Insomnium – Shadows of the Dying Sun [2014]
¡Me encanta el Death Metal melódico! Musicalmente admiro esa forma de neutralizar los sonidos más estruendosos con los más armónicos. Pero lo que hace que me cautive tanto este subgénero musical es la forma en la que te impregna, pues esta música es capaz de compensar el furor y la cólera con la calma y la eufonía.
El Death Metal melódico proviene del Death Metal, el lado más extremo del Heavy Metal, el más duro y pesado. Un estilo musical de lo más prolífico desde la década de los 90, caracterizado principalmente por las abismales voces guturales y unas guitarras y percusión rápidas y pesadas. El Death Metal surgió de llevar al extremo estilos como el Thrash Metal y que ha dado lugar a bandas como Kataklysm, Seth, Death, Morbid Angel, Deicide, etc. Bandas con un grandísimo éxito. El Death Metal es un estilo que acuna seguidores muy acérrimos en todo el mundo.
Fue a partir de la década de los noventa cuando grupos provenientes de las regiones Escandinavas y de Europa del Norte, específicamente de Suecia y Finlandia comenzaban a dar forma a melodías que partían de una base puramente deathmetalera. Estos grupos inyectaban armonía a esas guitarras, y las voces guturales se alternaban con voces limpias, dando paso a temas de auténtico Death Metal pero que ahijaban ritmos muy melódicos poseedores de estribillos bastante marcados y rítmicos. Esta mezcla se extendió como la pólvora, teniendo un gran impacto a nivel internacional, encontrando detractores sólo entre los más intransigentes y fanáticos seguidores del Death Metal más ortodoxo.
El éxito fue tal que grupos consagrados dentro del Death Metal acercaron su sonido a la vertiente más melódica. Los primeros en dar forma al Death Metal melódico fueron los suecos At The Gates, siguiéndoles grupos como In Flames, Children Of Bodom, Arch Enemy, Dark Tranquility o los protagonistas de este nuevo post, Insomnium.
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La Cabaña |
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Nunca he sido amante del Death o Black Metal, son estilos que escucho muy poco, para un ratito, como digo yo, pero poco más. Los sonidos puramente extremos me hartan. Los que estáis acostumbrados a leer mis entradas sobre música sabréis que constantemente requiero melodías, necesito ritmos melódicos. Sólo el buen Thrash Metal hace que me olvida de anhelar con insistencia ritmos más sonoros, pero por lo general, necesito de buenas melodías para disfrutar como a mí me gusta de una canción.
Insomnium es un grupo finlandés que comenzó su carrera discográfica a principios de la década del 2000. Por aquél entonces ya eran varios los grupos consagrados dentro de la etiqueta de Death Metal melódico. Insomnium no hizo más que engrandecer aún más este estilo, logrando distinguirse entre los mejores grupos del género.
Para este 2014 nos presentaron Shadows Of The Dying Sun, su sexto disco. En él encontramos temas característicos de la banda, siguen la misma senda que en trabajos anteriores con pequeñas (o no tan pequeñas) pinceladas que le dan un cierto soplo de aire freso a este nuevo disco. Se puede apreciar que abusan menos de los guturales y que han tomado un cierto aire más hímnico. Temas como While We Sleep son buena muestra de ello. Los coros de este tema logran altivar el alma. Pero empecemos por el principio. Shadows Of The Dying Sun comienza con un tema introductorio, The Primeval Dark, un tema aplastante en a nivel técnico que enlaza a la perfección con While We Sleep. Con el siguiente tema, Revelation, Insomnium demuestran que son grandes maestros a la hora de lograr ese equilibrio del que os hablaba antes. Canciones como ésta hacen que logre disfrutar con este tipo de música. Combinan claras guitarras con rotundos riffs y un incansable doble bombo y logran concertar voces guturales y voces limpias y susurrantes.
Este disco también tiene un toque más ambiental, y es por ello que varios de los temas que componen este último trabajo superan los seis minutos de duración, temas como While We Sleep, Black Heart Rebellion, The River y The Promethean Song y Shadows Of The Dying Sun.
Black Heart Rebellion probablemente sea el tema más cañero del disco. Uno de mis temas favoritos es Lost To Night por ese toque épico o como os decía antes, tan hímnico. Collapsing Words es puro brío, un tema rápido, con unas guitarras intrépidas que comparten protagonismo con unos pasajes de teclado interrumpidos por clamorosos guturales. The River es el tema de mayor minutaje, casi ocho minutos del mejor Death Metal melódico que se puede escuchar en la actualidad y uno de los platos fuertes de este Shadows Of The Dying Sun. Ephemeral, su siguiente tema, es mucho más desgarrador y vibrante, pero para mí, otro de los platos fuertes de este trabajo es The Promethean Song, al menos para mí es el tema que más me ha cautivado. Es el tema más completo de este disco, por su elegancia y brillantez a la hora de mezclar sonidos tan distintos y complejos, y sobre todo por esa emoción que te envuelve al escucharlo, pues es como viajar en tren bajo un interminable túnel que de vez en cuando deja atisbar algo de luz en su trayecto.
Los temas que cierran el álbum son el que le da nombre al disco y Out Of The Sea. El primero, Shadows Of The Dying Sun es uno de esos temas que van in crescendo, haciendo que la segunda mitad sea totalmente espectacular, provocando una gran impresión en quien lo escucha, para terminar de una forma prácticamente onírica. Out Of The Sea es un tema más al uso, pero en el que volvemos a toparnos con esos pasajes calmados que dan siempre lugar una nueva tempestad.
Es sin duda uno de los discos más recomendados de este 2014 y que no puedes dejar pasar. Si no conoces a este grupo, tienes todo un verano por delante para hacerte con su discografía y deleitarte con su música. Y si ya los conoces, estarás conmigo en que este es uno de sus mejores discos de Death Metal melódico que se pueden apreciar.
Alcest – Shelter [2014]
Cuando escuché este disco por primera vez, nada sabía yo de esta banda francesa. Desconocía a este grupo por completo. Lo bueno de esto es que partes de una mejor perspectiva, es como contemplar un paisaje plano, disfrutas de unas buenas vistas sin que nada lo empañe. Digo esto porque al no conocer absolutamente nada de esta banda, sin haber escuchado sus anteriores trabajos, hace que nada intoxique mi percepción de este Shelter, el cuarto álbum de los franceses Alcest.
Por eso, en mí, no ha habido sensación alguna de desconcierto al escuchar este álbum. Quedé totalmente prendado de él desde la primera escucha. Hacía mucho tiempo que un disco no me transmitía tanta paz y armonía. Y precisamente hablo de desconcierto porque esta banda ha dado un cambio a su sonido. Una vez que ya había escuchado este disco una veintena de veces (no exagero, para mí es uno de los mejores discos de este año 2014), decidido me hice con sus anteriores trabajos y sobre todo, leí todo lo que pude sobre la historia de la banda.
No me sorprendió en absoluto comprobar que Alcest era una banda cuya música provenía de unos sonidos más densos y oscuros. No es la primera vez que sucede esto. Y no sería la primera vez que me enamoro de una banda que otrora componía un música totalmente distinta, como es el caso de Anathema u Opeth.
Alcest nuevamente es un claro ejemplo de que el Metal es el género musical que más y mejor se adapta a los nuevos tiempos. Es el estilo musical que mejor saber reivindicarse. Las bandas de Metal son las que mejor saben explorar en el espacio musical y las que mejor saben concebir muy de vez en cuando grandes obras en las que se mezclan con total superioridad y perfección distintos sonidos o estilos. No es sencilla la creatividad, y si se alcanza, es algo que se paga bien caro.
Alcest es un proyecto francés liderado por Stéphane Paut (más conocido como Neige), a priori, un proyecto vinculado en mayor medida al Black Metal (aunque no estoy muy de acuerdo con esto) y que paulatinamente fue tomando tintes de Shoegaze y más actualmente del mejor Post-Rock. Alcest a día de hoy experimenta con una música muy alejada de la densidad del Black Metal y deja claro con sus dos últimos discos por dónde quieren centrar su carrera musical. Antes señalé la vinculación de Alcest con el Black Metal, y efectivamente, considero a Alcest una banda vinculada a dicho género, pero nunca ha sido una banda de Black Metal al uso, en absoluto. Por lo general, cuando uno piensa en Black Metal, se le viene a la mente bandas como Mayhem o Gorgoroth, estandartes de este estilo, y otras como Burzum banda orientada al catalogado como Ambient Black Metal o Dimmu Borgir más orientada al Black Metal más melódico y sinfónico.
Antes de reseñar este Shelter, detallaré brevemente sus anteriores trabajos. En 2007, con Souvenirs d’un Autre Monde, debutaba Alcest e impresionaba a prensa y público con un disco totalmente integrado en la esfera del Shoegaze con tintes de Black Metal. Un disco muy etéreo, poético, un disco realmente talentoso que acogió grandes críticas. Un disco donde se mezclaba con ingenio el Shoegaze y el Post-Rock y daba lugar a melodías suaves y susurrantes. Sin duda un disco donde se presenta la música en su lado más artístico, una manera de trasmitir belleza mediante notas musicales. Ya en 2010, con Écailles de Lune sí notamos con claridad la presencia del Black Metal. Su sonido es más duro, denso, con voces más desgastadas y trémulas. Pero esa belleza musical de la que os hablaba antes se sigue apreciando. Lo hermoso y lo diáfano se mezcla con lo tenebroso y eclipsado.
Les Voyages De L’Âme es disco editado hace poco más de dos años, en 2012, y que sigue la senda de Écailles de Lune. En él, Neige sigue trasmitiendo esas melodías creadoras de una atmósfera musical difícil de alcanzar para muchos grupos. Encontramos unas guitarras tanto acústicas como eléctricas tratadas de manera suave, con un arreglo vocal excelente. En este álbum Neige nos vuelve a regalar letras pesimistas, y otras que no lo son tanto, letras esperanzadas, que hablan de mundos ficticios y etéreos y otras que tratan la muerte y la melancolía. La instrumentalización y la sonoridad de este disco son sublimes.
Y es ahora, con Shelter, su cuarto disco de estudio, donde Neige mejor ha sabido adaptarse a ese método que desde hace años ha ido llevando a la práctica. Una vez escuchado este disco en repetidas ocasiones y habiendo prestado atención a sus anteriores trabajos, considero que este último disco de estudio desarrolla de la mejor manera posible lo que Neige ha querido trasmitir en todo este tiempo. En mi opinión, Neige ha conseguido con este disco emocionar aún más al oyente y crear un espacio de ambientes más cautivadores y fascinantes.
Este Shelter comienza con Wings, una sensacional y embriagadora intro, una cantinela que trasmite calma y armonía y que en poco más de un minuto deja paso al sonido de una anímica guitarra eléctrica, cargada de energía y acompañada de un raso y suave teclado. Opale, como así se llama su primer tema, ha sido el escogido como carta de presentación de este nuevo trabajo de Neige. Un tema de estructura uniforme, con un sonido muy esponjoso y unos cánticos sedosos y envolventes. Para los que nos gusta el Rock más ambiental y espiritual, este tema es una delicia, pero no será éste el único, pues el disco es un rebosar de etéreas y místicas melodías.
Le sigue La nuit marche avec moi, un tema de corte más sencillo y compacto, no tan melódico como el anterior y más sosegado que en su recta final resulta más estridente. Y con Voix Sereines, vuelve a pasar algo parecido. El tema, apacible y sereno en sus inicios, mantiene un crescendo, todo el tema en sí es una transición dinámica en cuanto a la intensidad de su sonido. Es un tema fabuloso, quizás uno de los mejores del disco, pero no mi favorito. L’éveil des muses, es un tema donde el Post-Rock cobra mayor protagonismo, un tema instrumentalmente muy logrado, con una guitarras fuertes y destacadas. Y es aquí, donde llega mi tema favorito que pone nombre al disco, Shelter. Para mi gusto, el mejor tema del álbum y uno de los mejores de la banda. Es la canción que más me ha trasmitido y la que más me ha hecho alcanzar esa ensoñación que tanto anhelo cuando deseo pasar largos momentos escuchando buena música.
Shelter es un tema que irradia quietud, equilibrio y reposo para el alma, paz y tranquilidad en nuestro momento presente. Jamás me alejaré del sonido que trasmite esta canción. Desde el primer momento que la escuché, me acordé de los mejores temas de God Is An Astronaut, mi grupo de Post-Rock favorito, como Forever Lost, mi tema amuleto de los irlandeses.
Tras Shelter, comienza Away, y junto a la anterior y Voix sereine, los avalos como los tres mejores temas de este último trabajo. Away es un hermoso tema en inglés, semi acústico, donde Neige juega con su voz, a veces susurrante y comparte para la ocasión protagonismo con Neil Halstead, cantante de Slowdive, uno de los grupos estandartes del shoegazing que presta su voz para este tema, bastante bueno, en donde las voces crean una perfecta armonía y luminosidad.
Para poner el broche final a este trabajo, se nos presenta Délivrance, un tema de diez minutos de duración en donde confluyen violines, cello y unos teclados perfectamente compaginados con la penetrante voz de Neige y sus guitarras. Otro tema donde cobra mucho protagonismo el Post-Rock, en el que a partir del minuto tres, todos estos instrumentos colisionan engendrando un paisaje musical vertiginoso que poco a poco culmina en un placentero letargo. Existe una edición especial con bonus track, una canción titulada Into The Waves donde unas voces femeninas entran a escena e instauran un diáfano horizonte musical.
Analizado a fondo la carrera musical de Alcest y tomando conciencia del cambio progresivo en su musicalidad, me reitero en que con este último trabajo, el líder de la banda, Neige, ha conseguido lo que se proponía. Muchos quizás esperaban una continuación de Écailles de Lune o algo más similar a Les Voyages De L’Âme. Pero nunca llueve a gusto de todos, o eso se suele decir. Sea como fuere, es muy difícil que el fiel seguidor de Alcest se descontente con este maravilloso disco.
Shelter es un disco precioso, de una eufonía fascinante, poseedor de una música suave, dulce, una armonía idílica, espiritual. No puedes dejar pasar esta obra de arte.
Just If I – All One People [1993]
Hacía tiempo que no reseñaba un disco de AOR en Anhelarium, es por eso que el disco elegido para esta especial ocasión es toda una rareza de este estilo musical. Me complace muchísimo retomar un post sobre el AOR y más si el disco del que os hablo es All One People, de Just If I, editado en 1993. Fue un proyecto de corta vida, sólo publicaron un álbum. Algo habitual en aquellos años dorados del Rock más melódico, en el que muchos artistas de bandas consagradas se juntaban para dar vida a proyectos musicales que a día de hoy siguen deleitando a los que amamos este género.
Que los músicos canadienses hayan sido los que probablemente más hayan aportado y enriquecido al AOR es algo que todos sabemos (Harem Scarem, Regatta, Dan Lucas…), por lo tanto, si sabiendo que las canciones escritas para este disco vienen de la mano de músicos canadienses como Noah ‘Neal’ Shilkin and Sam Kaleniuk, le sumamos que participan grandes artistas como Neal Schon, guitarrista de Journey y Mike Reno cantante de Loverboy, sabemos que no hará falta escuchar el disco para saber que estamos ante algo de una calidad asegurada.
Shilkin, Kaleniuk and Mike Reno escribieron todas las canciones, ellos además se encargaron de invitar al músico Humberto Gatica (Kenny Loggins, Michael McDonald, etc.) y a los productores y también amigos, Ken Sinnaeve & Matt Frenette (Loverboy, Streetheart) y por supuesto, a Neal Schon (Joureny, Hardline) para grabar este disco en el estudio de éste en Vancouver. El hecho de que Mike Reno esté tras la composición de los temas que conforman este disco, hace que el mismo tenga muchísimas similitudes con su banda Loverboy. La musicalidad es prácticamente la misma.
Muchos aseguran sin dudar que este disco posee las letras más hermosas jamás escuchadas en un disco de AOR. En mi opinión, tengo que decir que al leer sobre este disco, me esperaba mucha más melodía y estribillos pegadizos, más pomposidad, algo característico del AOR de los años 90. Pero en su defecto, bien es cierto que las letras de este álbum son una auténtica maravilla, todas irradian un gran sentimiento, derivando en canciones de mucho talento. Prueba de ello es la canción titulada Cindy’s Song, inspirada en la historia de una chica llamada Cindy que sufrió de pequeña abusos sexuales.
Canciones como Go Ahead And Cry, Carpe Diem, el brillante medio tiempo After The Storm, y la excepcional balada Anytime, Anywhere hacen que este disco sea excelente. Un disco perfectamente producido, una joya del AOR de principio de los 90, en definitiva, un disco altamente recomendado a los amantes y nostálgicos del mejor AOR.
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