porque estoy seguro que merecerán mucho la pena. ¡El estribillo de esta canción ha sonado mucho en mis altavoces últimamente! Diiiiscc-connecteeeeeed!! Llegando casi al ecuador de este álbum, tenemos When i Feel Like That, uno de mis preferidos del disco, bien por la letra, donde me veo bastante reflejado, y sobre todo, por su melancólico sonido.

Time to Let Go es un sentido medio tiempo, el plato fuerte del disco. Esta sexta canción del disco hace que Disc-Connected se convierta en un disco esencial del género, vital para los que necesitamos respirar este tipo de música para poder seguir viviendo. Subjetivamente, creo que aquí es donde más me ha gustado la voz de Jess y la técnica del grupo. Un tema con una buena afinación en las guitarras, contundente en el estribillo y sobresaliente en la interpretación. ¡La producción de este disco es magistral, y eso se nota en cada acorde! A mitad del disco, nos topamos con Dangerous Imagination, un buen tema pero que le acuso de un tanto repetitivo y más simple, pero no por ello lo hace un mal tema, en absoluto, se deja igualmente disfrutar. Lovers In The Night e If It Takes All Night, ambos vuelven a ser dos temas de medio tiempo, de más calidad el segundo que el primero, nostálgicos, dos canciones que invitan a la calma, pero que también te invitan a ponerte este disco y escucharlo de nuevo, eso seguro. Take Another Look e I Can’t Wait, dos temas con los que vuelven a recuperar la soltura y la destreza del Rock puro Rock. You Take Me Higuer es otro de los platos fuertes de este disco, un medio tiempo no tan afligido y más desgarrador que los anteriores, con un estribillo mucho más contundente y melódico. Y para cerrar este Disc-Connected, You Gotta Dance, un tema igualmente moderno pero con ligero sabor añejo, un tema de Hard Rock de carretera.

Desde Anhelarium, despedimos el año con este gran trabajo, espero que 2012 haya sido un año importante para vosotros, tanto como lo ha sido para mí, y sobre todo, que este nuevo año 2013 sea igual o mejor. Un fuerte abrazo a todos los que, siempre fieles, visitan Anhelarium. Siempre seréis bienvenidos.


Lionville II [2012] El regreso de un supergrupo

¡Y llegó el momento! Por fin la cuenta atrás terminó, y después de tanto tiempo anhelándolo por fin podemos disfrutar del nuevo disco de Lionville. ¡Por fin! La espera ha merecido mucho la pena, porque estamos sin duda alguna, ante uno de los discos del año, como ya lo fue su disco debut. El primer trabajo dejó a muchos perplejos, completamente fascinados, yo personalmente quedé prendado con el trabajo de estos chicos y es que no era para menos, el género AOR se ha visto rejuvenecido y llevado a otro estadio gracias al sensacional trabajo de estos jóvenes.

El nuevo trabajo de Lionville está mucho más cuidado y elaborado, tratado con mucha más entrega y pasión y eso se puede comprobar no sólo en la gran calidad de los temas, sino en la notoria y significativa participación de músicos que colaboran con la banda. Músicos como el fantástico Robert Säll (Work Of Art, W.E.T.), Mario Percudani (Hungryheart, Issa, Shining Line, Mitch Malloy), Alessandro Mori (Mitch Malloy, Moonstone Project), Anna Portalupi (Hardline, Mitch Malloy, Issa, Steve Lukather) y el guitarrista Bruce Gaitsch (Richard Marx, Chicago) que colabora en siete temas del disco. También resaltar la participación de Herman Furin (Work Of Art) y el saxofonista italiano Joe La Viola. En la composición de los temas intervienen de nuevo Stefano, Pierpaolo Zorro Monti (Shining Line, Charming Grace), Robert Säll, Lars Säfsund y Alessandro Del Vecchio. Además en este disco colabora Miqael Persson (Eclipse, Toby Hitchcock, Giant)

En las filas del grupo volvemos a encontrar al grandísimo Lars Säfsund a las voces, a Pierpaolo en la percusión y a Alessandro y Stefano, el primero en los teclados y el segundo ante los acordes de la guitarra. Todos además, a excepción de Pierpaolo, hacen un gran trabajo en los coros, algo tan típico en el Rock más melódico, unos coros uniformes y delicados.

Estos músicos vuelven a hacerlo. Nos vuelven a regalara un disco lleno de cuidadas letras, letras muy sentidas y acompañadas por unas melodías apacibles y enérgicas. Nos regalan otro disco para seguir soñando.

All We Need es el tema que abre este nuevo y talentoso trabajo. Sin duda han creado un sonido único dentro del género AOR, un Rock suave que cabalga entre el mejor AOR y el más apacible West Coast. Un tema directo, con sorprendentes coros, pero para sorprendente la voz de Lars, magnífica, una virtuosa voz digna de contemplar. El futuro del Rock más melódico está asegurado siempre que estos músicos, tanto en sus respectivas bandas como en Lionville o Work Of Art, estén presentes. ¡Mil millones de gracias!

Le sigue The Only Way Is Up, un tema altivo y optimista, de un ritmo energético y Another Day, un tema directo donde más destaco el trabajo de la guitarra de Stefano y la perfección en los coros. Simplemente sensacional. El disco acaba de empezar y ya tengo ganas de volver a escuchar estos tres temas antes de seguir con el resto de temas.

Higher, es otro de los temas cargados con una gran energía pero el que completamente me ha cautivado es No Turning Back, un gran medio tiempo colmado de sentimiento y henchido de musicalidad. Un tema elegante e impecable, como está siendo este disco. Con All This Time volvemos a esos sonidos más típicos del AOR, un sonido más noventero, de corte más clásico, más enérgico y con un estribillo potente y pegadizo. Quizás mi tema favorito de este disco, aunque tengo que seguir degustándolo como se merece y quizás es pronto para decirlo. Pero es que estos temas me alegran la vida, me llenan de nostalgia y valentía. Los que adoramos este tipo de música y la llevamos al terreno mas íntimo y personal agradecemos temas así. Next To Me, séptimo tema del disco que vuelve a sorprender. Posee un corte parecido al anterior, un AOR igualmente clásico pero más pausado melancólico, con un estribillo muy bonito y muy refinado. Las melodías que crean estos músicos son ciertamente extraordinarias, superiores en todos los sentidos.

El siguiente es un portento de tema, una canción excelente, tremendamente exquisita. Este fantástico tema es una versión de la canción Waiting For A Star To Fall del grupo de AOR-Pop Boy Meets Girls.  Sinceramente me sigo quedando con la versión original, pero la versión de Lionville le hace bastante justicia, logrando tener un tema excelente.

Entrando en la recta final de este gran álbum, tenemos Don’t Walk Away, otro de los temas que más me han llegado, melódico, con un sonido rockero más contundente y de nuevo, otro gran estribillo. Un detalle fundamental es las letras de estas canciones, todas positivas, que incitan al ánimo y a la ilusión. Eso, para un pesimista como yo, hace que valore estas canciones como un instrumento fundamental en mi vida.

Muy pocos grupos consiguen elaborar un disco cuyas canciones, de la primera a la última, sean una explosión de talento y e ingenio. Tanto en Work Of Art como en Lionville, tenemos  un extenso catálogo de temas que merecen la pena, todos y cada uno de ellos. Y así lo vemos en estas últimas canciones del disco “II” de Lionville. On In A Million bien podría estar en el último disco de Work Of Art, un tema emocionante, fenomenal, donde Lars no deja de regalarnos los oídos con su particular y magistral voz.

Shining Over Me y Open Your Heart son los temas que ponen el broche final a este nuevo disco. Shining Over Me es otro de los temas que más me ha sorprendido y se disputa el puesto a mejor canción con All This Time. Otro tema directo y tenaz, directo a levantar el ánimo. Por último se despiden con Open Your Heart, una balada preciosa, sensible, otro plato fuerte del álbum. Un tema realmente conmovedor.

Desde Anhelarium, agradecer de nuevo a estos genios el habernos regalado una vez más tan buena música, música para fortalecer el espíritu. ¡Gracias Lionville!

 

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El AOR de los años 90

Desde siempre he sido un nostálgico patológico, un término que yo mismo me he inventado para dar de alguna manera explicación a mi tremenda añoranza por tiempos pasados, concretamente a esos años que disfruté con todas mis ganas: la década de los 90. Los mejores años de mi vida, y sin duda alguna, los mejores años que la juventud ha conocido. Unos años de colorido, de ilusión, de un continuo avance, donde cada día te despertabas y había algo nuevo, unos años donde la música hablaba de amores de verano, de la chica de tus sueños, de los días con los amigos, de la vida y las ganas de vivirla. Por si mi significativa nostalgia y melancolía por esos años fuese poco, soy desde hace ya varios años amante de la que es para mí la mejor música, el AOR/Hard Melódico, una música que a día de hoy sigue regida por las mismas pautas que cuando comenzara a principio de los 80 a sonar por todas partes, pero es en estos años de 1990 donde quiero centrar este artículo. Y es que dicho estilo predominó durante toda la década de los 80 y principio de los 90. Guitarras electrizantes, estribillos pegadizos, letras emotivas, videoclips llenos de fiesta, diversión, sol, atardeceres y playas. Una música ideal para recordar con nostálgia los mejores momentos de nuestra vida, aquellos inolvidables veranos con la mejor compañía, nuestro primer beso, nuestra primeras noches de fiesta. Una música que tan sólo denota alegría y sentimiento. Pero ahora, y desde hace ya casi quince años, la música altiva, alegre y motivante, no es precisamente lo que se estila. Desde finales de los noventa, momento en el que dejó de escucharse el aplastante fenómeno Nirvana y su Grunge, se comenzó a escuchar de una forma más generalizada una música más pesimista, una música apática, donde en todas sus letras se puede apreciar el desprecio a la vida, el asco que da esta sociedad, y los problemas con las drogas y los vicios. En definitiva, los jóvenes de hoy día no escuchan letras que invitan al ánimo envueltas en melodiosas armonías, sino todo lo contrario, de forma generalizada son estilos como el Nu Metal, el Hardcore y Metalcore y sub géneros del Rock y el Heavy Metal más duro. Todo esto no lo digo en sentido peyorativo, porque yo también escucho estos estilos de vez en cuando, tan sólo este breve post es para homenajear con todo el cariño y devoción a estos grupos musicales cuyos videoclips muestran la vivacidad de esos años, en definitiva, deleitarse con lo mejor que nos da la vida. A día de hoy podemos seguir disfrutando de esta música, grandes grupos sacan año tras año buenos trabajos del mejor AOR moderno, pero muy a mi pesar, esa atmósfera ideal que se vivió en los años 90, ese sonido típico de la época, esa estética tan cuidada y por supuesto, esa popularidad de la que gozó el AOR durante todo ese tiempo, por desgracia no volverá. O quizás, quién sabe. Aquellos maravillosos años…¡Vivan los 90!

Gracias a Juanan por esta gran canción cuyo vídeo refleja exactamente lo que mis palabras intentan decir.

Poco – Call It Love

Mitch Malloy – Anything At All

Reggata – This Is Love

Blue Tears – Rockin’ With The Radio

Especial mención a este vídeo, donde mejor no puede mostrar esos años de la década de los 90. Un tema AOR en español cuya finalidad era promocionar la bebida KAS que por el año 1994 pretendía hacerse hueco en territorio norteamericano.

KAS – Dame más (Álex de La Nuez)

NO SWEAT – Heart and Soul

Drive She Said – Think of Love

Damn Yankees – Coming Of Age

Harem Scarem – Slowly Slipping Away

Firehouse – When I Look Into your Eyes

Bryan Adams – Have You Ever Really Loved A Woman?

Diving For Pearls – Gimme Your Good Lovin’

Bad Company – If You Needed Somebody

Jimi Jamison – I’m Always Here

 


Una pequeña dosis de AOR para estas vacaciones

¡Qué placer el mío! Qué gusto da poder sentarse tranquilamente, con una buena cerveza fría y escribir sobre el mejor AOR. Cuando uno se lleva durante más de un mes seguido ahogado en exámenes, creedme que estos momentos se valoran el doble y se viven más placenteramente. Hoy es Domingo de Ramos, por fin esas grises nubes se han apartado y ha salido el tan deseado Sol, sobre todo para todas aquellas procesiones que esperan salir un día como hoy. La Semana Santa acaba de empezar y seguro que más de uno se alegrará tanto como yo de poder disfrutar de unos días libres, dedicados a conciencia sola y exclusivamente para uno mismo.

Con esta entrada tan sólo me gustaría enseñaros brevemente algunos buenos discos de AOR que ninguno os debéis perder y que seguro os harán pasarlo mejor durante estos días. Para ir abriendo boca, me gustaría comenzar con un disco que quizás ya muchos amantes de esta música conozcáis, se trata de Bridge Of Fools, de Heartland, editado en 1997 y con unos temas rebosantes de energía y buenas melodías, características inamovibles del buen AOR. Si incluímos los bonus tracks, son 13 los temas que nos regalaron estos ídolos del AOR, de entre los cuales destacamos tan magníficos temas como These Are The Days, Only A Heartbeat Away y sobre todo I Will Wait For You y Castles In The Sand, sin duda, los mejores temas del álbum y de obligada tarea escuchar si te gustan los estribillos coreables y pegadizos. . Supongo que más de uno se habrá percatado de lo mucho que se parece la voz del cantante de este grupo a la del grandísimo Eric Martin (Mr.Big), ¿verdad? En ocasiones incluso parece que es él mismo el que canta.

Retrocedemos un poquito más al pasado, nos remontamos a 1991 y rescatamos un tremendísimo disco titulado 30 Days And Dirty Nights, de un desaparecido grupo llamado From The Fire. Realmente es un disco excelente, todos sus temas son inolvidables, desde el primero hasta el último. Personalmente creo que no baja el nivel en ningún momento. Resaltar que varios de los temas que encontrarás en este disco bien podrían haber sido singles de cualquier superbanda noventera, pero como raramente suele pasar en el mundo de la música, no todos los grandes temas/discos tienen el prestigio y reconocimiento que se merecen. Hold On es el primer tema de este disco y deja bien clarito que no estás ante un disco cualquiera y muestra de ello, es el tema que le sigue, Some Song, una de mis preferidas de este elegante disco. Over Your Head es otra gran canción, quizás un poco más hardrockera, pero el plato fuerte de este trabajo llega con Where Are You Know, un tema que desde la primera vez que lo escuche no he dejado nunca de lado y siempre me acompaña en todas esas sesiones de AOR que tanto me hacen disfrutar.  Where are you know? Can you hear me calling? Sencillamente genial. ¡Un disco totalmente recomendado amigos!

Más reciente tenemos este otro disco que os presento, ¿quién no conoce aún a Danny Vaughn? Bueno, sea quien sea el osado que aún no lo conozca, bien podría empezar escuchando este gran trabajo de 2004,  From The Inside, toda una piñata cargada de tremendas melodías. Cabalgando entre el AOR y el Hard Melódico, Danny nos regala los oídos con canciones como Nothing At All, un sentido y enérgico tema, con un sonido muy elegante y unas guitarras muy bien elaboradas y marcadas por un ritmo sencillo pero atrayente. Lo mismo sucede con Fight For Love, un medio tiempo  más contundente pero con un estribillo más melódico. En 2008 publicó otro disco, esta vez titulado Visions, pero que realmente no es igual de talentoso que este debut de From The Inside. Destacando otros temas como el melancólico Beautiful Goodbye y como suele suceder en este tipo de discos, nos topamos con el plato fuerte, lo mejor de lo mejor, la canción “más lista de la clase”, y en este caso hablamos de Suddenly. Reconozco que hace dos veranos, cuando conocí este disco, me costaba desprenderme de esta canción, necesitaba escucharla a todas horas y así fue como el verano pasó calurosa y tranquilamente mientras sonaba una y otra vez este temazo en mis oídos. El AOR y el verano, ¡qué mezcla!

Ahora sí que toca ponerse el mejor vestido de los domingos, peinarse bien y lavarse bien los dientes, porque para hablar de este disco que os traigo hay que estar a la altura de él, y como tal, hay que estar lo más elegante posible. W.E.T sin duda alguna fue el disco del año 2009, una autentica apisonadora que pasó por encima de todos los discos que salieron editados en esa misma fecha. De forma unánime, todos los fieles de este género, entraras en el foro en el que entraras, tachaban este disco como una autentica obra maestra del AOR y como uno de los mejores discos de estos últimos años. Por muy exagerado que esto suene, decir que desde entonces, pocos son los discos editados en estos últimos años que pueden ponerse a la altura de este fantástico proyecto de Jeff Scott Soto. Sólo discos como el debut de Lionville, In Progress, de Work Of Art (del que os hablo más adelante), o los últimos discos de Shy o Blanc Faces entre otros pocos, pueden realmente tratar de tú a tú este magistral trabajo.

Muy pocos grupos puede alardear de poseer discos así, discos con temas como Brothers In Arms, One Love, Invincible, Comes Down Like Rain, One Day At A Time, If I Fall o I’ll Be There. Si escuchas estos temas sabrás de lo que hablo, son canciones que rozan la perfección y que muy difícilmente pasarían desapercibidas para ti si sabes valorar la buena música sean cuales sean tus gustos musicales.

Para terminar, y como señalé antes, os traigo otra de las grandes y recientes sorpresas del AOR más moderno y actual. In Progress, el segundo y esperadísimo trabajo de Work Of Art, que recientemente disfrutaron de una buena acogida en su gira española. Al menos para mí, este nuevo trabajo es superior a su debut (que no es decir poco precisamente), presenta una mayor frescura y nos deleitan con temas más armoniosos y directos, sin olvidarnos por supuesto, del gustazo que da escuchar la maravillosa voz de Lars Säfsund. The Rain, One Step Away, The Great Fall, Call On Me, Never Love Again, temas que cuando los escuchas es imposible no sentir una buena inyección de ánimo, canciones que levantan al alma más dañada y la hacen revivir. El disco es todo un ir y venir de ritmos melodiosos y altivas letras. Con respecto a este disco encontrarás una diversidad de opiniones sobre cuál es el mejor tema, pero yo lo tengo claro, es Castaway, es de las mejores canciones que he escuchado en estos últimos años.

Me es difícil expresar con palabras lo feliz que me hace esta música, porque como he dicho en más de una ocasión aquí en Anhelarium, es mucho más que buena música, es una clara manera de ver y vivir esta vida. Me sentiré siempre muy feliz y orgulloso de ser fiel amante de esta música tan soberbia y extraordinaria. 

AOR / Hard Melódico 4ever!!

 


NO SWEAT – Heart and Soul (1990)

Dos videoclips para una gran canción de puro AOR. NO SWEAT, otra de tantas bandas del género que desaparecieron, ¡pero no es hora de lamentarse! La verdad, no sé cual de los dos videoclips me gusta más, porque ambos son igual de idílicos.  ¡Dale caña a los altavoces! 😀

 

 


Urgent – Running Back (1985)

¡MEGA trallazo AOR donde los haya!

Si se tuviera que explicar a alguien qué es el AOR esta canción estaría ahí presente, imprescindible conocerla para captar la esencia del mejor estilo de música que jamás se ha creado. Decir fantástico, es decir poco, es uno de los mejores temas del género y una de las mejores canciones que puedas escuchar. De la mano de los norteamericanos Urgent, aquí tienes Running Back. Atento, porque no será la última vez que la escuches.