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Milencora. Episodio 23. God Is An Astronaut + M83 + Steven Wilson + Anathema

 

¡Bienvenidos al Episodio 23!

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Lista de canciones:

 

  1. In The Distance Fading – GIAA
  2. Grace Descending – GIAA
  3. No Return – GIAA
  4. From Dust To Beyond – GIAA
  5. Forever Lost – GIAA

 

  1. Oblivion – M83
  2. Outro – M83
  3. Kim & Jesse – M83
  4. We Own The Sky – M83
  5. Midnight City – M83

 

  1. To The Bone – Steven Wilson
  2. Drive Home – Steven Wilson
  3. Postcard – Steven Wilson
  4. Thank You – Steven Wilson
  5. Perfect Life – Steven Wilson

 

  1. Thin Air – Anathema
  2. Untouchable. Part 2 – Anathema
  3. Crestfallen – Anathema
  4. Inner Silence – Anathema
  5. Endless Ways – Anathema

Todo el ánimo del mundo para estos momentos tan difíciles. Mis mejores deseos para todos vosotros y los vuestros.

¡Muchas gracias por escuchar Milencora!



Astralia – Atlas [2014] Una invitación al arte de contemplar

Lo que más me apasiona de esta música es que es algo que todos necesitamos escuchar en algún momento. Puedes tener tus predilecciones musicales, como todo el mundo, pero todo ser humano necesita embelesarse con estos pasajes en algún momento de su rutina. Este tipo de música es vital para cualquiera de nosotros, todos anhelamos desconectar, dejarnos llevar por pasajes musicales como los que nos ofrece el mejor Post-Rock y más si viene de la mano de grupos del nivel de Gos Is An Astronaut, Caspian, Aperire o Astralia, banda de la que hoy os escribo y que nació en San Cugat del Vallés, Provincia de Barcelona, España. Y es que en nuestro país está germinando toda una promoción de buenas bandas de este género, como los barceloneses Exxasens o los madrileños Toundra.

Astralia, tras publicar su primer disco homónimo en 2012, lanzaron el pasado año el que es su proyecto más ambicioso, Atlas, ovacionado por prensa y público, y que les ha llevado a visitar los mejores festivales. Os tengo que decir que la primera vez que supe de ellos fue escuchando el programa de radio de Iker Jiménez, Milenio3. Me cautivó la música que sonaba de fondo y fue el mismo Iker quién esclareció que la música que envolvía su voz era la perteneciente a los catalanes Astralia. Banda formada por tres integrantes, tres amigos que comenzaron prácticamente ayer a hacer de su destreza y talento la mayor de las artes. Les sigo la pista desde entonces.

El Post-Rock, como ocurre con otros estilos musicales como el Heavy Metal, es una etiqueta muy genérica, y si bien ellos mismos se sienten cómodos bajo ella, dejan claro con su música que el rincón en el que más cómodos se sienten es en el del Ambient-Rock.

¿Qué nos ofrece este ‘Atlas’?

Inmiscuyéndonos en su música, retomo ahora con otras palabras lo que comentara al principio de esta entrada. El arte llama al arte y Atlas es toda una invitación al arte de contemplar, a ese momento de recogimiento que nos trae a la memoria nuestro pedazo más espiritual. Con You Are Here, tema con el que abren este trabajo, buena cuenta tenemos de ello. No es de extrañar que el título de la canción sea precisamente tú estás aquí. Con sus primeros acordes invocan al alma, cubriendo ese preciso momento en el que escuchas su melodía de un halo místico que te hace palpar este momento presente, el ahora, la vida. In crescendo, este primer tema evoca la magia del momento presente, incitándote a observar con los ojos del alma tu propia existencia y todo lo maravilloso que te rodea. Toda una alabanza al ser, toda una oda a este nuestro planeta Tierra. Esta música es la mayor prueba de que la magia existe y es más real de lo que imaginabas.

De los ocho temas que componen este álbum, son varios los temas a destacar, como el siguiente, Io o Inner Earth, o la que le da nombre al disco, que siguen la senda marcada por el primer corte de este nuevo proyecto. Astralia han dado forma material a toda una aureola, atesoran con este álbum toda una atmósfera que no conocerá más límite que el de tu propia imaginación. Todos sus temas están perfectamente compactados, marcando un pasaje musical incesante, donde la guitarra, bajo y batería casan de la manera más armonizada. Me excita comprobar cómo la música Rock no conoce frontera alguna, saber cómo el Rock es la música más abundante y prolífica de todas.

Prestar oídos a Astralia es sentirse despierto.



Lights & Motion. Belleza, inspiración, vida…Música

616545_128783880610199_680724944_oHace unos años os hablaba sobre God Is An Astronaut, la que es mi banda favorita de Post-Rock y cuyo artículo rescato para esta ocasión. Desde que adentré mis sentidos por los recovecos de este género musical, son muchas las bandas que he conocido y que me han deleitado con esos sonidos instrumentales capaces de invocar la más pura esencia del Rock, esa que hace conectar algo que está dentro de ti, que te sumerge en ensoñaciones o te zambulle en tus propios sentidos. A medida que conocía más sobre este estilo, me daba cuenta que las bandas que más me atrapan son aquellas que mezclan el mejor Post-Rock con el Ambient más visionario y emocional. Una combinación excelente, una excelsa unión de dos estilos musicales que consiguen dar vida a episodios musicales rebosantes de misticismo y sensibilidad. Como ya me habréis leído u oído decir, autentica música para el alma, amigos míos.

Es precisamente por eso que quiero dedicar esta entrada al proyecto musical Lights & Motion, fundado por Christoffer Franzén. Hace escasos días salió a la luz su tercer trabajo, Chronicle, por el sello americano Deep Elm Records y en el que además ha colaborado Dave Cooley, miembro de M83, uno de los grupos más populares de Synthpop, Ambient y Post Rock y del que sin duda os hablaré más adelante en Anhelarium. Franzén, desde su pequeño estudio de Gotemburgo, Suecia, vuelve a cautivarme y fascinarme como ya hiciera con sus dos discos anteriores. Pero dejad que vaya por partes y en orden. Pues la música de Lights & Motion es la más espectacular que he escuchado en muchos años, donde sus canciones y videos, son una puesta en escena de nuestra existencia, de ese algo que está en nuestro interior, pero que a la vez es algo más grande que nosotros mismos.

No exageran mis palabras, si eres melómano como yo, su música te transportará a donde quieras ir, es el vehículo perfecto en donde llevar tus emociones, recuerdos y anhelos, y llevarlos hasta donde quieras.

2013 fue para Franzén un año significativo, pues en ese mismo año dio vida a Light & Motion, donde dos fueron los discos que albergan la grandeza de esta filarmonía. Reanimation fue el primero. El 16 de enero de 2013 fue el día señalado para presentar el cinemático proyecto musical de Christoffer Franzén, un Post-Rock elegante, directo, impregnado de un ensoñador Ambient. Reanimation abre con Requiem, una onírica intro que da paso a Home, tema elegido para presentar en formato vídeo este nuevo e interesantísimo proyecto musical. Un tema espectacular, donde la guitarra y los teclados se acompasan de la manera más fina y estilosa, originando un tema enérgico, conmovedor, y épico por momentos.

Podría detenerme en cada tema, como suelo hacer en cada reseña musical, y detallar cada canción, pero aquí pretende resaltar tres discos y apuraré un poco más. En Reanimation encontramos otros cortes como Aerials, digna sucesora de Home, o Drift, tema más orientado al Post-Rock tradicional, donde la batería adquiere un gran protagonismo. Es el tema más dinámico e intenso del disco. 13 son los temas que componen este Reanimation y en ellos nos encontramos con pasajes musicales de puro lujo, como The March, otro plato fuerte del disco, tema totalmente cautivador y del cual volvieron a realizar otra cinemática exquisita que podréis ver pinchando en este enlace. Destacar igualmente otros temas como Texas, de casi diez minutos de duración, siendo el más extenso del disco, o Faded Fluorescence, corte de casi ocho minutos totalmente imprescindible. En Light & Motion predominan los temas instrumentales, pero para esta ocasión, el último tema encontramos a Franzén acompañando con su voz una bella melodía. Dream Away es otro tema imposible de resultar indiferente. Un tema in crescendo, donde el final es puro encantamiento. El disco fue elegido por la comunidad la Post-Rock Community como el mejor disco del año 2013. Era de esperar.

Pero para el 12 de noviembre del mismo año, Christopher Franzén nos sorprendía con otro lanzamiento. Su segundo trabajo, un nuevo disco de Lights & Motion titulado Save Your Heart. El álbum contiene once temas que hacen una duración total de 40 minutos. Pocos meses de su debut, Christopher anunciaba un nuevo disco, y las expectativas se dispararon. Los que quedamos prendados por su música, ansiábamos poder escuchar ese nuevo material. Y así es como a los pocos meses, nos vimos escuchando Heartbeats, el primer tema de este segundo álbum de Light & Motion. Era impresionante, recuerdo cómo me sentí al escucharlo por vez primera. Totalmente hechizado. Con este tema se vuelve a crear con acordes un ambiente mágico, con unos crescendos inesperados y soberbios.

Le sigue un tema de corta duración, que no llega a los tres minutos pero que deja huella en ti desde los primeros acordes. Cuando lo escuché pensé que era una forma de cerrar el tema anterior. Hablo de Ultraviolet, un tema magnifico. Le sigue otro magistral corte, Sparks, donde la guitarra y los teclados se suman a unos coros que hacen las delicias de cualquiera. Shimer, de corte más Ambient, regresa un poco a la calma y resulta de lo más agradable para los oídos. Todos estos temas, como el que viene a continuación, Snow, o Bright Eyes, la música que hay en ellos, abogan por la felicidad, la alegría y la paz que las acompaña. Todos estos temas ayudan a crear momentos de pura realización y agrado, por lo que somos y por todo lo que nos rodea. La música de Light & Motion alberga paz, y nos ayuda a positivizar todo nuestro entorno. A conectar con nosotros mismos, pues esta música genera un estado de conexión inconmensurable.

La música de Light & Motion alberga paz, y nos ayuda a positivizar todo nuestro entorno. A conectar con nosotros mismos, pues esta música genera un estado de conexión inconmensurable.

Crystalline es otra proeza de este segundo disco, con un piano apasionante que arroja valentía e inspira entereza. Desde luego, los crescendos es algo de lo más característico, elemento fundamental en los discos de Light & Motion, y en We Are Ghosts tenemos prueba de ello. LA quietud llama al movimiento. La calma en esta ocasión no precede a la tempestad, sino a la energía, a la actuación, a esa realización que nos hace sentir bien con nosotros mismos, que nos hace sentir más vivos. No me sorprendió en absoluto ver cómo para anunciar los Oscars del pasado año, utilizaron para ello la música de este compositor sueco.

Hoy, 24 de enero de 2014, acabo de escuchar por primera vez este Chronicle. Desde hace tiempo anhelaba que llegara este momento. Casi me ha faltado contar los días para esperar a este mes y poder escuchar el tercer álbum de Light & Motion. Ha sido maravilloso. Volvemos a toparnos con un disco cargado de una música optimista, inspiradora, increíble. Es pura belleza musical. Canciones que transmiten sosiego, Northern Lights, o como Fireflies y la fascinante The Spectacular Quiet, son prueba de ello. Pues parece que te invite a vivir una verdadera aventura, de esas que marcan de por vida. Disfrutad de esta música, sentidla, porque vaya si merece la pena.


Alcest – Shelter [2014]

Shelter-1

Cuando escuché este disco por primera vez, nada sabía yo de esta banda francesa. Desconocía a este grupo por completo. Lo bueno de esto es que partes de una mejor perspectiva, es como contemplar un paisaje plano, disfrutas de unas buenas vistas sin que nada lo empañe. Digo esto porque al no conocer absolutamente nada de esta banda, sin haber escuchado sus anteriores trabajos, hace que nada intoxique mi percepción de este Shelter, el cuarto álbum de los franceses Alcest.

Por eso, en mí, no ha habido sensación alguna de desconcierto al escuchar este álbum. Quedé totalmente prendado de él desde la primera escucha. Hacía mucho tiempo que un disco no me transmitía tanta paz y armonía. Y precisamente hablo de desconcierto porque esta banda ha dado un cambio a su sonido. Una vez que ya había escuchado este disco una veintena de veces (no exagero, para mí es uno de los mejores discos de este año 2014), decidido me hice con sus anteriores trabajos y sobre todo, leí todo lo que pude sobre la historia de la banda.

No me sorprendió en absoluto comprobar que Alcest era una banda cuya música provenía de unos sonidos más densos y oscuros. No es la primera vez que sucede esto. Y no sería la primera vez que me enamoro de una banda que otrora componía un música totalmente distinta, como es el caso de Anathema u Opeth.

Alcest nuevamente es un claro ejemplo de que el Metal es el género musical que más y mejor se adapta a los nuevos tiempos. Es el estilo musical que mejor saber reivindicarse. Las bandas de Metal son las que mejor saben explorar en el espacio musical y las que mejor saben concebir muy de vez en cuando grandes obras en las que se mezclan con total superioridad y perfección distintos sonidos o estilos. No es sencilla la creatividad, y si se alcanza, es algo que se paga bien caro.

Alcest es un proyecto francés liderado por Stéphane Paut (más conocido como Neige), a priori, un proyecto vinculado en mayor medida al Black Metal (aunque no estoy muy de acuerdo con esto) y que paulatinamente fue tomando tintes de Shoegaze y más actualmente del mejor Post-Rock. Alcest a día de hoy experimenta con una música muy alejada de la densidad del Black Metal y deja claro con sus dos últimos discos por dónde quieren centrar su carrera musical. Antes señalé la vinculación de Alcest con el Black Metal, y efectivamente, considero a Alcest una banda vinculada a dicho género, pero nunca ha sido una banda de Black Metal al uso, en absoluto. Por lo general, cuando uno piensa en Black Metal, se le viene a la mente bandas como Mayhem o Gorgoroth, estandartes de este estilo, y otras como Burzum banda orientada al catalogado como Ambient Black Metal o Dimmu Borgir más orientada al Black Metal más melódico y sinfónico.

Antes de reseñar este Shelter, detallaré brevemente sus anteriores trabajos. En 2007, con Souvenirs d’un Autre Monde, debutaba Alcest e impresionaba a prensa y público con un disco totalmente integrado en la esfera del Shoegaze con tintes de Black Metal. Un disco muy etéreo, poético, un disco realmente talentoso que acogió grandes críticas. Un disco donde se mezclaba con ingenio el Shoegaze y el Post-Rock y daba lugar a melodías suaves y susurrantes. Sin duda un disco donde se presenta la música en su lado más artístico, una manera de trasmitir belleza mediante notas musicales. Ya en 2010, con Écailles de Lune sí notamos con claridad la presencia del Black Metal. Su sonido es más duro, denso, con voces más desgastadas y trémulas. Pero esa belleza musical de la que os hablaba antes se sigue apreciando. Lo hermoso y lo diáfano se mezcla con lo tenebroso y eclipsado.

Les Voyages De L’Âme es disco editado hace poco más de dos años, en 2012, y que sigue la senda de Écailles de Lune. En él, Neige sigue trasmitiendo esas melodías creadoras de una atmósfera musical difícil de alcanzar para muchos grupos. Encontramos unas guitarras tanto acústicas como eléctricas tratadas de manera suave, con un arreglo vocal excelente. En este álbum Neige nos vuelve a regalar letras pesimistas, y otras que no lo son tanto, letras esperanzadas, que hablan de mundos ficticios y etéreos y otras que tratan la muerte y la melancolía. La instrumentalización y la sonoridad de este disco son sublimes.

Y es ahora, con Shelter, su cuarto disco de estudio, donde Neige mejor ha sabido adaptarse a ese método que desde hace años ha ido llevando a la práctica. Una vez escuchado este disco en repetidas ocasiones y habiendo prestado atención a sus anteriores trabajos, considero que este último disco de estudio desarrolla de la mejor manera posible lo que Neige ha querido trasmitir en todo este tiempo. En mi opinión, Neige ha conseguido con este disco emocionar aún más al oyente y crear un espacio de ambientes más cautivadores y fascinantes.

Este Shelter comienza con Wings, una sensacional y embriagadora intro, una cantinela que trasmite calma y armonía y que en poco más de un minuto deja paso al sonido de una anímica guitarra eléctrica, cargada de energía y acompañada de un raso y suave teclado. Opale, como así se llama su primer tema, ha sido el escogido como carta de presentación de este nuevo trabajo de Neige. Un tema de estructura uniforme, con un sonido muy esponjoso y unos cánticos sedosos y envolventes. Para los que nos gusta el Rock más ambiental y espiritual, este tema es una delicia, pero no será éste el único, pues el disco es un rebosar de etéreas y místicas melodías.

Le sigue La nuit marche avec moi, un tema de corte más sencillo y compacto, no tan melódico como el anterior y más sosegado que en su recta final resulta más estridente. Y con Voix Sereines, vuelve a pasar algo parecido. El tema, apacible y sereno en sus inicios, mantiene un crescendo, todo el tema en sí es una transición dinámica en cuanto a la intensidad de su sonido. Es un tema fabuloso, quizás uno de los mejores del disco, pero no mi favorito. L’éveil des muses, es un tema donde el Post-Rock cobra mayor protagonismo, un tema instrumentalmente muy logrado, con una guitarras fuertes y destacadas. Y es aquí, donde llega mi tema favorito que pone nombre al disco, Shelter. Para mi gusto, el mejor tema del álbum y uno de los mejores de la banda. Es la canción que más me ha trasmitido y la que más me ha hecho alcanzar esa ensoñación que tanto anhelo cuando deseo pasar largos momentos escuchando buena música.

Shelter es un tema que irradia quietud, equilibrio y reposo para el alma, paz y tranquilidad en nuestro momento presente. Jamás me alejaré del sonido que trasmite esta canción. Desde el primer momento que la escuché, me acordé de los mejores temas de God Is An Astronaut, mi grupo de Post-Rock favorito, como Forever Lost, mi tema amuleto de los irlandeses.

Tras Shelter, comienza Away, y junto a la anterior y Voix sereine, los avalos como los tres mejores temas de este último trabajo. Away es un hermoso tema en inglés, semi acústico, donde Neige juega con su voz, a veces susurrante y comparte para la ocasión protagonismo con Neil Halstead, cantante de Slowdive, uno de los grupos estandartes del shoegazing que presta su voz para este tema, bastante bueno, en donde las voces crean una perfecta armonía y luminosidad.

Para poner el broche final a este trabajo, se nos presenta Délivrance, un tema de diez minutos de duración en donde confluyen violines, cello y unos teclados perfectamente compaginados con la penetrante voz de Neige y sus guitarras. Otro tema donde cobra mucho protagonismo el Post-Rock, en el que a partir del minuto tres, todos estos instrumentos colisionan engendrando un paisaje musical vertiginoso que poco a poco culmina en un placentero letargo. Existe una edición especial con bonus track, una canción titulada Into The Waves donde unas voces femeninas entran a escena e instauran un diáfano horizonte musical.

Analizado a fondo la carrera musical de Alcest y tomando conciencia del cambio progresivo en su musicalidad, me reitero en que con este último trabajo, el líder de la banda, Neige, ha conseguido lo que se proponía. Muchos quizás esperaban una continuación de Écailles de Lune o algo más similar a Les Voyages De L’Âme. Pero nunca llueve a gusto de todos, o eso se suele decir. Sea como fuere, es muy difícil que el fiel seguidor de Alcest se descontente con este maravilloso disco.

Shelter es un disco precioso, de una eufonía fascinante, poseedor de una música suave, dulce, una armonía idílica, espiritual. No puedes dejar pasar esta obra de arte.


Hammock – Kenotic [2005]

Hammock_-_Kenotic

Creo que este disco es la perfecta mezcla entre la música ambient y el mejor Post Rock. La combinación de dos estilos que lleva a una auténtica pureza musical y que genera ese halo inspiracional que muy pocos consiguen.

Hammock es un dúo proveniente de Nashville, Tennessee (para mí este sitio siempre estará ligado a mis queridísimos Blue Tears) y en esta breve entrada os presento el que fue en 2005 su primer álbum de estudio, Kenotic.  Este disco es una recopilación de todos los buenos temas que durante años fueron grabando y que, dándose cuenta de que sus composiciones poco o nada tenían que envidiar a la de grupos ya por aquel entonces consagrados en el género como Mogwai o los conocidísimos Sigur Rós, decidieron compactarlas y crear el primer disco de su carrera musical. Como he dicho antes, Hammock es un dueto musical compuesto por Marc Byrd y Andrew Thompson, dos músicos que ya llevaban años juntándose esporádicamente para dar rienda suelta a su imaginación compositiva.

El disco crea una atmósfera mágica, y con su música sientes cómo te trasportas a otro lugar. Temas como Blankets Of Night o Dawn Begins To Creep son un buen ejemplo de ello. En este álbum la guitarra cobra un gran protagonismo, acompañada de una ligera estructura electrónica  y sobre todo, de suaves melodías oníricas. Realmente el disco te transporta allá hasta donde tu mente pueda llegar. La banda actualmente posee seis discos de estudio, el último editado este mismo año que pronto acaba, titulado Oblivion Hymns. Seguro que alguno de ellos tendrá igualmente su huequecito en Anhelarium.

Disfrutad de una música inigualable, amigos míos.


Un poco de Post-Rock

No es fácil describir esta música. Creedme, no lo es. Porque por lo general, el Post-Rock puede resultar tan místico que es complicado intentar describir sus canciones una a una.  Para quien no esté familiarizado con este género musical, le diré que el Post-Rock no es únicamente un Rock progresivo o solamente instrumental. Puede haber equivocación en esto y no está mal resaltarlo para evitarlo. Desde la década de los 70 son casi incontables las bandas de Rock progresivo e instrumental que han ahondado en la escena del Rock. Pero aquí abarcamos un género que si bien parte de las tendencias más progresivas de antaño, en mi opinión, ofrece un salto bastante cualitativo, puesto que el Post-Rock no está únicamente enfocado a la sucesión de pasajes instrumentales, sino que crea unas progresiones armónicas que dan lugar a auténticas atmósferas llenas de timbres, armonías y melodías.

Es en el Post-Rock donde, además, encontramos un toque más artístico, audaz y personal, muchísimo más vanguardista y enriquecedor. El Post-Rock no es sólo música. A continuación os presento en Anhelarium los últimos discos del género con los que he podido disfrutar en estos días. Espero que os guste.

cover (2)Aperire es un proyecto de grabación instrumental de influencia del rock cinematográfico/ambient, un proyecto únicamente compuesto por el instrumentalista David Lichtenauer. Cinco son los temas que componen este primer disco de este joven músico. Comienza fuerte con Remaining, el tema más asombroso de este trabajo, un trabajo que crea esa atmósfera envolvente tan característica del mejor Post-Rock.  Beautiful Matter es otro de los temas a destacar.

folderBehzad Mehrnoosh y su álbum Himlavalvet es otro de los proyectos que más han llamado mi atención en estos últimos días. Publicado el pasado mes de marzo, este compositor sueco nos ofrece una nueva joya del Post-Rock. Los temas más destacables son, Aftonrodnad, tema que abre este disco, o el tema que da nombre al disco, Himlavalvet. Este es el cuarto álbum de Behzad Mehrnoosh, anteriormente fueron publicados otros discos como Huskvarna Blues [2012], Vildmarken [2011] o Reverie [2011]. Excelentes trabajos de los que os hablaré más adelante en Anhelarium. Behzad incluye en alguno de sus temas partes en las que incorpora partes cantadas, como en Dom Låter Oss Aldrig Vara, pero en su mayoría abundan los pasajes instrumentales, que son sin duda protagonistas a lo largo de su música. Bort, Härifrån y Besvikelse son temas más rockeros pero que no se alejan de esa éter instrumental.

coverUne Simple Théorie des Glaces en Terrasse es el primer trabajo de esta banda francesa llamada Have The Moskovik. Bastante más guitarreros, este álbum recoge temas L’absence de bruit, Ufo piétons,  donde la guitarra es la principal protagonista. Con este disco nos alejamos de ese sonido ambient, y se nos reflejan unos pasajes más rápidos y detonantes, pero he querido destacarlo por el gran talento que de él emana.

Cover (3)De estilo similar, aunque con toques más ambientales, os presento a continuación a la banda mexicana The Polar Dream, que nos han presentado este año el que es su cuarto álbum titulado, Kiev. Falling Birds, Caballos (Horses), tema utilizado para presentar un nuevo vídeo, o Búhos (Owls), un tema más sosegado, son los temas más a resaltar.

db9c5af7ca3d71fc3431fdb73d52e592Personalmente, prefiero el Post-Rock más calmo, me gusta el que está orientado a un sonido Rock más ambiental, con esos pasajes instrumentales tan atmosféricos. Y por eso ahora destaco este EP, perteneciente a la banda When Whales Collide. Simplemente, sensacional. Musicalmente son del palo que más me gusta dentro de este estilo y Defying Desire lo escenifica perfectamente. No se puede negar la gran elegancia de estas composiciones y el cuidado con el que están hechas. Burials Pt.1, Endless y Where We’re Going… We Don’t son prueba de ello.

folder (2)Y siguiendo con esta senda musical, es imposible no distinguir este otro trabajo, Soundless Days, de Méon. Un Post-Rock totalmente ambiental, compuesto por el multi-instrumentalista Adi Lincoln. Este trabajo se presentó a principios de 2012 y su sonido se caracteriza por albergar grandes paisajes sonoros e instrumentales al mismo tiempo que se ven enriquecidos por guitarras más apagadas y abstractas. The Breath y Your Silhouette Is a Shadow Bigger Then a Mountain son dos de las composiciones de este álbum de grandes tintes nostálgicos.

Ya para terminar, despido esta breve entrada con otra grata sorpresa: Life In An Infinite Loop, de Cinématique [2011]. Desde Viena, Austria, nos llega esta banda fundada por por Alex Mallory, Chris Augusti, Alex Maurer y Nico Sieder en 2008. De nuevo, en este disco podemos resarcirnos con melodías hechas para soñar, idealizar, anhelar, con composiciones como Air, Oceanic Has Drowned o Rewind Yourself Completely.


MONO – Hymn to the Immortal Wind [2009]

Que no que no, que Anhelarium no es un blog de música solamente, de verdad, pero reconozco que es de lo que más se habla, sobre todo últimamente. Pero no porque lo demás me haya dejado de interesar y ahora sólo me quiera centrar en la música, es todo por una razón de tiempo. Puedo escuchar música mientras me ducho, me visto, mientras voy a la universidad o incluso mientras estudio, es por eso que a la música le puedo dedicar más atención que a la literatura o al cine. Aunque ahora que voy a tener más tiempo, estoy pensando en hacer un nuevo post de Minicríticas de cine, que ya va siendo hora.

También aprovecho este post para abrir una nueva sección en Anhelarium, en esta ocasión, dedicado al Post Rock, un estilo musical que desde hace un año me tiene realmente embelesado. Ya os hablé un poco sobre este género cuando os presenté brevemente a la que considero, la mejor banda de este estilo de Rock, God Is An Astronaut. El artículo lo podéis leer en este mismo enlace que os dejo.

No estoy acostumbrado a reseñar discos de este género así que quiero pedir disculpas de ante mano si algún erudito del Post Rock lee esta entrada y le parece un tanto insulsa o muy superficial. Poco a poco voy adentrándome más en este mundo del Post Rock, adoro conocer cosas nuevas, aprender, y en el terreno musical, me encanta saber de grupos y estilos nuevos, sobre todo si son apegados el Rock. Así que iré despacito, y con buena letra.

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Hymn to the Immortal Wind

Quizás mis palabras no le hagan justicia a este disco, y no porque no quiera, sino porque es complicado definir con palabras exactas lo que uno siente cuando está ante una obra de arte. Este disco, es una obra de arte, es la elegancia hecha música, es música hecha para soñar.

MONO es un cuarteto japonés que en mayo de 2009 presentaban el  que es su penúltimo disco de estudio, Hymn To The Immortal Wind, un disco que al poco se convertiría en uno de los más importantes de esta escena musical, un disco catalogado como obra maestra del Post Rock. No es para menos, creedme. Este trabajo está perfectamente elaborado, todo milimétricamente trabajado: sus melodías, sus timbres, sus ritmos y armonías, rozan la a veces inalcanzable perfección.

Este álbum está compuesto por siete temas, cinco de ellos, de más de diez minutos de duración. Temas que te sumergen en un universo paralelo, una música que si la escuchas como es debido, como se merece, logra transportarte a un estadio distinto, porque temas como Ashes In The Snow hinchan tu alma de paz y serenidad. Con la poca experiencia que aún tengo en este campo del Post Rock, creo no estar muy equivocado si digo que el Rock instrumental está en un momento extraordinario, en un total apogeo gracias a bandas como Collapse Under The Sky, Exxasens, GIAA, If These Trees Could Talk, Sleep Dealer, The Best Pessimist o MONO.

Follow The Map es otro de los temas que más me ha gustado del disco, donde la mezcla de instrumentos como el violín, la guitarra y el piano, crean un clima conmovedor y apasionante, algo que igual ocurre en Pure As Snow (Trails of the Winter Storm) un tema excitante de más de once minutos de duración, donde la intensidad va in crescendo, dejando más protagonismo a una percusión contundente, unos teclados más oscuros y unas guitarras más pesadas. Un tono épico que repiten en el que probablemente sea el tema más virtuoso del álbum, The Battle Of Heaven, en donde, con un montaje de casi trece minutos, la banda presenta una composición musical vibrante, con una epicidad desbordante, una música que la diosa Freyja elegiría para la cabalgata de sus valquirias. Everlasting Light, uno de mis favoritos del disco, es otro tema donde se combinan la elegancia de la orquesta con la firmeza y técnica del Rock. Todos los temas son destacables, cada uno por su peculiaridad, y Silent Flight, Sleeping Dawn destaca por su emoción y delicadeza.

Un disco muy recomendado, seas o no amante del Post Rock, es imposible no saber apreciar el valor de esta música y el talento que hay tras ella. Una persona con un nivel cultural y sobre todo, con buen criterio musical, no rechazaría nunca una música así, aunque sólo fuera para deleitarse con ella una sola vez.


GOD IS AN ASTRONAUT – Algo más que Rock

Creo que estoy soñando, que alguien me pellizque, ¿yo escribiendo para Anhelarium? ¡Vaya! ¡Si se me hace hasta raro! La última entrada data del 5 del pasado mes de octubre, así que os podéis imaginar lo liado que he estado. Pero retomo mis andadas por estos lares, esta vez con un nuevo post musical, en el que paso a mostraros una de las bandas que desde hace poco más de un mes me ha ganado por enteros. Me refiero a la banda irlandesa God Is An Astronaut, una banda de Post-rock instrumental que hasta la fecha ya ha editado cinco discos de estudio, un EP y que dentro de muy poquito estarán por nuestro país.

Los que ya me conocen saben que soy un incondicional del AOR y el Hard Melódico, sin olvidarme del buen Heavy Metal, pero siempre una cosa lleva a la otra, me refiero sobre todo a la cantidad de géneros que el Rock alberga en sí, y si eres como yo, un amante de la buena música y te gusta conocer cada vez más estilos y grupos distintos, es normal que descubramos cosas nuevas, quedemos abrumados por aspectos que antes desconocíamos y más aún si entran dentro del género que más te gusta, como en este caso, es el Rock.

Llegué a este grupo por la sencilla razón de encontrar una música que no me altivara y menos aún en esta época por la que estoy pasando de tanto estudiar. Me explico: la mayor parte de la música que oigo es Rock melódico, en definitiva, muchos grupos cargados de temas que al escucharlos, te recargan las pilas y te entran ganas de salir de casa, en resumidas cuentas, y como he dicho antes, te altivan (al menos a mí). Esto a priori es genial pero…escuchar a los Harem Scarem o a los Frontline mientras estás pasando apuntes a limpio o estudiándote una lección para un examen, no es muy buena idea, porque lo primero es que al escuchar esas canciones te entran ganas de soltar el bolígrafo, los apuntes, coger la puerta y marcharte.

Como chico responsable, claro que no haría eso y más cuando estoy en un curso académico más que importante. ¿De qué manera escuchar música sin que me entren ganas de liarla parda? ¡Buena pregunta!, me dije a mi mismo.  Y sin enrollarme mucho más (que esto ya parece un post personal, y para nada lo es) así es como llegué a esta fantástica banda. ¿Por qué? Porque el Post-rock y el Rock Progresivo es una música que puedes escuchar mientras estudias o trabajas sin que te amuerme o te altive. De manera que ni te quedarás dormido, ni te entrarán ganas de salir a dar un voltio.

Gracias a la recomendación de un forero conocí a esta magistral banda de la que ahora sí, entro a hablaros un poquito.

En el año 2002 y bajo su propio sello discográfico, llamado Revive Records Label, sacan el que es su primer trabajo, The End Of The Beginning el cual considero su mejor trabajo hasta la fecha. En este disco encontraréis unos temas realmente cautivadores, que te sumergirán en un mar de melodías de todo tipo de sonoridad. Destacar sobre todo sus dos primeros temas: el primero, que lleva por título el nombre del disco, es un verdadero prodigio, un tema realmente atrayente. Podéis ver el videoclip que realizaron pinchando en este enlace. El segundo es un tema aún más envolvente, un placer para los sentidos, un tema titulado From Dust To The Beyond y que nuevamente tiene su correspondiente video. Por supuesto, cabe destacar otros como Fall From The Stars, de un corte más acelerado, o Twilight, un tema en esta ocasión más denso pero igual de hipnotizador.

Ya en 2005, lanzaron su segundo álbum: All Is Violent, All Is Bright y que posee uno de los temas instrumentales más fascinantes que he escuchado nunca: Forever Lost. Sin duda, God Is An Astronaut alberga temas que desde el primer momento en que los escuché decidí que tendrían que acompañarme durante el resto de mi vida. Temas como este, realmente te elevan a otro plano, te zambullen en un cosmos particular en el que la abstracción rebosa la conciencia. El single elegido para presentar este disco fue Fragile, uno de los mejores temas del álbum.

En todos y cada uno de los conciertos de God Is An Astronaut, cada tema va acompañado por una presentación de imágenes que ellos mismos realizan. Es lo que ellos llaman, un “show audiovisual completo”. Para el próximo mes de marzo, estos irlandeses visitarán España, concretamente Barcelona (día 2 de marzo) y Madrid (día 4). Si los estudios me lo permiten, probablemente vaya a verles, y es que  jamás he asistido a un concierto de este tipo de bandas y la curiosidad y el ansia, ya llaman a la puerta.

Tras lanzar un EP en 2006, A Moment of Stillness, sacan en 2007 su tercer trabajo: Far From Refuge, un disco en el que se evidencia una vez más la tremenda calidad de estos músicos. Realmente, no añoras escuchar ni una sola vocal en ninguno de sus registros ya que los temas son verdaderamente envolventes, te deleitan y satisface las necesidades de todo aquél que sepa apreciar este tipo de música. Todos los temas son dignos de admirar, pero es de obligada tarea destacar algunos como Beyond The Dying Light o New Years End, uno de mis preferidos.

Es complicado querer escoger tan sólo un disco de todos los que God Is An Astronaut han presentado. Yo opto por el primero, pero con este grupo, esto es algo más que subjetividad, porque el sonido de cada tema, de cada disco, puede surtir efectos distintos en cada persona. Esto no es como discutir sobre qué disco de Metallica o qué disco de Led Zeppelin es mejor. Las bandas de este estilo, son más “turbias” en ese aspecto.

En 2008, editan un disco homónimo e igualmente cargado de espléndidos temas. Quizás este sea el siguiente con el que más me quedaría después del primero, pues posee algunas obras como Post Mortem, Loss o No Return que no querrás que acaben nunca de sonar.

El año pasado volvieron a sorprender con un nuevo disco: Age Of The Fifth Sun. ¿Qué decir? Tras escuchar este disco y volver a escucharlos todos de nuevo una y otra vez, piensas que estos tipos son los creadores de la música perfecta para hacer que tu mente se pierda por incontables paisajes. Lost Kingdom, Golden Sky o Shining Through son una muestra de lo que intento mostrar en este artículo. God Is An Astronaut le pone música  a la Vida.